CinemaScope

SolucionES

2010-12-12T19:36:00.002+01:00

Esta no es una entrada sobre cine. Es sobre la esencia de la vida. También es una excusa para explicar la inactividad del blog. Pero ese es otro berenjenal.

Hace unos meses nos juntamos un grupo de estudiantes de 4º de Periodismo para darle la vuelta a la crisis. Pensamos en llamarnos Contracrisis, o La generación contra la crisis. Porque queríamos quitar la funda de pesimismo que nos envuelve. La clave estaba en poner por delante de las monedas, a las personas. Queríamos un suplemento de 32 páginas donde tu vecino o tu hermano te mirase a los ojos, y te inoculase la revolución, el inconformismo, frente a un sistema obsoleto. No es utópico. Es tan real como los desconocidos del Casco Viejo de Pamplona que se pagan los servicios con tiempo: una hora por una clase de inglés, canjeable por cuidar los niños. Y, también, ese compañero de clase que se desangra por sacar una carrea y tiene una vida oculta, llena de más esfuerzo y sacrificio.

Son soluciones mínimas, pero que demuestran que se puede seguir creyendo en el ser humano, en el bien común. Y, por supuesto, estos ejemplos se guían por la voluntad de crearse problemas, para superarlos. De no tener miedo a errar, porque la recompensa es la sonrisa ajena.

Nuestro trabajo está hecho. En la rotativa vimos el parto. Olía a tinta y papel, era sedante. Ahora es vuestro, leedlo. Y pasad por alto las horas que nosotros hemos consumido, lo importante son los protagonistas de cada página. Aunque eso sí, es obligatorio pararse en los agradecimientos, porque esas 32 páginas no hubiesen sido sin las no-vacaciones de Luis, o la mirada silenciosa de Paco, o los ánimos de Miguel Ángel y la paciencia de Sonsoles.

SolucionES
Páginas 3, 4-5-6, 7, 8-9, 10-11, 12-13, 14-15, 16-17, 18-19, 20-21, 22-23, 24-25, 26-27, 28-29, 30-31 (PDF gracias a Labuenaprensa)

Mierdas raras... De cine

2010-11-26T20:11:00.004+01:00

No fue Belén Rueda, pero alguien vino esa noche a vengarse de mi crítica de El Orfanato.

¡Cabrones! Si tenéis a Dani secuestrado recordad que hay que darle de comer sólo una vez al día

La trilogía neorrealista de Vittorio De Sica

2010-06-10T20:51:00.003+02:00

Vittorio De Sica enfrenta al espectador a la realidad de los más pobres en su trilogía neorrealista: Ladri di biciclette (1948); Miracolo a Milano (1951) y Umberto D. (1952). Sus personajes son ingenuos e inocentes; y sufren por las injusticias de una sociedad vil, marcada por el hambre, el egoísmo y la guerra.

Ladri de biciclette (El ladrón de bicicletas, 1948) es una película dura, en la que el director refleja el paro en Italia, y las condiciones ilógicas para conseguir un empleo gracias a la Administración. Así, el protagonista necesita una bicicleta para poder trabajar, esa es la única manera de optar a un sueldo para mantener a su familia. Pero le roban la suya, y recorre las calles de Roma con su hijo pequeño hasta dar con el ladrón. En ese periplo tiene que superar la frustración, y la indiferencia de los demás para poder seguir siendo un modelo educativo ante su hijo.

Al igual que los demás personajes de esta trilogía, los protagonistas empatizan con el espectador porque son buenas personas, y si cometen algún acto malo, es porque la sociedad, su entorno, les empuje a obrar así. Vittorio De Sica crea a estos individuos como seres ingenuos, que comparten su amor, ya sea con una familia o con su perro, pero que nunca han tratado con la cara dura de la sociedad, o si lo han hecho, la han intentado entender. Es muy claro el ejemplo de Totò -Miracolo a Milano (Milagro en Milán; 1951)-, que entra de niño en un orfanato, y en la siguiente secuencia sale convertido en un joven alegre, que saluda a todo el mundo (como reza la película: "Que un buenos días signifique, de verdad, buenos días"), sin que medie nada más en el metraje.

Pero, al contrario de Umberto D. y Ladri di biciclette, Miracolo a Milano es una película que intenta superar la maldad de la sociedad. Se puede decir que huye del neorrealismo para grabar una idea más positiva, que a través de la magia y la bondad solucione los problemas de los más pobres. Es, por ello, un relato mucho más entretenido, porque Vittorio De Sica se permite la licencia de jugar con el humor, con fantasmas, con caricaturas de los ricos (son perros que se ladran). Y eso beneficia, al final, al espectador. Aunque las otras dos películas destacan por su capacidad de ser un reflejo de la sociedad italiana, por su labor social.

- Entradas relacionadas: ¡Viva Italia!
- Foto 1: Pek (Flickr)
- Foto 2: Žilda (Flickr)

Para calentar antes del Mundial de fútbol

2010-06-09T21:10:00.006+02:00

Ayer, por fin, me convencí: se puede hacer buen cine (en este caso, documental) hablando sobre fútbol. El alma de la roja (rtve.es, el vídeo está disponible íntegro) de Santiago Zannou tuvo la culpa. Y eso que tampoco hay muchos precedentes memorables donde fijarse para buscar una base narrativa. Por ejemplo, Victory de John Huston, fue una anécdota graciosa con buen plantel de actores: Pelé, Bobby Moore, Osvaldo Ardiles -futbolistas-; y Stallone, Michael Caine y Max von Sydow.

Y este éxito de Santiago Zannou, a quien conocimos en San Sebastián por su película El truco del manco -protagonizada por el rapero Langui- se debe sobre todo a la estructura narrativa que usa: un repaso cronológico por la historia de España en los mundiales, con testimonios de glorias del pasado con los protagonistas de la selección actual. Por eso, es genial ver a Ramallets o a "Luisito" Suárez hablando sobre Xavi o Iniesta; y a estos últimos recordando a sus predecesores en el plantel español como Michel, Hierro o Luis Enrique. Además, con el valor que imprime el tiempo a los recuerdos, el aficionado de fútbol se reencuentra con lo que importa de verdad: el deporte, y deshecha la parafernalia mediática que lo rodea. Al final son un grupo de amigos, que por unos días representan los sentimientos de un país, y que quieren pasárselo bien, y que los espectadores disfrutemos también.

Por esta razón, también le doy mucha importancia al reportaje que hicieron en Informe Robison (Canal+, 2008) sobre la Eurocopa que consiguió España en Suiza y Austria. Se llama El sueño de la Eurocopa, y está en tres partes en Youtube. Os dejo la primera aquí (segunda y tercera), es muy recomendable:

Estos vídeos son perfectos para irse motivando ante el espectáculo del Mundial de este año -empieza el viernes-. Pero como hay tantos partidos y tantos equipos (32), nunca está mal buscar una segunda opción para seguir, yo creo que este año iré con Corea del Norte, aunque los argentinos me han tocado la fibra sensible con este anuncio, magistral, porque en esas tierras saben muy bien como embelesar:

Foto: Patrimonio públio Nationaal Archief

Paris, Texas de Wim Wenders

2010-06-08T18:24:00.004+02:00

El miedo a la altura

Por el desierto de Texas camina un hombre trajeado, lleno de polvo, con una gorra roja y un bidón de agua. Desde los ojos de un ave, el director de Paris, Texas -Wim Wenders- describe el paisaje con planos largos y profundos. Entonces, el pájaro se posa sobre una roca e intercambia una mirada con Travis Henderson, el personaje interpretado por Harry Dean Stanton: no hay nadie más en el desierto.

El protagonista camina sin rumbo, se guía por la necesidad de sentirse solo. Ante los obstáculos que se le presentan, siempre se recupera y sigue, paso a paso con sus zapatos roídos, sin la intención de buscar nada o, de encontrar algo. Entonces aparece su hermano, Walt -interpretado por Dean Stockwell- y construye la historia de Travis: primero le da nombre, pues hasta ese momento el protagonista había permanecido mudo; y pasado, un hueco de cuatro años donde no recuerda dónde estuvo o qué hizo. Y, también, futuro: es padre de un niño de siete años llamado Hunter que ha vivido con Walt y su mujer duranto el espacio que Travis ha estado desaparecido.

Harry Dean Stanton encarna en Paris, Texas a un hombre que hulle de sí mismo, aunque poco a poco se da cuenta de un objetivo que él había construido, pero que había olvidado: París, en el Estado de Tejas, una ciudad cercana a Dallas en donde el protagonista tiene una finca. Allí se conocieron sus padres, y en ese sitio quería él levantar su casa, para vivir con su mujer -Jane- y su hijo -Hunter-. Paris, Texas engancha el Travis del pasado con el del futuro para intentar llenar ese vacío de cuatro años en los que el protagonista ha caminado por el desierto.

Pero falta Jane -Nastassja Kinski, hija de Klaus Kinsk i (en el blog: "Cuando la locura se hizo arte")-, y demostrar a Hunter que su padre puede ocuparse de él. Aún así, entre los silencios de Travis, el guionista cinematográfico crea en el hijo (casualidad: el actor es en la realidad hijo del guionista) un personaje maduro, a pesar de tener ocho años, que no necesita muchas explicaciones y que pone voz y acción a esos silencios de duda de su padre. Esta diferencia de actitud no es gratuita, y Wim Wenders la argumenta con una metáfora: Travis está obsesionado con mantener sus pies en la tierra, por eso viaja a Texas desde Los Ángeles en coche, necesita ese contacto porque tiene miedo de la altura (simbólica, que se refiere a construir realidades futuras e idílicas, como hace su hermano al levantar carteles publicitarios). En cambio, Hunter, no. Él quiere volar en una nave espacial, le apasiona el planeta Tierra, pero visto desde el espacio, como cuando habla del origen del universo (un niño de ocho años explicando la Teoría del Bing Ban): no tiene miedo a arriesgarse y subir a una altura simbólica.

Y sigue faltando Jane para cerrar este triángulo, con una historia todavía vacía. Nastassja Kinski personifica la contradicción de intentar huir de su pasado, pero a la vez mandar dinero a su hijo para su futuro. Además, tiene su trabajo también tiene una carga simbólica para Wim Wenders: se vende en un cabina en la que habla con los clientes, con un cristal mediante, que actúa como espejo para ella, pero que permite que los demás la vean. Es una mujer que sabe y quiere escuchar, las penas ajenas, pero que no quiere afrontar las propias. Y en ese espacio, Travis y Jane, sin mirarse el rostro, se cuentan en una escena memorable sus problemas, su pasado; y se van descubriendo hasta que pueden mirarse a la cara y no avergonzarse de ellos mismos.

Wim Wenders acierta de manera genial con esta narración, porque hasta ese momento la historia era construida por terceras personas, con otros testimonios como son las películas de super 8 que grabó Walt. Travis, en su silencio, se cuenta a sí mismo quién es, para después poder compartirlo con Jane. Y Hunter también ayuda, con lo poco que puede recordar de su infancio: datos e historias que su padre ha olvidado.

Paris, Texas del director germano Wim Wenders es una obra maestra

Foto 2: Tara Bethune-Leamen (Flickr)

The killing fields de Roland Joffé

2010-06-07T16:29:00.006+02:00

The killing fields (Los gritos del silencio; 1984) fue la primera aparición en la dirección cinematográfica de Roland Joffé, quien dos años después firmó la aclamada obra The Mission (La misión), con Jeremy Irons y Robert De Niro.

La historia se basa en la reconstrucción de los hechos reales escritos por Sydney Schanberg -corresponsal del New York Times en la Guerra de Camboya- en el artículo The Death and Life of Dith Pran: A story of Cambodia (20 enero de 1980). Él periodista se encarga de narrar la amistad que crea con su traductor camboyano, su trabajo en condiciones límite, y la desaparición de Dith Pran cuando es entregado a los Jemeres Rojos.

A partir de esta premisa, Roland Joffé habla sobre el trabajo de periodista de guerra y critica la actitud de muchos que encuentran en el conflicto una oportunidad para la aventura y las vacaciones. Por ejemplo, los compañeros que trabajan empotrados como periodistas oficiales en las unidades del ejército norteamericano, que no son capaces de ver o buscar la brutalidad de su Gobierno. Así, los dos personajes protagonistas -Sydney (Sam Waterston) y Dith (Haing S. Ngor)- ponen todos los medios para sacar a la luz sus propias historias de los olvidados, los civiles. En un papel secundario, pero meritorio también, figura John Malkovich -todavía tenía una carrera cinematográfica corta- como fotógrafo casi gafe, porque siempre explota algo cerca de él.

En esta primera parte de la película, el director intenta construir una amistad entre los dos personajes protagonistas, pero no acierta a la hora de crear las escenas propicias. Se puede afirmar que Roland Joffé no sabe mostrar qué hay detrás de dos amigos, o qué los convierte en ello. El único avance en esa línea de la historia que pretende mostrar la unión de Sydney y Dith se refiere a la actitud del primero con el segundo: al principio, el corresponsal del New York Times es prepotente, y trata al traductor como un simple subordinado; después, entiende que el trabajo que los dos están realizando es periodístico, los dos firman las crónicas desde Phnom Penh (capital de Camboya). Pero el guión de este apartado es una concatenación de sucesos relacionados con la guerra: un secuestro, un atentado terrorista. Incluso en un punto de la película, para demostrar que hay una amistad fuerte entre Sydney y Dith, el camboyano reconoce el cariño que el norteamericano siente por su familia. Es una representación a través de la palabra y no de la acción, es poco creíble, por tanto. Y quizá se deba a un recorte en la edición, pero no ayuda a creerse la historia.

La segunda parte del metraje narra la esclavitud que sufre Dith Pran cuando es capturado por los Jemeres Rojos, es un relato verídico y útil que sirve al espectador para conocer cómo un estado intenta reprogramar a sus ciudadanos desobedientes y establecer el "año cero". En este apartado, el director tiene más acierto a la hora de contar, y equilibra la película para conseguir un todo muy bueno que supo pelear en los Oscar por tres estatuillas frente a la omnipresencia de Amadeus (8).

Foto 2: Mary Ellen Mark

La dolce vita de Federico Fellini

2010-06-05T22:42:00.004+02:00

Marcello Rubini es un periodista que se mueve por la noche elitista de Roma en La dolce vita de Fellini, que la vive junto a sus protagonistas para después escribir sobre ella. Y que vive encadenado al encanto que las clases altas provocan en las bajas. Así se entiende la escena famosa de la Fontana di Trevi, cuando el actor protagonista -Marcello Mastroianni- contempla la belleza exuberante, intocable, de Anita Ekberg: inalcanzable para él.

La dolce vita habla de un periodista de orígenes humildes que es hipnotizado por el brillo intenso de las fiestas burguesas de Roma, donde las estrellas de cine y la nobleza celebran la alegría de haberse conocido en un mundo que les es completamente favorable. En el relato, la historia de Rubini queda suspendida en el tiempo hasta que aparece su padre en la ciudad. Hasta ese momento simplemente es un vividor con una realidad cotidiana que significa una carga para él: su mujer Fanny -Magali Noel- pierde la cordura por los celos que siente ante Maddalena -Anouk Aimée-, una belleza de buena familia por la que suspira Marcello Rubini. Cuando aparece el padre del periodista en Roma, por un viaje de negocios, se comporta como un rufián que embelesa a las damas, y el protagonista se reconoce en la crueldad que esa infidelidad significa para su madre.

Este instante significa un nexo entre el Marcello Rubini presente en el relato, y el chico de provincias del que proviene. Es un lapsus que Fellini permite a su personaje para reencontrarse con la sencillez y, quizá, encauzar su vida, lejos del lujo y la juerga autodestructiva de los ricos. Pero hay más oportunidades, y el realizador las personifica en una chica humilde que trabaja en un bar, que aparece como el último desvío que puede evitar la destrucción de Marcello Rubini. A pesar de la imagen de pureza que emana la muchacha, el periodista guía su realidad hacia un laberinto, donde Fellini se congratula de grabar escenas geniales que ponen en evidencia la superficialidad, la vanidad, la idiotez y la tontuna de esas clases altas que se sienten inmortales en sus burbujas de realidad, en sus castillos.

Es increíble la humanidad con la que Fellini compuso al personaje que interpreta Marcello Mastroianni, porque el espectador no lo puede odiar, ni siquiera puede considerarlo como un hombre cruel, a pesar de como trata a su esposa. El periodista es un fruto de su momento, de los flashes de su amigo Paparazzo, que dibujan una sociedad donde los ricos parecen mejores, inmortales. Y Rubini quiere pertencer a ella, aunque no le corresponda, o aunque sea irreal; y el espectador cae rendido, como lo hace el protagonista, ante la personalidad hipnótica de Maddalena -Anouk Aimée- y la belleza de Anita Ekberg.

Fellini escribió a Rubini como su alter ego, porque el director también era un hombre de provincia encandilado por esas mujeres de la alta sociedad romana. Y en la película, el realizador juega con esa realidad para desenmascararla.

Foto 1
Foto 2

The elephant Man de David Lynch (III)

2010-06-04T14:05:00.005+02:00

Tercera entrega de la monografía sobre David Lynch, y esta vez vamos a hablar de The elephant Man (El hombre elefante; 1980). Antes habíamos escrito sobre Blue Velvet (Terciopelo azul; 1986) y sobre la composición de la música de Twin Peaks (Love Theme).

The elephant Man puede etiquetarse como una obra comercial, conservadora respecto a la narración. Es un parón respecto al cine experimental -capaz de mezclar sueños surrealistas con relato realista- que David Lynch había mostrado, por ejemplo, en Eraserhead (Cabeza borradora; 1976) cuatro años antes. Eso sí, el director protege, en algunas secuencias, su gusto por las metaforas visuales. Así ocurre con el inicio del metraje, cuando un elefante furioso se superpone en la pantalla a los gritos de miedo de una mujer. Esta idea, además, sirve al feriante -que ejerce como dueño de John Merrick (el Hombre elefante interpretado por John Hurt)- para explicar el origen del "monstruo": su madre fue pisoteada por un elefante mientras estaba embarazada.

La película presenta a un ser humano diferente, marcado por un cráneo enorme y deformado, que impide que John Merrick pueda hablar de manera fluida y que pueda acostarse para dormir como una persona normal, por eso lo hace sentado. Además, su espalda tiene tumores cutáneos que hacen que su piel recuerde a la de un elefante. La historia se basa en un caso real, documentado, y que tuvo mucho impacto en la sociedad inglesa de finales del XIX.

David Lynch dirige una historia dura, a la que le roba el morbo de mostrar con detalle las deformidades del protagonista. Así, el hombre elefante no muestra su rostro en los primeros 30 minutos de película. Sino que el realizador prefiere apuntar siempre a la reacción que provoca John Merrick en los espectadores que lo ven. Es una visión triple, como argumenta el crítico Serge Daney: "Burlesca, moderna y clásica. Más aún: la feria, el hospital, el teatro".

Con esta idea, se puede analizar lo que el director quiere transmitir con la película: John Merrick quiere ser un hombre normal, que no se diferencia de los demás; y ese planteamiento lo mata, porque El hombre elefante es distinto y debe desear ser distinto. Por ejemplo, David Lynch incluye imágenes de obreros trabajando en las fábricas que han vivido la Revolución industrial: hay máquinas que ayudan, pero alienan y convierten a todos los trabajadores en seres iguales, sin creatividad. Esa perspectiva industrial aparece en otros proyectos de David Lynch, como el aserradero de Twin Peaks. Y esa visión, en The elephant man, es burlesca, es la feria donde se exhibe a John Merrick; es muy cruel.

El médico, Frederick Treves (Anthony Hopkins), llora la primera vez que ve al Hombre elefante. Lo hace por interés científico, por el reto que se le presenta en su carrera de cirujano. Por eso también cae en el exhibicionismo. En cambio, la mirada del teatro es la única justa con John Merrick, la que le aplaude por lo que es: diferente. Porque el telón esconde lo ordinario y muestra lo extraño. Y porque el público quiere verlo. Así, la actriz Kendal (Anne Bancroft) demuestra su admiración e interés, y acepta al Hombre elefante sin ningún tipo de duda o mirada morbosa.

Bibliografía: -Serge Daney: "Le monstre a peur". Cahiers du cinema,nº322, 1981
- "El libro de David Lynch". Colección Grandes Directores. Thierry Jousse.

- Fotografía 2: Thiago Piccoli (Flickr)

El Mavi Marmara y Ron Ben-Yishai

2010-06-03T18:07:00.006+02:00

Escribir un blog de cine no significa aislarse de la realidad social, del sufrimiento palpable. Y durante los últimos días no he parado de leer, frustrado y enfadado, las consecuencias de otra acción de terrorismo de estado por parte de Israel. En aguas internacionales, bajo la bandera de un país aliado (Turquía), el ejército hebreo asaltó -sin mediar provocación, ataque alguno u otra razón lógica- el 31 de mayo el Mavi Marmara, el barco que formaba parte de una flota de ayuda humanitaria destinada a Gaza.

En el medio Periodismo Humano, Alberto Arce narraba la noticia durante las primeras horas, donde sólo había confusión, escasez de datos y desinformacion. Alberto Arce es el primer nexo de unión que encuentro en este blog para poder denunciar la injusta realidad palestina, pero a través de una pantalla de cine -que es de lo que solemos hablar en Cinemascope35-. Porque él es una voz autorizada, que conoce bien lo que es ese viaje en barco hasta Gaza, y lo que implica saltarse el bloqueo israelí para poder informar al público de la barbarie; lo hizo en 2008, cuando rodó el documental To shoot an elephant (ganador de un premio de Amnistía Internacional), sobre la matanza de inocentes que produjo la operación de Israel, denominada Plomo Fundido.

El segundo nexo de este artículo de actualidad con el cine se encontraba en el Mavi Marmara: Ron Ben-Yishai, periodista israelí, famoso por ser un corresponsal de guerra siempre expuesto a las balas, y siempre esquivo. Ari Folman lo retrata en su obra maestra Waltz With Bashir (reseña Cinemascope35) como un hombre que elude las balas como Superman, que camina erguido mientras su cámara gatea aterrorizado. Es un personaje más de la película, que es entrevistado por el director para contar su versión de lo ocurrido en Líbano.

En el ataque a la flotilla, Ron Ben-Yishai es también uno más en el Mavi Marmara, que da su versión de los hechos, que explica para su periódico lo que allí se vivió. Y que esquiva también las balas de los soldados de su propio estado. Su historia difiere respecto a la de otros periodistas, pero merece la pena valorarla; pero luego está la versión oficial del ejército israelí, tan idiota y salvaje como la de sus aliados americanos en Afganistán o Iraq.

En un futuro, Alberto Arce o Ron Ben-Yishai deberían realizar un documental sobre el olvido colectivo de un pueblo, igual que hizo Ari Folman con esa obra de arte llamada Waltz with Bashir. En un futuro idílico no se escribirían historias como la de Folman, o la del Mavi Marmara.

Fotografía de Olmo Calvo Rodríguez (Flickr)

¿Sabías que...? Los primeros pasos de Christian Bale, el galés

2010-06-02T19:35:00.004+02:00

Siendo frikazos, el primer papel en el cine de Christian Bale fue a la temprana edad de trece años, en la película de Steven Spielberg "El Imperio del Sol", donde fue elegido para el rol protagonista entre 4000 aspirantes. Pero con quince años pudimos verle en un pequeño papel en la magnánime obra de Kenneth Branagh, Henry V, basada en el dramade William Shakespeare.

Bale de zagal

Con el genérico nombre de Boy en los créditos, el papel de Bale era el del paje de los tres soldados buscavidas que acompañaban al rey en sus correrías juveniles y cuya actuación en la conquista de Francia es un tanto deplorable. La gracia de todo esto es que Henry V, tanto en la ficción como en la realidad, era galés, al igual que Christian Bale, por lo que es de suponer que le haría especial emoción este trabajo. Además hay una significativa referencia en la obra a los galeses y su importancia en la Batalla de Agincourt.

En el primer segundo, en primer término, Christian Bale en su función de paje, digamos que un poco muerto.

Y a partir del 2.53, la escena "For I am a Welsh" con esa conversación entre esos dos galeses de acento rudo y arcano en la que rememoras cómo los galeses portaron puerros en sus tocados por el día de San David en pago por sus servicios en la guerra (el puerro es un emblema nacional galés, y hay que puntualizar que los galeses sólo llevaban 200 años bajo dominio inglés cuando aconteció la Batalla de Agincourt, y siempre han sido vistos con cierto recelo y desprecio por sus compatriotas) Es, sin duda, una de las mejores escenas del filme.

Fotos de Wikipedia Commons

¿Sabías que...? Algunos inicios curiosos, Pilar López de Ayala

2010-06-01T20:46:00.006+02:00

La actriz Pilar López de Ayala, consagrada como grande de la actuación por papeles como Obaba o En la ciudad de Sylvia pero que se dio a conocer con su aparición en televisión en la serie Al salir de clase, y que en este blog aupamos al podio de mito erótico, inició su carrera con una película que pocos recordarán.

A los que vivimos el final de los felices años 80 y el arranque de la horripilante década de los 90 nuestras meriendas y viajes en coche estaban amenizados por un quintento de música juvenil de recuerdo escalofriante: Bom Bom Chip, grupo del que me reconozco ex-fan hasta lo inquietante (tenía 6 años, es justificable). En la cumbre de su popularidad incluso rodaron una película, El niño invisible (1995), basado en una idea original de Manolo Matji (guionista de Los santos inocentes). ¿Adivinad quien salía en esa película? Sí, Pilar López de Ayala, con unos frescos 17 años. Y digo que es un filme que pocos recordarán porque semejante bodrio no puede ocupar espacio en nuestra memoria colectiva.

(La película en cuestión, un delicia)

Y los susodichos Bom Bom Chip y su tema más recordado

Foto de Wikipedia.

Se busca director para "The Hobbit"

2010-05-31T17:02:00.004+02:00

Recogiendo lo que dice el blog Versión muy original de El País, el mexicano Guillermo del Toro ha dejado la dirección de la película The Hobbit que produce el ideólogo de la saga de "El señor de los anillos" Peter Jackson y que tenían la intención de estrenar en dos partes, pero se pretende rodar como un solo filme.

Guillermo del Toro se despide con una carta en la que agradece a su equipo, a Peter Jackson y a toda la gente de Nueva Zelanda el apoyo prestado durante la creación del proyecto y reconoce, con mucho pesar, que tiene que abandonar dos años de trabajo intentando recrear el mundo de Tolkien. Pero no es un hasta siempre sino un hasta luego, porque Del Toro se mantendrá junto a Jackson en el proyecto, pero en otras labores que no han trascendido.

Mientras buscan un nuevo director que quiera hacerse cargo de este ingente proyecto, Versión muy original habla de problemas económicos en la productora Metro Golden Meyers como la posible causa del retraso del rodaje y el malestar de Del Toro.

La foto es del Flickr de James Everett.

La noticia en Versión muy original, El País.

¿Quién diablos es Tom Noonan?

2010-05-27T22:46:00.006+02:00

En Synecdoque, New York (reseña Cinemascope35) aparece, en una de las primeras escenas, el actor Tom Noonan: un hombre desgarbado, flaco, calvo y con parecido físico a Larry David.

Su personaje se llama Sammy, y -en estos primeros minutos de metraje- se esconde tras un poste de la luz. Vigila, controla, o simplemente observa, la vida del protagonista: el dramaturgo Caden Cotard, interpretado por Philip Seymour Hoffman.

Pero el personaje de Noonan es discreto y tímido, siempre va con su gabardina y un maletín, dispuesto a trabajar en cualquier momento. Y, en verdad, siempre está trabajando, porque es un personaje que sigue a otro durante veinte años, para aprender todo lo que pueda del otro, para ser él: robarle su ser.

Aunque, ¿quién diablos es Tom Noonan? Eso me sigo preguntando, porque tiene una filmografía discreta; y, en cambio, es un hombre capaz de crear un personaje asombroso en la película de Charlie Kaufman. Por si a algún cinéfilo detallista le suena, antes había participado, con un personaje secundario, en Heat (1995) de Michael Mann; a quien seguro convenció de su calidad nueve años antes en Manhunter (1986).

Por su planta, casi dos metros, ha encarnado papeles de villano, como en RoboCop 2 (como decía la crítica de El País: "Más de lo mismo, pero infinitamente más ruidoso"); pero, además de actor, Tom Noonan también es guionista y director. Por ejemplo, coordinó estas dos facetas en la película independiente "What happened was..."; una obra tan independiente como desconocida, y de la que sólo tengo referencias visuales por un vídeo de Youtube, y otro en su web personal.

Aún así, la película What happened was, puede servir como punto de partida para dilucidar ¿por qué Charlie Kaufman contó con Tom Noonan en Synecdoque, New York?

What happened was participó en 1994 en Sundance, donde recibió el premio del jurado, allí fue entrevistad o por Movie Maker, donde el director relata qué quería de su película, y sus argumentos conectan perfectamente con los de Caden Cotard, el personaje de Philip Seymour Hoffman en la obra maestra de Kaufman. Dice así: "Yo siempre decía que iba a escribir algo sobre lo que realmente siento. Pero cuando me senté dos años antes [a escribir el guión], no sabía nada. Me puse enfermo, algo superior a lo físico". Y continúa: "No preveía hacer nada más allá de escribir una película sobre detalles pequeños y ver a dónde iban, en una exploración de los sueños, las fantasías y las pesadillas que la gente guarda, escondida, debajo de sus identidades prescritas".

Tom Noonan, en Synecdoque, New York, no actúa, sólo es él mismo. Su personaje Sammy ve los aspectos que determinan la vida de Philip Seymour Hoffman; y cuando este quiere narrarlos, él participa para descubrir la identidad verdadera del protagonista.

Charlie Kaufman, por tanto, escogió a Tom Noonan por su capacidad para ver a las personas tal y como son. Ese es el nexo que hay entre las miradas de estos dos genios.

Being John Malkovich de Spike Jonze

2010-05-26T22:18:00.005+02:00

El hombre que hay detrás de los titeres

John Cusack mueve los hilos de unos títeres en la primera escena de la película Being John Malkovich, de Spike Jonze. El muñeco se parece físicamente a su personaje -Craig-: con gafas, barba y el pelo recogido. Es una marioneta que usa el protagonista para ocultar su identidad, o la búsqueda de la misma.

Después aparece en escena Cameron Diaz -Lotte, la mujer de Craig-, que vive en una casa rodeada de animales, que trata como si fuesen humanos. Por ejemplo, hay un mono llamado Elijah, que está traumatizado desde pequeño por no saber ser mono; y a quien la pareja lo trata como si fuese un hijo. También hay un loro que habla y hace de despertador. Son seres que no saben ser, que han perdido su identidad propia o que nunca la han encontrado.

Por eso, Lotte se despide de su marido diciéndole que busque un trabajo normal, que no tenga que ver con las marionetas, porque se va a sentir mejor. Además, Craig quiere trabajar como titiritero, es lo que sabe hacer y se siente cómodo siendo otra persona que puede controlar. Él quiere ser como Derek Mantini, el ejemplo de profesional tras los hilos. Incluso en este aspecto se ve que Craig no quiere ser él mismo, quiere ser Derek Mantini.

Entonces aparece Catherine Keener -Maxine- en la historia para desconcertar al protagonista. Porque este tercer personaje controla su identidad: es atrevida y dominante. Y Craig se convierte en John Malkovich, aprende a controlarlo como si fuese un títere más; adquiere su identidad aunque apenas sabe nada de la vida del actor, pero lo hace porque atrae a Maxine, y se deja dominar por estar con ella.

Craig se camufla detrás de otra persona, porque no quiere mostrarse; y construye una realidad paralela que le hace feliz, pero que es sólo parte de su juego con hilos: desaparece cuando cae el telón.

Being John Malkovich fue el debut como director de cine de Spike Jonze, quien antes había trabajado como realizador de videoclips para REM (Michael Stipe -cantante del grupo- es el co-productor de su debut); y Björk, por ejemplo, quien también participa con una de las canciones. Esta película, además, junta en la parte creativa a Spike Jonze con Charlie Kaufman -también debuta como guionista-, a quien admiro por obras maestras como Eternal sunshine of the spotless mind; y, más recientemente, Synecdoque, New York (reseña de Cinemascope35).

Fruto de la relación entre Spike Jonze y Charlie Kaufman crearían, también, la película Adaptation: donde se narran los problemas del propio guionista por adaptar la novela homónima. Ya en solitario, el director Jonze presentó Where the wild things are (Donde viven los monstruos. Reseña de Cinemascope35)

Foto 2: Darwin Bell (Flickr)

Honeymoons de Goran Paskaljevic

2010-05-25T13:30:00.006+02:00

Superar el odio en los Balcanes

Honeymoons, del director serbio Goran Paskaljevic, es la primera coproducción serboalbanesa en la historia del cine. Y este dato no es anecdótico, porque demuestra la intención que hay detrás de la película: superar el odio creado por los nacionalismos de la región.

Con este objetivo, la narración presenta a dos parejas jóvenes que quieren emigrar a Europa. Por pequeños detalles sabes que unos son de una aldea albanesa, cerca de la frontera con Serbia; y los otros viven en Belgrado. No hay una construcción previa de los personajes, de su psicología, sino que Goran Paskaljevic los libera en un espacio donde el odio producido por el conflicto de los Balcanes sigue vivo. Y su personalidad se muestra cuando actúan, en el momento en que intentan relacionarse con ese entorno hostil.

Y el espectador lo tiene complicado para entender las situaciones de violencia que se presentan. El fondo es odio entre dos pueblos pero -por su juventud- estas dos parejas olvidan el pasado, y no se involucran en las disputas que los adultos siguen manteniendo. Por eso, el director no quiere hacer un análisis de los Balcanes, no presenta al público una manera de hacerlo; sino que quiere superar ese conflicto a través de sus personajes. Las nacionalidades se mezclan para conseguir este fin.

La película relaciona los hechos y a los personajes con detalles nimios, aunque no son vidas que se cruzan ni se afectan. Son paralelas y, así, la narración salta de una a otra. Para unir esas redes, destacan los elementos que Paskaljevic va incorporando, como las noticias que se escuchan en la radio sobre un atentado suicida; o el celo que uno de los protagonistas guarda por proteger sus manos.

Pero no todo en Honeymoons es drama, también hay espacio para el esperpento, para el humor irónico que se presenta en algunas escenas. Por ejemplo, en una fiesta de boda celebrada en un patio dividido por la mitad por una alambrada, que separa a dos hermanos -cada uno de un bando en la guerra-. El odio que se transmiten esas dos personas -y cómo lo muestran- es esperpéntico, y hace que olvides qué hay detrás de cada individuo, y sólo veas el ridículo de sus actos.

Honeymoons es una película comprometida con las personas que se odian en los conflictos. Es un intento de olvidar la guerra a través de los jóvenes. Y con esta obra Goran Pasjkaljevic ganó el pasado noviembre la Espiga de Oro en la Seminci de Valladolid, y se consagra como el más laureado en este festival -tras triunfar con La otra América (1995) y Los optimistas (2006)-.

"Baztan", una historia de agotes, los "negros de Navarra"

2010-05-19T12:54:00.005+02:00

Baztan parece el fondo de pantalla predeterminado de Windows

Siguiendo el rastro de Unax Ugalde descubro que está rodando una película por el norte de Navarra, un filme que para no ser menos, se llama Baztan y está dirigido por Iñaki Elizalde, un pamplonés. Aunque sería más poético haberlo titulado, Agote.

Hablando de Navarra, por aquí hay historias fascinantes que merecen ser contadas. Una tierra tan pequeña, pero a la vez tan aislada y tan suya, tan foral y endogámica da para mucho. Una de esas historias apasionantes es la del pueblo de los agotes, los "negros de Navarra", pues su situación en el devenir de los tiempos se asemeja al de los afroamericanos. Pero, ¿qué es un agote? Eran pobladores de los valles de Baztán y Roncal, del norte navarro, aunque me remito a "Cuidadores de mundos" de Ander Izagirre (Editorial Altaïr) para describir su grado de marginalidad:

Se dijo durante siglos que eran herejes y sellaban pactos con el diablo, que padecían lepra, que no tenían lóbulos en las orejas, que por sus venas corría una sangre casi hirviente. Si pisaban descalzos , la hierba no volvía a crecer; si sostenían una manzana se pudría rápidamente.

Según cita Izagirre en su libro, el origen de los agotes habría que buscarlo en migraciones de cátaros que en el siglo XIII se refugiaron en Navarra huyendo de la Inquisición francesa, que les perseguía por profesar una fe heriática, que no reconocía la divinidad de la Virgen ni de Cristo, que se negaba a realizar sacramentos y que rechazaba la opulencia de la jerarquía católica. El barrio de Bozate en Arizkun fue su particular gueto y, aunque vivían muchas veces hacinados en casas que ni de lejos pueden recordarnos a los espaciosos caseríos de la zona, llegaron a desarrollar una economía potente gracias a su pericia como artesanos y constructores. Al igual que pasó con los judíos en Europa, la envidia, el desconociemiento y el miedo al "otro" desembocaron en el rechazo y la marginalidad:

No les dejaban poseer tierras ni ganado. Ni cortar leña en los bosques comunales. Ni beber en las fuente públicas. Ni casarse con otra gente distinta. Les obligaban a llevar en la ropa un indicativo rojo, con forma de huella de gato. Se les permitía entrar en la iglesia de Arizkun pero asistían a misa arrinconados, encerrados tras una verja, en un fondo al que entraban por una puerta especial.

Casa de Baztan

Recogiendo lo que dice Wikipedia, al parecer la discriminación no fue repudiada por ley hasta 1819, pero en algunos sitios, como Bozate, hasta que no llegó el siglo XX se seguía recelando de ese "otro" que llevaba convivendo con los baztaneses 800 años. La situación era tan tensa que se llegó al punto de que el gobierno navarro intentó deportarlos al pueblo de Nuevo Baztán (Madrid) construido, al parecer, para la ocasión.

El rodaje de Baztan recoge toda esta tradición de discriminación del pueblo agote, que a día de hoy está integrado con normalidad (conozco a una persona apellidada "Agote", es bonito pensar que tiene algo que ver), y por lo que puedo comprobar su historia maldita es poco conocida fuera de la cultura euskérica. Con Unax Ugalde en el reparto pero también con Carmelo Gómez, Txema Blasco o el debutante Patxi Bengoetxea, el trabajo empezó en marzo de este año y todavía no tiene fecha de finalización. Del director, el navarro Iñaki Elizalde, encontramos dos nominaciones a los Premios Goya en categoría de cortometrajes, por el documental El olvido de la memoria y la ficción Patesnak, un cuento de Navidad. Baztan, es por tanto, su primer largometraje como director.

Noticia en Diario de Navarra.

Las fotos de Baztan aquí publicadas son del Flickr de f0ff0 y de egizu dos gentes a las que no conozco de nada.

Ken Loach libera sus películas

2010-05-05T20:16:00.003+02:00

El señor Kean Loach, director de cine británico que tiene a bien ser un troskista reconocido, ha sentado cátedra en la voraz industria cinematográfica poniendo en Youtube todas sus películas, a disposición de cualquier avezado internáuta que quiera verlas gratis y sin necesidad de pasar por la biblioteca.

Una iniciativa sin precedentes en el mundo de la gran pantalla (aunque con algunas iniciativas semejantes por parte del grupo de música Radiohead) que demuestra una apuesta por la cultura libre y gratuita que es digna de celebrar.

Como este artículo me está quedando muy pedante y recargado, dejemos paso a los Agenda Oculta, Sólo un beso, Kes o Riff-Raff. Sí, esta es una reacción interesante ante la piratería, reciben dinero de la publicidad de Youtube y todo eso... Pero es una iniciativa loable.

Público

Exit through the gift shop: Banksy con moderación

2010-04-15T16:10:00.003+02:00

Anda rondando por los festivales internacionales (Berlín, Sundance) Exit thorugh the gift shop, un documental centrado en la subcultura artística de la calle, en los grafitis de artistas como Banksy. Un Banksy que aparece entrevistado en el documental, pero (como siempre) con capucha y la voz distorsionada. Porque, aunque sólo sea por seguridad, el grafitero Banksy (cuyas pintadas han llegado a ser consideradas obras de arte) vive en un estado constante de anonimato. El documental, que narra la búsqueda de Banksy por parte de un director amateur francés, refleja muy bien su forma de trabajar, su pensamiento y su obra. Tiene buena pinta.

Banksy se ha convertido en una especie de símbolo de la contracultura, alimentado por su necesario anonimato. Un personaje extraño, fascinante, casi como un superhéroe, que no tiene reparos en irse al muro de la vergüenza israelí a hacer esto:

Os dejo cinco minutejos (Youtube posiblemente os considerará unos prepúberes facilmente violentables, así que hay que registrarse para verlo)

Aunque, curiosamente el trailer no es tan pernicioso:

Banksy en Palestina (muy recomendable).
Web del artista.
Web de Through the gift shop.
Reportaje El País.

Reflexión: De lo que un día Irlanda le enseñó a España

2010-04-13T19:14:00.005+02:00

Tras escribir sobre Cinco minutos de gloria y hablar un poco sobre el terrorismo he completado la entrada anterior con esto de acá. Una reflexión, otra. (El día que José María Aznar me mande a ver al Juez Del Olmo, decidle que fui buena persona, no me pase como a estos)

Si comparamos la filmografía española e irlandesa, ambas han sabido reflejar momentos dramáticos de su pasado terrorista, con más o menos maestría (es lo de menos). Pero hasta ahora España no ha podido ni ha sabido hacer ficción de las víctimas ni del perdón, al menos no para la gran pantalla (hubo un telefilme llamado Futuro: 48 horas sobre el asesinato de Miguel Ángel Blanco). En el documental La pelota vasca también se hablaba de víctimas, pero no era el tema esencial. Por descontado queda decir que La pelota vasca no recibió ni mucho menos halagos de los afectados (La AVT pidió, sin éxito, su retirada del Festival de Cine de San Sebastián en aquella edición de 2003). Quizá lo más cercano al caso irlandés que nos ocupa fue un filme que también estuvo en San Sebastián, en 2009, La felicidad perfecta, aunque en él las víctimas también eran un tema secundario.

¿A qué se debe este vacío? Quizá sea porque en España no hemos entendido bien el drama de los damnificados, quizá es el miedo a caer en la frivolidad, o quizá porque despierta poco interés. Pero estas premisas me parecen descartables. ¿Y en el caso de hacer una película “sobre víctimas”, a quién rodar, a la AVT? En este momento sería recomendable destacar la palabras de Xabier Arzalluz en la citada La pelota vasca, distinguiría una cosa; las víctimas y las asociaciones de víctimas. O por no irnos a los extremos del nacionalismo, lo que afirmaba Iñaki Gabilondo en el mismo documental: hay una especie de amenazados oficiales. Son casi amenazados profesionales, y hay otros que están igual de amenazados y que no lo dicen tanto. Vale, la AVT y su entorno no despierta una admiración excesiva.

Resumiendo, parece claro que la AVT y sus acólitos todavía no pueden ser tema. Seguramente no es culpa suya, aunque se han esforzado. Seguramente el terrorismo y sus consecuencias están demasiado instrumentalizados por el poder político (que ha hecho poco por solucionarlo) como para tratar estos asuntos sin angustias. Ante esta situación, que España siga a lo suyo (La pelota vasca de Médem andará en cualquier cajón, para quien quiera verla sin prejuicios). Mientras, en Irlanda, el cine ya se ha puesto del lado de la normalidad y la reparación del daño.

P.D. La foto de cabecera es mía.

Cinco minutos de gloria: La redención en el terrorismo

2010-04-13T10:39:00.006+02:00

Hay pocas películas en la filmografía internacional que retraten la visión que tienen las víctimas del terrorismo sobre lo que les ha ocurrido. A la figura del terrorista, sus motivaciones o el contexto que le rodea, siempre se le ha dedicado un análisis más profundo, posiblemente porque es un personaje que despierta una fascinación difícil de medir, incluso peligrosa. De tal manera nos encontramos con numerosos filmes dedicados al terrorista; Hunger, Tiro en la cabeza, Munich, Yoyes o Paradise Now. También hay muchas dedicadas a actos de terrorismo como Omagh u Operación Ogro. Al terrorismo de Estado; GAL y En el nombre del padre. O al terrorismo como fenómeno como La pelota vasca, de Julio Médem. Incluso en Cinemascope35 tenemos una sección a este respecto "Cine sobre terrorismo" pero en ella no hay muchas "víctimas de", más bien responsables. Por eso, Cinco minutos de gloria, que se estrenó en España el 9 de abril (aunque su distribución, hasta donde sé, es más bien anecdótica) supone un aire renovador para el género, los protagonistas, estos sí, son víctimas enfrentadas a sus verdugos.

En Cinco minutos de gloria (Five minutes of Heaven) se nos presentan dos personajes cuyas vidas se vieron transformadas a raíz de un atentado en 1975 del grupo paramilitar norirlandés UVF (Fuerza de voluntarios del Ulster) en el que un joven católico irlandés es asesinado en presencia de su hermano menor por un pistolero protestante. En la película, uno es el que dispara, el otro es la víctima. Veinticinco años después se ven las caras en un programa de televisión que intenta cerrar las viejas heridas del conflicto irlandés. Esos cinco minutos de gloria es el tiempo que tiene el asesino Alistair Little (Liam Nesson) para suplicar perdón a su víctima, Joe Griffen (James Nesbbit).

La película arranca en un viejo caserón que servirá como set de rodaje del programa. En una de las habitaciones, la víctima, Joe Griffen, se pasea de un lado para otro como un ratón encerrado, nervioso ante el reencuentro con Alistair Little, el asesino. Es esta parte inicial de la película sin duda, la que más fuerza tiene. James Nebbit consigue transmitirte toda la angustia que palpita en su corazón, el lenguaje está cargado de violencia, se respira tensión, aunque no se sepa muy bien de donde proviene ese sentimiento. La maestría del director Olivier Hirschbiegel (El hundimiento) se demuestra aquí gracias a la confrontación de ambos personajes. Mientras la víctima está desquiciada, agotando un cigarrillo tras otro. Liam Nesson se presenta en el set tranquilo, con un traje impoluto, hasta diría que el cabrón huele de fábula. Le maquillan tranquilamente y espera a su oponente, como si de un bastardo ring de boxeo se tratase. Al final, la pelea no llega. Pero el directo consigue transmitir el dramatismo del encuentro sin que este llegue a producirse, cada gesto, cada mirada al vacio es una declaración de intenciones. El espectador en ese momento respira pánico.

En el segundo acto, las vida de nuestros dos héroes, Alistair Little lo es por arrepentirse y buscar el perdón, el otro por casualidad, se desarrolla con normalidad, con sus familias, sus aspiraciones. Pero no encuentran un sentido a esa normalidad, su existencia ya está traumatizada. El personaje de Nebbit, Joe Griffen, advierte que su vida es una basura, que es incapaz de ser feliz por aquel fantasma que le lleva veinticinco años persiguiendo. Es un muerto en vida que necesita redención. Por su parte, el personaje de Nesson ha adquirido cierta relevancia pública, tiene bastante éxito y aparentemente, un vida hecha. Pero también es un desgraciado, un infeliz, paradojas de la vida. Aquel encuentro siempre porstergado se produce, pero es en vano, perdonarse no va a mejorar sus vidas. Griffen sigue siendo un despojo, agarrado sin fuerzas a lo poco que vale la pena de su existencia, Little, será siempre un hijo puta.

Decía al principio que son pocas las películas que abordan la psicología de la víctima. En este caso creo que Cinco minutos de gloria lo ha logrado. El director ha construido un filme bello, con muchísima tensión interna. Una película de personajes, imprevisibles y también magníficos. Espero que al espectador, al menos a mi me impactó, le cale esta película sin mensaje, sin valentías ni superaciones, un filme de humanos contra humanos, con lo patético que es eso.

"Shutter Island": La dualidad de una película perturbadora

2010-04-12T16:57:00.006+02:00

Es complicado no salir de ver “Shutter Island” con mal cuerpo, bien sea por su morbosidad explícita, su ambiente asfixiante y goyesco o las carencias de un guion mal resuelto. La mente acaba perturbada. Bien es cierto que los méritos como director de Martin Scorsese y su trabajo de posproducción hacen de esta una película de muy bella factura. También es verdad que es el propio Scorsese el que ridiculiza su labor hasta límites estrambóticos.

Porque el nuevo proyecto de ficción de Scorsese deambula por senderos muy diversos y, en ocasiones peligrosos. Por un lado es una espectacular y calculada película de cine negro, con los arquetipos del género: el detective alcohólico y de oscuro pasado, con una mente clarividente y un lenguaje afilado. Por el otro, es una inmersión en el poder de la mente, en la locura y la paranoia. No sólo en la paranoia de los personajes, también en la colectiva, aquella que llevó a los EEUU al McCarthyismo y a la persecución y represión del comunismo en el marco de la Guerra Fría. Mientras, se recrea un ambiente opresivo, como la propia "cárcel" en la que se desarrolla la acción. Incluso Scorsese es capaz de trasladarnos ese olor a medicamentos, a putrefacción, a muerte. La sala del cine se convierte en una sucia celda asfixiante.

Aquella primera parte que he comentado empieza con la investigación que llevan a cabo Leonardo DiCaprio y su ayudante ante la fuga de una prisionera de un sanatorio mental de máxima seguridad. Con este argumento Scorsese realiza una magnífica narración, con momentos gloriosos de puro cine negro. Los diálogos resultan geniales, la trama es fluida, la investigación es inteligente, estimulante. Poco a poco se van atando cabos y en todo momento sólo sabemos aquello que va viendo DiCaprio, como si de una reedición de "Chinatown" se tratase. Promete.

Metidos ya en el desenlace la narración se bifurca con cierto estrabismo, dos caminos: el psicológico (el de los locos) y el de los policias, comfluyen de mala manera pero con marcada maestría. Gracias a Dios, en ningún momento te da una dirección a seguir, es tu intuición la que te debe marcar aquello que es real o irreal. O incluso, que todo sea mentira. Pero aunque esta parte del filme este bien construida, resulta mucho más torpe en su ejecución, menos creíble. Para colmo, se permite un momento de absoluto patetismo (no diré mucho, pero es la escena de los tres hijos y el lago) que desmerecen el final de la obra y dejan un mal sabor de boca. Da la sensación que con tan buen material inicial, el cierre ha sido más bien chapucero.

Amnistía Internacional premia a Alberto Arce por To shoot an elephant

2010-04-01T19:11:00.005+02:00

Alberto Arce ha sido premiado como Mejor director por su documental To shoot an Elephant en el Festival de cine Movies that Matter. El galardón además adquiere mayor relevancia al serle concedido en este festival que se celebra en Holanda con el apoyo de Amnistía Internacional. El filme del director asturiano (en colaboración con su guía palestino Mohammad Rujailah) ha destacado por la narración que realiza de la Operación Plomo Fundido que el ejército israelí desplegó en la Franja de Gaza entre diciembre de 2008 y enero de 2009, causando más de 1200 víctimas, la mayoría civiles.

Recodar que este documental se proyectó en numerosas salas alternativas de todo el mundo con ocasión del primer aniversario de la operación. No es mala excusa para disfrutarlo ahora, ya que está disponible en licencia Creative Commons y es de descarga gratuita.

El grupo de trabajo de To Shoot An Elephant es un proyecto colectivo, asambleario, autónomo y de base. No hemos recibido subvenciones de ningún gobierno ni el apoyo de ninguna empresa privada. Primero hicimos una reflexión política conjunta sobre la necesidad de la película. Después, trazamos un mapa para llevar a cabo la producción y la distribución, poniéndonos en contacto con distintas redes y personas... (Extracto de la web de To shoot an Elephant)

Descarga (Directo de su web)

Noticia vía: Periodismo humano

Fotografía de Kaosenlared.net

El egoísmo de los nietos. Opinión

2010-03-24T22:06:00.006+01:00

Tras ver The Hurt Locker, reflexioné sobre las diferentes películas bélicas que he visto: sobre la manera en que dibujan a los soldados. Fruto de estos pensamientos es la siguiente columna de opinión:

El capitán John H. Miller desembarca en la playa de Omaha, junto con su escuadra, el 6 de junio de 1944. En la película de Spielberg, este personaje -interpretado por Tom Hanks- se convierte en un héroe por salvar al soldado Ryan de la guerra. Las escenas de este título presentaron en la mente del espectador el dolor, la sangre que manchaba hasta a la cámara. Para mí fue suficiente con ver la película para desengañarme de la belleza de la lucha, del honor militar y de los desfiles castrenses. Pero el ejército sigue siendo una institución elegante en Estados Unidos; y esos chicos que -como yo- vimos en 1998 cómo silban las balas en el campo de batalla, sirven hoy en Iraq y Afganistán.

Hollywood tiene historias bélicas para las generaciones del siglo XX. Y el país de la libertad tiene generaciones para todas sus guerras. En estos cien años, el abuelo ficticio del capitán Miller participó en la Primera Guerra Mundial, su hijo -John Junior- luchó en Vietnam, y su nieto, en alguna de las operaciones en el Golfo Pérsico. La guerra es una droga necesaria en Estados Unidos, el pueblo necesita su dosis pequeña de héroes. Y el cine, de esas historias: es una relación perfecta.

Aún así, los conflictos del siglo XX han producido soldados distintos: los reclutas de las dos guerras mundiales fueron recibidos con besos de muchachas bellas en Nueva York; los de Vietnam, con distubios en las calles de Chicago. En el caso de las guerras modernas, las que sangran Oriente Medio, el ejército está formado por soldados profesionales, voluntarios. Ellos forman parte del análisis que Kathryn Bigelow hace del héroe actual en su película The Hurt Locker; sobre todo, de los zapadores que desactivan minas en las calles de Bagdag. Son presentados como individuos superiores, que han escogido por vocación un trabajo con un pie en el cielo y otro en la tierra. Mitad robot y humano disfrazado con una escafandra, los soldados no sufren como el capitán Miller en la Francia nevada. Y, en su tiempo libre, siguen disfrutando con la guerra por televisión, con videojuegos Shoot' em up (mata todo lo que puedas). Como dice la directora de cine: "Su coraje y audacia vienen en parte de una necesidad egoísta y no de un puro altruismo".

La guerra en Estados Unidos es una experiencia vital, la próxima generación la va a reclamar por egoísmo, para parecerse a sus padres, y abuelos.

Foto 1 Flickr: MATEUS_27:24&25
Foto 2 Flickr: dgphill

Lo que no se ve

2010-03-22T15:43:00.003+01:00

Hoy, en clase, han puesto un trozo de El séptimo sello, de Bergman. En la primera escena -el comienzo del film- aparecía un ave suspendida en el aire. La mofa ha sido general, a todos nos parecía demasiado evidente que había un hilo de coco que sujetaba al animal.

Pero no es así, el plano es real. Igual que las gaviotas en el puerto, este animal está suspendido, aprovechando las corrientes de aire.

Los efectos digitales nos han convertido en espectadores más precavidos, que dudamos de la construcción de los planos, y de la realidad que intentan transmitir. Eso sí, a ver quién es el listo que podía imaginar que muchos exteriores del cine son de color verde o azul (croma):

Con este vídeo -y los demás del canal- la empresa Stargate Studios muestra a los clientes potenciales qué sabes hacer, y cómo trabajan. Es muy recomendable darse una vuelta por su web, y dejarse sorprender con lo que el espectador no suele ver.

Los culpables de todo esto

2010-03-21T21:51:00.008+01:00

Hoy, domingo 21 de marzo de 2010, desvelamos en Cinemascope35 los rostros que hay detrás del blog. Y, con este gesto simbólico, también quiero pedir perdón por tener esta página un poco abandonada.

Así que, a partir de ahora, retomamos la continuidad en la publicación. Y, si queréis, podéis discutir sobre nuestra gemelidad.

Foto: Ana P. Bosque

"En tierra hostil" hace justicia, pero los Oscar salen perdedores

2010-03-08T19:13:00.009+01:00

Terminaron los Oscar a eso de las 6 de la mañana hora peninsular, y sentí una especie de sudor frío recorriendo mi espalda, puede que fuese el sabor de la venganza. Más allá de la ceremonia, yo había logrado una victoria moral, "Avatar" se desvanecía como el azucarillo que es y por eso, hoy mismo me voy al cine a ver "Shutter Island", el día de aquella apuesta yo estaba en estado profético.

“Avatar” fue gratamente ninguneada (premios como la fotografía o la dirección artística no recompensan espiritualmente cinco años de trabajo) y “En tierra hostil” se alzó como vencedora en una noche sin grandes favoritas, y donde había mucho en el aire. Por su parte Kathryn Bigelow tomó la alternativa ante su ex-marido y obtuvo el primer Oscar a la dirección para una mujer, sus proyectos de futuro cobran a partir de ahora una especial relevancia mediática.

Cuentan quienes estuvieron allí (yo lo oí por la radio) que fue una noche espesa, con unos desafortunados Steve Martin y Alec Baldwin, poco o cero humor y una destacable ausencia de estrellas como Angelina Jolie. Hay quien, con sorna y desde España, pedía a Andreu Buenafuente que aprendiese inglés, para darles una lección a todos estos de Hollywood.

Para mí, lo más destacable de una ceremonia habitualmente rendida a los intereses económicos y las campañas de promoción, no fue el triunfo de “En tierra hostil”, sino la ausencia de oposición real. Ninguna de las candidatas a Mejor Película (ni “Avatar”) aparecen como rivales de altura del filme de Bigelow, que, aunque espectacular, no deja de ser una obra menor. Ya digo, ni “En tierra hostil”, ni “Up”, ni “Precious”, ni “Malditos Bastardos” ni el resto de películas nominadas como “Mejor” pasarán a los anales como “obras maestras”, de aquí a cinco años se nos habrán olvidado. Esto refleja, en mi opinión, una falla grandísima en el futuro de la industria norteamericana, que tiene que reflexionar mucho ante la pujanza de nuevos mercados, como América Latina, o la recuperada Europa.

Porque es en la categoría de Mejor película de habla no inglesa en donde el espectador puede encontrar aquellas obras que pasarán a la gloria. “La cinta blanca”, “Un profeta”, (estas dos en los cines actualmente) “El secreto de sus ojos”, “La teta asustada” y no sé si “Ajami” (un filme israelí de la que no he tenido noticias) son películas profundas, de aquellas que recomiendas a tus amigos encarecidamente, que conmueven, revolucionan y te hacen reflexionar. Son, en definitiva, CINE con mayúsculas.

El resto, no deja de ser entretenimiento. Hollywood debería considerar (sino lo ha hecho ya) hacia qué público quiere dirigirse.

"Un profeta"; se merece un Oscar

2010-03-06T20:38:00.003+01:00

Parece que últimamente a la taquilla española le gusta el cine carcelario. Tras el éxito arrollador de “Celda 211”, ha llegado a las salas “Un profeta”, con la misma dinámica (la vida en una cárcel) pero mucha más fuerza y calidad cinematográfica. La verdad es que Jacques Audiard ha conseguido filmar una obra maestra en un género tan trillado como el carcelario. A pesar de ello, lo tendrá difícil en los Oscar.

Pude ver “Un profeta” en el Festival de Cine de San Sebastián allá por 2009 y me dejó muy buenas sensaciones. Narra la historia de un argelino recién metido en la jungla carcelaria, no es el más fuerte, pero sabe que para sobrevivir tiene que luchar. Gracias a su inteligencia y su visión estratégica va ascendiendo en la jerarquía de las bandas de la cárcel, hasta llegar a ser uno de los capos.

Vistas en perspectiva, “Celda 211” y “Un profeta” se asemejan, pero eso sólo temáticamente. Ambas hablan sobre la lucha por el poder en una cárcel, pero, mientras “Celda 211” se recrea en lo melodramático y sentimental, “Un profeta” toma todas estas características y aporta un valor más, saber mezclar fantasía y realidad hasta hacer que ambas se confundan. En momentos, recuerda los mejores momentos carcelarios de “La naranja mecánica”, con ese sistema presidiario tan absurdo y caduco.

Pero es sin duda ese matiz de irrealidad, que he comentado antes, el que pone de relieve la calidad de esta idea. A través de sueños, apariciones y pesadillas, el protagonista, “Malik El Djebena”, recibe a un guía espiritual que le ayuda a construir su camino de ascenso hacia el poder. Este toque de magia es el que derriba las barreras del género, convirtiendo una posible “Celda 211” en una magnífica “Un profeta”.

Aunque sería estúpido ignorar la fuerza que aporta el guion como columna vertebral del filme. Tomando como hilo argumental la lucha de bandas en el penal, presenta un colorista mosaico multicultural de gángters; la lucha entre los corsos y los barbudos (musulmanes), que crea una dicotomía entre la vieja escuela mafiosa y las nuevas hornadas, un mundo que muere, muy a lo “Corleone” (con leyes, códigos) y otro de inmigrantes, que reclaman su parte.

Los personajes asombran por lo bien construidos que están y, a la vez, su realismo. Una tarea que a los guionistas no debió resultarles nada fácil, porque cada uno es como un bifronte, son despiadados y crueles, pero están solos en el mundo, se sienten traicionados, y responden con violencia. Pero, si el papel es bueno, Tahar Rahim, el actor protagonista, crea un líder genial; frío y calculador, que engaña, parece débil, pero sabe preocuparse de los que le necesitan, como un gran padre, un “padrino” clásico.

Acabo con el guion, porque presenta un proyecto tan bien armado que no deja espacio a la relajación, el espectador tiene que estar pendiente en todo momento de los hilos que va tejiendo “El Djebena” para lograr el poder. Además presenta varios giros de guion que te dejan impactado y que sirven para desarrollar en profundidad esta preciosa historia. No puede dejar de interesarte.

"El fantástico cine español" en Pamplona

2010-02-24T14:27:00.003+01:00

A partir de mañana jueves 25, el INAAC (Instituto Navarro de las Artes Audiovisuales y Cinematográficas) organiza un ciclo de cine, en colaboración con Golem Bayona, titulado "El fantástico cine español", en la que se hará un repaso de lo más granado de este género en la filmografía nacional del siglo XX.

La presentación del evento tendrá lugar este miércoles en una conferencia inaugural a cargo de Ángel Sala, director del Festival de Sitges, uno de los referentes internacionales del cine fantástico. Aunque no se ha informado de en dónde se celebra la conferencia, supongo que será en la propia sede de la INAAC sita en calle Navarrería 39.

Las ocho proyecciones de las que consta el ciclo podrán verse a las 19.30, todos los jueves hasta el 15 de abril, en Golem Bayona. Para ir abriendo boca, el 25 empezarán con Luis Buñuel ("Un perro andaluz" y "La edad de oro". Dentro de la programación podremos disfrutar de obras de autores consagrados como Ivan Zulueta (fallecido hace muy poco) y su "Arrebato", Jaume Balagueró ("Los sin nombre"), Enrique Eguiluz ("La marca del hombre lobo", con otro desaparecido, Paul Naschy) y muchos más.

Programación completa

Goya 2010: Celda 211 hace menor a Ágora.

2010-02-15T09:26:00.003+01:00

Sobran los elogios para Andreu Buenafuente por dirigir con tanta agilidad y maestría una gala de los Goya que siempre ha sido más un trámite que un espectáculo. Por mi parte, quiero señalar que lo más interesante fueron los sketches (uno de ellos contaba con muchos actores y directores nominados, muy al estilo Hollywood). Otra novedad fueron las frases sobre cine de personajes célebres (Zulueta, Azcona, Berlanga) que acompañaba la gala y marcaba los tiempos. Además, durante toda la ceremonia una voz en off daba información puntual sobre los premiados.

Respecto a los ganadores (lista), Ágora parecía partir con cierta ventaja por eso de ser una superproducción y estar dirigida por Alejandro Amenábar. Pero, como me temía, el filme de Amenábar no fue bien entendido ni por el público ni por los académicos y por eso se llevó todos los premios técnicos (maquillaje, fotografía, producción, vestuario...) y el Goya a Mejor Guión Original a Mateo Gil y el propio Amenábar, que visto lo es más un premio de consolación que otra cosa.
Lo dicho; en mi opinión, Ágora merecía mucho más porque es la más ambiciosa de las películas españolas de los últimos años, tenía una historia fuerte y emotiva, pero no al gusto de todos. Muchos esperaban un filme de acción y romanos y se encontraron una bella reflexión sobre la ciencia y las masas.

Con la perspectiva que da el tiempo, Celda 211 me parece una notable película de acción, pero poco más. No nos engañemos, también tenía mucho dinero detrás (Telecinco) y una historia atrevida e interesante. Pero su director, Daniel Monzón (autor de clásicos como “El corazón del guerrero”) se mostró incapaz de hacer una obra profunda y se quedó en los fuegos de artificio que daban Luis Tosar y Alberto Amman (justamente premiados por su actuación). La Academia del Cine (y el público) se han dejado impresionar por la estética hollywoodiense, los disparos y “Mala madre”, pero como muchas películas españolas, Celda 211 se permitía esos guiños melodramáticos y lacrimógenos que la convierten en una obra menor.

Dentro de unos años nos acordaremos de Ágora, de su planteamiento, de las ideas que desprende, de la actuación espectacular de Rachel Weisz. Sin embargo, será más difícil poner cara al proyecto Celda 211. Cosas de académicos.

El resto de premiados, “Slumdog Millionaire”, ganó un extrañísimo premio a mejor película europea, raro porque es ya antigua (2008) y faltaban nominadas como“La cinta blanca”, ni muchas otras. Y Lola Dueñas que sigue a los suyo, sin hacer mucho ruido, gana Goya tras Goya con papeles soberbios como en “Mar adentro”.

En Cinemascope35 se pueden leer las dos críticas sobre Ágora y Celda 211.

"The Hurt Locker" de Kathryn Bigelow

2010-02-08T17:07:00.004+01:00

El zapador es un terrorista suicida

"The Hurt Locker" ("En Tierra Hostil") es una obra maestra divida en tres partes completamente diferentes. La primera, es un documental sobre la guerra de Irak, con planos y escenarios trabajados al detalle, con la pausa necesaria para grabar el vuelo de unas hojas en una calle de Bagdag, o el trabajo tenso y paciente de los zapadores. Es una reflexión sobre el conflicto, que encuentra un símil perfecto cuando la cámara sigue a un gato que cojea de una pata. Este primer tramo es corto, hasta que aparece en escena el actor Jeremy Renner ("28 Semanas después"); y recuerda a la serie de la HBO "Generation Kill", por el despliegue en escena de las tropas, la disciplina en combate, por ejemplo.

La segunda parte de "The Hurt Locker" es una película bélica genial, que dejará impresionados a los seguidores más críticos del género. Aquí, ocupan la historia los tres actores principales: el citado Jeremy Renner, que se dibuja como un temerario desactivador de bombas, Anthony Mackie ("Million Dollar Baby"), quien intenta mantener su posición de jefe sobre el grupo, y Brian Geraghty ("Jarhead"), un soldado obsesionado con la muerte. Además, Ralph Fiennes hace un cameo soberbio en la escena principal de la película, donde los tres soldados anteriores empiezan a colaborar entre ellos y a entenderse. Este trozo de la película no aparece sólo como un film de acción comercial, porque la narración de las situaciones de conflicto es magistral, y recuerda a la sinceridad y la clase de "Band of Brothers" ("Hermanos de sangre"). Pero, a pesar de lo buena que puede ser esta porción de película, en el guión se perfilan muy poco los personajes. Es difícil hasta recordar el nombre de cada uno porque no se presentan con una personalidad propia, sólo con los rasgos escuetos que he nombrado arriba. Así, Brian Geraghty parece patético por su obsesión con la muerte, o Jeremy Renner, un tipo frío e irreal.

La tesis de la película está al final: en la tercera parte de "The Hurt Locker". Aunque yo como espectador sentí que este tramo y su planteamiento se desarrollaban con prisa, a empujones. Así que parte de las críticas -y de las alabanzas- son para Mark Boal, el guionista, que estuvo "empotrado" en una de estas unidades militares de desactivación de bombas. Poco a poco, el personaje de Jeremy Renner adquiere más fuerza en la historia, y su otros dos compañeros se convierten en personajes secundarios. Por ello, el espectador empieza a entender de qué va la película: es una reflexión sobre el ejército de Estados Unidos, formado por soldados voluntarios; y, sobre todo, de ese escuadrón siempre al borde de la muerte. Son personas que, como dice la directora Kathryn Bigelow en Cahiers du Cinema enero, su coraje y audacia vienen en parte de una necesidad egoísta y no de un puro altruismo. Es una necesidad por la adrenalina de la guerra, que, en ese país está muy presente, porque todas las generaciones del siglo XX han vivido un conflicto bélico: han matado por defender a su nación.

Es una tesis que crea personajes como el zapador protagonista, que tiene mujer (cameo de Evangeline Lilly -"Lost"-) e hijo, pero que sólo se siente vivo cuando está en el campo de batalla. Es un hombre con una sola razón para vivir, y no es un sentimiento cotidiano: es la necesidad de estar entre la vida y la muerte. Puede parecer un cínico porque desecha el amor, pero es el único soldado sincero porque disfruta con su trabajo. Es distinto a lo que el cine suele proporcionarnos, por eso no extraña cuando en un primer plano mira a un terrorista suicida que está a punto de explotar a los ojos, porque los dos son la misma persona. Es, en resumen, un personaje único, para disfrutar de él.

"La mujer sin piano": Nada de nada

2010-02-03T20:38:00.005+01:00

"La mujer sin piano" es posiblemente la peor película española de 2009, estrenada en el Festival de Cine de San Sebastián con mucho bombo y poco platillo (por eso de no confundir el ruido con la música), su capacidad para sacar toda tu bilis es digna de estudio. Pero incluso va mucho más allá de la mera nulidad, encima su director, Javier Rebollo, se sube al carro de los mesiánicos salvacines y afirma que otra industria española es posible y su película es esa opción, ¡esperemos que se equivoque!

La sinópsis es sencilla, patética e indigna: Carmen Machi es una mujer menopaúsica a la que, sin previo aviso, le empieza a pitar un oido. Su vida es anodina, está casada y tiene un hijo, pero estos personajes no tienen ningún desarrollo en la trama. Porque Machi abandona su hogar, abandona a su marido y su hijo y se dedica toda la película a vagabundear por la noche madrileña con una maleta y una peluca. En esta "trepidante" aventura le acompaña un polaco e incluso se topa con una panda de magrebíes que le increpan, ¡apasionante!

Cuando le otorgaron la Concha de Plata al Mejor Director en San Sebastián, Rebollo fue recibido en la gala con pitos (convenientemente disimulados por TVE) y desconcierto general. Porque esta es una película que no trata sobre nada y encima se regodea en su pedantería; de "héroes anónimos" pretenden calificar algunos a los personajes. Pero estos "héroes" van más allá del anonimato y caen en el desinterés y finalmente en el hastío. Dice el director, Rebollo, que quiso hacer una película aburrida, como la vida misma. Lo que ocurre es que si eres incapaz de transmitir la desidia, acabas conduciendo al espectador al suicidio. Creo que la palabra oportuna para definir a "La mujer sin piano" es "incapacidad".

Durante 94 eternos minutos vemos a Machi pasear por Madrid con unos tacones que llegan a ser el culmen de la desesperación. Con un ritmo lento y cansino, la escasa acción se desarrolla sin llevar al espectador mas que a un callejón argumental sin salida. Al final, la aparición del polaco, que está esperando un autobús a Katowice, termina por agotar el escaso crédito del filme y demuestra lo absolutamente ridículo que es. Sirva de ejemplo la siguiente escena:

Polaco le dice a Carmen Machi que él es católico porque el Papa es polaco (era) y acto seguido se tira al suelo y empieza a rodar. Fin de la escena.

Quizá el mérito de Javier Rebollo está en conseguir tirar a la basura 94 minutos de metraje y pasar a engrosar la larga lista de pitufos imitadores de José Luís Guerín (piénsese en grandes pedantes como Jaime Rosales y Carlos Serrano Azcona) , quien les da un repaso artístico a todos con "En la ciudad de Sylvia" y tiene la decencia de no ir predicando por ahí un nuevo "cine español". Con directores como Rebollo dan ganas de morirse. No emociona, no transmite, no crea, no, no, no... Demasiados noes y poca creatividad.

Dice Víctor Erice (grande de verdad) que no hay ningún director español actual que haya aprendido nada de él.

"La mujer sin piano" es una castaña como la Catedral de Burgos de grande.

"Avatar": Esa mamarrachada...

2010-02-01T23:13:00.003+01:00

Comencemos. Hagamos un juego de pedantería muy corto, definamos "mamarrachada":

Acción desconcertada y ridícula

Ver las películas en las salas de cine tiene un punto positivo muy claro respecto a descargártelas; que cuando saltan los títulos de créditos puedes gritar: "¡Vaya mamarrachada!" y quedarte tan pancho. En "Avatar" sumamos un punto más, porque puedes insultar en 3D y eso, amigos, no tiene precio.

O eso debió de pensar James Cameron cuando, por 1995, pensó: "Voy a hacer una película malísima, infumable y que además huela a plagio, pero la haré en 3D, y el público y la crítica se rendirán a mis pies". Y reconozcámoslo, Cameron es un estupendo director de márketing, sólo hay que ver los números que está haciendo, pero un buen director...

Hablemos en plata, "Avatar" es una mamarrachada, una "cosa" (no se merece ser llamada película) desconcertante y ridícula. Es difícil concentrar tanta nulidad en una sala de cine, pero hacerlo en 162 minutos bien se merece un fusilamiento.

Los primeros 30 minutos de película bien merecen pagar el vulgar precio de 9€ el kilo de 3D. Esto de las tres dimensiones es excitante, y uno se siente como un pionero de fin de siécle viendo trenes saliendo de la pantalla. El espectáculo es bellísimo, dan ganas de atrapar esos dientes de león o esos bichos que pasan rozando la cara, o correr despavorido de un feroz sabueso. Créanme, es toda una experiencia. Pero aquí se acaba todo, has tenido 30 minutos de gozo, como el "Dragon Khan".

Una vez pasada esa frontera temporal, y metido en la salsa de la película, se te empieza a desmontar la montaña rusa y te quedas varado en un páramo creativamente en llamas. Los diálogos te empiezan a sonar forzados, irreales y mal construidos (hay un "corre" dirigido a un paralítico que es casi entrañable). Los personajes demuestran la falta de trabajo que hay detrás de ellos y se vuelven tópicos, al igual que el guión, plano, previsible y sin ningún punto de inflexión reseñable. En una palabra, un "peñazo". Por no hablar de que la historia está más vista que el cuento de "Pocahontas" pero encima revestido de un pseudomensaje ecologista que revuelve la bilis.

Habrá quien (hay gente para todo) que me diga; "al menos es entretenida", con ese "al menos" que tanto me recuerda a una derrota. Pero ni siquiera eso, no nos dejemos engañar, un espectador medianamente exigente habrá muerto de aburrimiento en esos 30 minutos de éxtasis en 3D. Porque, ya lo he dicho, la historia no se mantiene, tiene un ritmo absurdo que no logra enganchar jamás.

Os he engañado a todos y me he quedado con vuestro dinero y vuestros premios.

Y ahora desmontemos mitos, si ya sabemos que el guion es un plagio de "Pocahontas", los personajes son patéticos y los diálogos también, ¿qué nos queda? A sí, la selva y el 3D, ese planeta Pandora al que todos nos gustaría ir a vivir cuando estamos durmiendo en una cámara de bronceado.

¿Qué decirles? Pues que es todo tan poco original como el resto de la película, tan casposo como todo lo demás. Cameron: bien que haya mucho trabajo detrás de este proyecto, pero entre escena y escena debías estar chupando cocos con pajita, porque se te desmorona el filme por cada desconchado. La selva, !ay¡ esa selva de Pandora, creada a golpe de baobab y habitada por criaturas monstruosas y brutales. Pero sin un ápice de creatividad, caballos que no son caballos, terodáctilos mezclados con condors, medusas que vuelan, perros gigantes, rinocerontes que no parecen rinocerontes. Podría seguir, pero lo que quiero demostrar es que Cameron no ha inventado nada, y ni siquiera ha innovado mucho, un fraude.

Y que decir del 3D, al principio es espectacular, bien trabajado, pero al parecer llegó un momento en que se hartaron de montar y desmontar croma y dieron paso a la holgazanería, Resultado: el 3D se convierte en la excepción y allá cuando aparece lo hace sólo en el primer plano, quedando el segundo desenfocado. En definitiva, un desastre.

La selva es bonita.

Y digo yo, ¿Cameron, si en lugar de haberte pasado 15 años con esta chorrada te hubieses dedicado a vivir tu vida, no seríamos todos, tú y nosotros, mucho, mucho más felices?

Eres un chapuzas, Manolo Cameron.

Emir Kusturica. Cine y política

2010-01-28T21:23:00.002+01:00

Mañana (viernes 29 de enero de 2010) voy a ver a Emir Kusturica en concierto, en Madrid. Considero que es importante recoger la fecha. No recuerdo muy bien cómo descubrí al director de cine-músico serbio; sé que fue hace tres años, cuando comenzaba mis estudios en Pamplona. Por eso, y por la cantidad de veces que he (o Guille) hablado de él en el blog o en la calle, relaciono sus películas y sus canciones con este pasado reciente.

En el diario El Mundo, en la edición de hoy, recogen una entrevista escueta, realizada por Luis Martínez en Serbia (el mismo periodista tiene una crónica original sobre Emir Kusturica). En este intercambio de preguntas, el director (perfil sobre él en Cinemascope35) de Underground habla de manera efusica -se supone a través de las respuestas- de la vulgarización del cine y de la política. Es una extensión que sirve para reflexionar sobre la propia realidad y juzgarla, que canaliza con críticas al neoliberalismo y al negocio de la televisión. Copio algunos fragmentos esclarecedores:

- Emir Kusturica en la entrevista concedida a El Mundo, jueves 28 de enero de 2010: "Si nos fijamos, por culpa de la televisión, los políticos se han convertido en actores. Se limitan a interpretar un papel".

- E.K.: "En los setenta, los actores se resistían a salir en los anuncios. Ahora, desde el momento justo en el que dan los primeros pasos, ya quieren salir en un anuncio. Y esta actitud se puede generalizar a todo. Todo el mundo tiene, o se empeña en tener, una faceta comercial".

- E.K.: "El cine se está volviendo cada vez más vulgar. Y lo mismo la política. [...] Están alienados por la estupidez del mercado, que lo ocupa todo".

- E.K.: "El cine que yo he conocido [...] va camino de desaparecer como la ópera. Ahora, estética y políticamente, la única teoría viva es el pragmatismo. Nadie analiza nada. Tiempos extraños".

Comparto estas premisas. En arte, hay teóricos que consideran que el lenguaje se está volviendo críptico, e inaccesible para el público. No creo que ese sea el problema, el planteamiento es sobre el pragmatismo que critica Kusturica: los espectadores están perdiendo la concepción artística del cine, y sólo aspiran a ser entretenidos durante hora y media en un patio de butacas con las luces apagadas. Tras ese espacio de tiempo, no hay análisis, ni reflexión. El fragmento que hay entre entornar la iluminación y el letrero de "Fin" es una distracción, a la altura del fútbol.

Puede que esa nueva concepción pragmática de la realidad sea un producto de lo difícil que es entender el lenguaje artístico. Pero yo no creo en ese argumento, que se dibuja como un bucle inútil. Por ello, me remito a las palabras del escritor Javier Cercas durante una conferencia en Pamplona, cuando reconoció que de joven leía a Borges, aunque no entendía de que hablaba.

Seguiremos reflexionando sobre el cine y la realidad, pero mañana toca ver la faceta musical de Emir Kusturica.

Noticias relacionadas:
Kusturica, Pancho Villa y Javier Bardem

Fotografías:
Tomada por Kmeron (flickr): "Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra Live Concert @ Couleur Café Samedi Jour 2 Bruxelles Tour & Taxis-31 "

Avatar: ¡Venga va, me la juego!

2010-01-22T01:50:00.003+01:00

Acabo de llegar de ver Avatar, esa "cosa" de James Cameron. Todavía me dura la risa, pero de eso ya hablaremos en otro momento.

Si este blog tuviese miles de lectores diarios lo que voy a hacer a continuación tendría más gracia, pero como esto no es Pandora y nuestros sueños no suelen cumplirse, tengo que conformarme con los amigos y conocidos que me leen.

PRIMER AXIOMA: Si Avatar logra el Oscar a la Mejor Película

SEGUNDO AXIOMA: Yo dejo de ver cine de estreno.

"El cine ha muerto", Boyero dixit (para un día que estoy de acuerdo con él)

P.D. Uno de estos días (cuando se me pase la risa) hablo de ella en profundidad.

Stephen Frears: "El cine que contaba buenas historias para adultos ha desaparecido"

2010-01-18T00:13:00.003+01:00

Y no hablamos de cine porno. Stephen Frears ha concedido una entrevista para el suplemento XL Semanal en el que hace un repaso por la industria del cine de Hollywood, y otras muchas reflexiones más. Yo me quedo con esta:

Ahora, la industria del cine americano parece sólo interesada en las audiencias jóvenes y los efectos especiales. El cine que contaba buenas historias para adultos ha desaparecido. Cuando yo era joven, la gente aprendía a vivir a través del cine, y eso ya no existe.

¿Soy el único al que le vienen a la memoria patochadas narrativas como las tres últimas entregas de Star Wars? ¿O en la eternización de Spiderman y Transformers?

El director de "The Queen" hace además hincapié en que Hollywood es un sitio cínico, corrupto, donde sólo se hacen películas para ser rentables. Por eso, el secreto para competir con el dinero es:

La única forma de sobrevivir en Europa es crear historias únicas.

Por último Frears recuerda que el talento está casi en extinción. Un tipo interesante.

Aquí toda la entrevista: XL Semanal

No dejen de ver "La cinta blanca"

2010-01-17T19:48:00.001+01:00

Imprenscindible:

En Cinemascope35

"Un tipo serio", cosas de judíos

2010-01-17T18:15:00.003+01:00

Cada vez que pienso en los hermanos Coen, Etahn y Joel, no puedo menos que imaginarme a dos estrafalarios guionistas escribiendo "dude" y "fuck" cada tres líneas. Artistas del humor ("O Brother", "El gran Lebowski") que, en cuanto les da la gana, se descuelgan con profundos thrillers criminales de impagable factura ("Fargo", "No es país para viejos"). Unos genios.
Aunque para ser sinceros, yo creo que en todas sus películas hay algo de humor y algo de thriller. A lo largo de su carrera se aprecia una intensa labor de conocimiento del ser humano. Unas veces canalizado en trágicas miserias, y otras en comedias disparatadas, porque la vida es así, tronchantemente trágica.

Definir "Un tipo serio" ("A serious man") como una comedia negra es una gran imprecisión, porque no son sus personajes los que fuerzan el humor, es su vida y sus circunstancias la que crea un ambiente barroco y patético, que, en ocasiones, hacen sonreir.
En su última película los Coen se centran en la vida de un profesor de física judío en una apacible ciudad americana a mediados de los años 60. Agobiado por los problemas familiares (su mujer le pide el divorcio, su hijo adolescente le roba dinero) y laborales, decide buscar un sentido a su vida mediante la religión, y convertirse en un devoto judío.

Los hermanos Coen utilizan al protagonista, Larry Gopnik, para mostrar la angustia de los personajes ante el cumplimiento de las severas normas éticas de la religión (en concreto del judaísmo ortodoxo, pero podría ser cualquier otra religión) que impeden a Larry encontrar un sentido a la vida. Además ponen de manifiesto la nulidad del mensaje religioso para dar respuesta a los problemas de la vida cotidiana, ya que éste se centra en aspectos abstractos sin dar soluciones o aliviar la angustia (las conversaciones con los rabinos resultan reveladores a éste respecto)

Ya he dicho antes que el protagonista, Larry, es, en la ficción, profesor de física, una excusa de los directores para introducir teorías científicas, como el "Principio de indeterminación de Heisenberg" o el "gato de Schrödinger" que plantean una existencia (valga la redundancia) indeterminada y cambiante, ya que como dice Larry; "Ni yo entiendo la teoría del gato". Es decir, es imposible entender el sentido a la vida, porque no la tiene. ¿Su mensaje?, seamos dueños de nuestra vida y vívela con calma, "Somebody to Love"

Y después de toda esta disertación sobre el "sentido de la vida" y la existencia religiosa, tengo que decirlo: Esta es una película sobre judíos, y en muchos casos para judíos. Así, si uno no sabe unas cuantas cosas sobre ellos puede andar un poco perdido, por ejemplo: ¿Qué es un bar mitzvah?, ¿por qué es tan importante?, ¿y la cábala? ¿y un rabino? ¿a qué viene esa preocupación por la nariz? En mi opinión, ofrece un interesante punto de vista sobre una comunidad judía occidental, pero puede llegar a ser tedioso y desconcertante.

Para finalizar, la película es abstracta, puede que mucho, y excesivamente barroca, hasta el punto del hastío. Me costó lo inenarrable meterme en la historia, es áspera, lenta, complicada. La atmósfera y los personajes son absurdos y, al principio, el pobre Larry no me importaba un carajo. Aunque al final le coges cariño.

P.D. Para fans: Es mucho más inteligente que "Quemar después de leer", aunque menos graciosa. Tan disparatada como "O Brother", y tan reflexiva como "No es país para viejos".

P.D.2 La músca es un acierto.

Repaso a 2009

2009-12-31T21:24:00.002+01:00

Último día del año 2009; y, antes de comer las uvas, vamos a recuperar las entradas más curiosas en Cinemacope35.

Enero empezó con una no-recomendación, sí, algo extraño en un blog de reseñas, pero era una forma también de reclamar la versión original en las salas de cine. Entre el frío del invierno se coló Alan Ball por una ventana, y Guille tuvo una conversación ficticia con él. Hablaron de no sé qué de un vampiro y esas cosas.

En febrero tuvimos reflexiones, sesudas casi todas. Primero con los Goya . Después, con el análisis de las diferentes películas que compitieron en los Oscars: Frost/Nixon, Benjamin Button. Pero también tuvimos espacio en el blog para la historia curiosa de uno de los primeros aviadores, un paisano de Burgos. Y como noticia adelantamos el rodaje de Spanish Movie.

Marzo fue un mes reivindicativo, a favor del cine en la Cadena Ser, y de la cultura libre. Tuvimos cortometrajes con los premios de la Universidad de Navarra, los Kino. Y le cogimos el gusto a los monográficos, abriendo el camino con Victor Erice. Y ocurrió otra vez, Guille tuvo otro encuentro ficticio. El elegido fue Álex de la Iglesia.

Abril fue un mes de muchas muertes, algunas ficticas, sin pupa. Primero, con la muerte ridícula de Lupe Vélez. También con el rumor de la de Jordi Hurtado (falso rumor, hay que decirlo todo). Y otra muerte cinematográfica, el fin de la carrera anunciado por Viggo Mortersen (a ver si se confrma este año). Y en Cinemascope35 hice una predicción a título personal: la película de Tarantino no me iba a gustar, y acerté. Guille, por último, rememoró en abril al cámara que grabó el golpe de estado en España.

Mayo fue mes de fútbol y de más monográficos. Fútbol por el parecido razonable que Guille destapó entre Mr. Eko (Lost) y Essien (jugador del Chelsea)
. Yo, respecto a los monográficos de directores, hablé de David Lynch y Blue Velvet. Y mi compañero de blog descubrió que le gustaba investigar sobre las voces de doblaje.

Junio fue mes de exámenes, así que la producción bajo un poco. Pero tuvimos monográfico currado de Guille sobre Fritz Lang. Y Álex de la Iglesia tras el encuentro ficticia en este blog, llegó a Presidente de la Academia de cine.

En julio supimos que íbamos a participar un año más en el Festival San Sebastián. Y reseñamos dos películas geniales: "En la ciudad de Sylvia" y "La pelota vasca".

Agosto sirvió para reseñar dos películas bien distintas "Antichrist" y "Resacón en las Vegas". Fue un mes un poco vacío, pero el calor veraniego y algún que otro examen fueron los culpables.

Septiembre fue "el mes", así, a lo importante. Estuvimos en San Sebastián, donde nos acordamos de Christian Poveda, el periodista asesinado por el documental que hizo sobre las Maras. Hubo un momento de relajación y mofa tras ver "El mensajero del futuro", que pasó a engordar la sección genial de Basura Blanca: las mejores peores películas. Y sobre San Sebastián, hicimos una crónica casi diaria sobre lo que allí ocurría; al final, hubo reflexión y fotos.

Octubre también estuvo marcado por un festival, esta vez el de Pamplona. Sobre lo que allí ocurría escribíamos casi diariamente. En Cinemascope35 hubo espacio para los reportajes -el de Guille, sobre las voces de doblaje-, y para las curiosas coincidencias a la hora de programar películas en televisión.

Noviembre fue comprometido también, con las reclamaciones de la Escuela Navarra de Teatro. Hablamos sobre la película española del año "Celda 211". Y de Luis Ciges.

Y concluimos con diciembre, un mes un poco flojo también por exámenes. Este mes hemos tenido dibujos animados, el recuerdo a Ivan Zulueta y el cortomentraje de nuestro amigo Pablo Ibarburu

Más y mejor en 2010

¿Dónde viven los monstruos?

2009-12-31T20:52:00.002+01:00

¿Dónde viven los monstruos? Es más, ¿quiénes son los monstruos?, ¿somos nosotros? ¿Sólo los adultos, los zurdos, o, simplemente, los gemelos?

Es difícil hablar de la última película de Spike Jonze, "Donde viven los monstruos", porque no es una película para niños, ni tampoco marcadamente para adultos. Quizá su público sea sólo el propio Jonze, y aquellos que no se consideran ni adultos ni niños, una generación perdida como la nuestra, la de la posmodernidad.

Si algo hay en Spike Jonze que me gusta es su voluntad por contar, de recuperar las narraciones fantásticas propias de los cuentos de cama, sin sentido, que sólo puedan existir en nuestra mente infantil, pero sencillas. Quizá con "Cómo ser John Malkovich" marcó este ritmo genial de dar rienda suelta a su imaginación. Decía Juan Marsé que él, como escritor, era más un narrador que un intelectual:

"Procura tener una buena historia que contar, y procura contarla bien, es decir, esmerándote en el lenguaje"

Hoy día faltan narradores, ¿se siguen contando cuentos para dormir? y como faltan narradores faltan también buenas historias y buenos guiones.

Jonze recupera el texto de Maurice Sendak en el que nos cuenta la vida de un niño, Max, que no encaja en su sociedad; su madre es una mujer divorciada que intenta reacer su vida, su hermana es una adolescente y a él le gusta pasearse por la casa vestido de conejo, contar cuentos y construirse efímeros paraísos donde leer. Cansado del mundo de los adultos, Max escapa a una misteriosa isla repleta de monstruos peludos de 3 metros cuya sociedad se desmorona por la falta de comprensión y tolerancia.

La película toma la fuerza estética de las imágenes creadas por Sendak (las localizaciones son espectaculares, los monstruos tienen una profusión de detalles impactante) y el pulso narrativo de Jonze, que es eléctrico, aunque impreciso. Hay continuos saltos emocionales, se pasa del golpe dramático más duro a una divertida batalla de bolas, y en ocasiones la historia es complicada de seguir o los giros se resuelven de maneras poco lógicas.

Eso sí, el ojo de Spike Jonze ha sabido recrear a la perfección el mundo de Sendak, el escritor. La cámara te transporta a un mundo onírico pero que también puede ser real y pernicioso, como si toda libertad escondiese su desventaja. En ocasiones me daba la sensación de estar ante la película más "bella" de todo el año.

Toda la película se sustenta sobre el viaje interior y transcendental de Max hacia la madurez, en el que los monstruos simbolizan los miedos y complejos de la infancia. También el egoísmo, la idealización y las fantasías propias de los niños.

A pesar de todo, se hace duro ver esta película, demasiado cruenta y desgarradora. No hay esperanza en el mundo de los monstruos, y en el de los adultos predominan los tonos grises. Además está cargada de imágenes y signos que raramente penetrarán en el cerebro de un niño. Aunque seguro que ellos se quedan con otras cosas de la película

El doblaje es un error, perdón, horror.

I Concurso de Periodismo Digital de "Sin futuro"

2009-12-31T17:55:00.004+01:00

Hoy os traigo algo completamente desvinculado del cine pero que me parece un proyecto interesante. En el blog de periodistas "Sin futuro y sin un duro" (el nombre es profético) hemos organizado un concurso de reportajes periodísticos en internet, aprovechando las múltiples ventajas de este medio. Por lo tanto, pueden ser videos, fotos, podcast... ¡Incluso hay premio! El jurado, eso sí, lo formamos nosotros.

Pero como hemos redactado un texto muy claro y conciso para la ocasión, mejor lo leéis ahí que lo entenderéis mejor: http://sinfuturoysinunduro.com/2009/12/29/i-concurso-de-periodismo-digital-de-sin-futuro/

Creemos totalmente en las posibilidades expresivas e informativas que los nuevos formatos digitales aportan al periodismo, por eso este concurso está destinado a fomentar su uso y desarrollo.

Este concurso está dirigido a estudiantes de periodismo, profesionales y periodistas ciudadanos. Su objetivo es dar a conocer el talento dentro del sector del periodismo digital.

Para concursar tan solo hay que publicar el trabajo periodístico y mandar el enlace al correo de Sin Futuro.

En caso de que no se disponga de plataforma de publicación, Sin Futuro lo publicará en el blog. Todos los trabajos enviados serán publicados en el blog.

Se podrán presentar trabajos periodísticos (noticia, reportaje, análisis, interpretación, entrevista, fotonoticia, pero no opinión, sobra opinión en el periodismo actual) en cualquier formato digital (texto, vídeo, podcast, fotografía, infografía, pudiendo combinar varios) y todos concurrirán en igualdad de condiciones; aunque el jurado prestará especial atención a aquellos que hayan apostado por la multiplataforma. Cada participante podrá presentar tantos trabajos como quiera.

No importa que los trabajos se hayan publicado en otras fechas y webs, pero a todas ellas se exigirá autenticidad y se usarán los procedimientos necesarios para verificar que no se tratan de plagios. A pesar de todo, el jurado prestará especial atención a aquellos trabajos realizados expresamente para el concurso y que apuesten por la calidad y la hipertextualidad. Los trabajos deberán ser presentados bajo cualquier licencia abierta.

El jurado estará compuesto por los miembros de Sin Futuro y en su decisión tendrán en cuenta la calidad de los trabajos aportados así como su capacidad de generar participación de los usuarios.

El premio constará de un ganador y dos finalistas. El ganador recibirá el lector de e-books que Sin Futuro ganó en los últimos Premios Bitácoras. A los dos finalistas se les concederá una mención especial . Tanto el ganador como los finalistas tendrán la posibilidad de formar parte del equipo de Sin Futuro en calidad de colaboradores.

El concurso comenzará el día 30 de diciembre y tendrá una duración de 2 meses. Tras este período y una semana después de su conclusión, se publicará el ganador en Sin Futuro.

El jurado del concurso se reserva el derecho a declarar el concurso desierto en caso de que ninguna de las obras tenga la calidad necesaria y sortear el premio entre sus integrantes. xDD

I Concurso de Periodismo Digital de Sin Futuro

Fecha de comienzo: 30 de diciembre 2009.

Fecha de finalización: 2 de marzo de 2010.

Tipo de soportes admitidos: texto, fotografía, vídeo, podcast.

Premio: 1º.- Lector de e-book InvesBook 600 y colaboración en Sin Futuro como colaborador.

2º y 3º.- Menciones especiales y colaboraciones en Sin Futuro como colaboradores.

Sin futuro y sin un duro

Ha muerto Iván Zulueta

2009-12-30T19:55:00.003+01:00

El director de "Arrebato" ha fallecido hoy en San Sebastián a los 66 años.

Si les soy sincero, yo no sabía nada de Iván Zulueta hasta que hace un año leí una brutal entrevista que le hacía en el diario Público, y en la que decía:

"El cine es mi única salvación"

Ya dije mucho de lo que tenía que decir sobre él en esta entrada. Pero hoy he sufrido un gran choque cuando he leído la noticia en El País, porque creo que se va uno de los hombres más transgresores de la España tardofranquista y de la transición. Un hombre maldito que me fascinó por la lucha interna y descarnada que desarrolló entre la genialidad y la droga.

"Quisiera no perderme en esos entresijos de la metadona"

Creo que a él no le gustaba mucho que le considerasen un "director maldito", pero parece que la vida se ha conjurado para llevarle la contraria.

"The humpty dumpty story", por Pablo Ibarburu

2009-12-29T19:32:00.006+01:00

No tengo el gusto de conocer personalmente a Pablo Ibarburu, pero a través de su obra podemos intentar entender las neuras que barzonean por su cerebro. De Ibarburu se ha dicho que es "el travesti de Berio" pues aunque nació con cerebro yanki vivió muchos años atrapado en el cuerpo de un donostiarra (con todas las contras que eso tiene). A pesar de su apellido netamente guipuzcoano (y sus raíces zamoranas), es, sin duda, uno de los guionistas más prometedores del norte de Texas (en concreto de Denton).

Cojea del humor y es posible que se esté encasillando un poco en la comedia, es difícil saber si ante el drama tendría la misma virtuosidad que con los gags y los chistes. Pero, ¡qué demonios! estamos aquí para reírnos. En el blog macabroyfunesto podemos encontrar muchos de sus textos y, gracias a Youtube, podemos disfrutar del que, hasta la fecha, es su primer cortometraje, "The humpty dumpty story", con ese subtítulo tan floydiano de "just another egg on the wall".

"Humpty Dumpty" hace referencia a un acertijo ingles del siglo XIX que decía así:

Humpty Dumpty sat on a wall.

Humpty Dumpty had a great fall.

All the king's horses and all the king's men

Couldn't put Humpty together again.

Humpty Dumpty se sentó en un muro.

Humpty Dumpty cayó y pegó duro.

Todos los caballos y hombres del rey

No pudieron unir a Humpty de nuevo.

La respuesta, que ha trascendido a toda la cultura anglosajona hasta el punto de dejar de ser un acertijo, es el "huevo". Esta referencia se encuentra en el cortometraje, aunque, en realidad, narra una historia mucho más cruenta (y que nos podría pasar a cualquiera) de como unos padres quieren comerse a su hijo, que para más reiteración, es un huevo de un metro ochenta.

También hay que destacar el trabajo en la codirección de Andrea Aguirre y en el guion de Jonas Goode, "a Youtube star".

P.D. Si alguien ve una felación más brutal que esta entrada que me avise.

¡Sí, son dibujos para niños!

2009-12-23T22:37:00.004+01:00

Hace ya mucho tiempo hablé de los dibujos animados como una gran vía de escape creativo, hoy día nadie duda de que detrás de "Los Simpson", "Padre de familia" y "Futurama" hay cabezas pensantes con dos doctorados en Harvard, a los que hay que reconocer que sin ellos la vida sería mucho más dura.

Sin embargo, estos dos ejemplos son dibujos animados para todos los públicos (el primero) y un poco más adulto (el segundo). No sé por qué extraña razón hay gente a la que le avergüenza reconocer que ve dibujos animados para niños, yo los veo. Porque, parémonos a pensar, en toda conversación tabernaria entre conocidos, siempre se llega al momento "dibujos míticos de mi infancia, queporsupuestoeranmejoresquelosactuales".

Pero reconozcámoslo, hoy día se hacen grandes cosas para los niños, quién tuviese esos dibujos de crío. El mejor ejemplo de esto que digo es "Pocoyo", un producto catalán que ha sabido traspasar fronteras con humor y ternura, y que televisivamente hablando es de los más educativo que hay hoy día.

El caso que nos ocupa hoy, lo descubrí por casualidad en Disney Channel y desde el principio vi que tenía algo especial (que falacia), es Phineas y Ferb, una serie estadounidense que narra el verano de dos hermanos que pretenden no aburrirse en esos días de calor. Bajo la atenta vigilancia de su hermana mayor, los dos hermanos llevan a cabo descabellados planes para divertirse. La grandeza de esta serie está en su absoluta sencillez, que combina en perfecto maridaje con un humor muy adulto y situaciones surrealistas. ¡Ah! ¿He comentado que su mascota es un ornitorrinco azul que a su vez es un agente secreto?

Tiene muchas claves para el éxito, la que yo más aplaudo (y cada día está más extendida en la televisión) es su ausencia intencionada de moraleja. Es entretenimiento puro y duro, genial. Otra clave de su atractivo es la apuesta por el humor por encima de otros mensajes, en sus primeros capítulos pesa mucho la acción y poco el diálogo, en sus últimos se ha equilibrado, tiene mucho de humor y es una trama entretenida. Por último quiero destacar a su coprotagonista, Ferb, un cerebrito que no habla, no es que sea mudo, es que no lo necesita. Es raro ver silencio en el cine, mucho más en la televisión. Yo creo que hacer buenos silencios es tan difícil y encomiable como un buen diálogo.

Apología de los zombies

2009-12-08T16:08:00.004+01:00

¿Quién dijo que en el cine estaban de moda los vampiros? Es falso, porque por muchos guaperas que aspiren a conquistar el corazón femenino gracias a mordiscos, los monstruitos que mandan de verdad son los zombies.

Ellos también pueden ser hermosos -por dentro-, incluso darnos un poco de penilla porque sus carnes están empezando a pudrirse. Sin más palabrería hueca os dejo con la evidencia de que los zombies son los amos:

Primer ejemplo, lo vi en el Festival de cine de Pamplona: "Zombies and cigarettes":

Zombies & Cigarettes en Yahoo! Video

Segundo ejemplo, "Un mal momento" de Pablo Vera, visto en el festival de cortometrajes por internet Notodofilmfest:

Tercer ejemplo, "I love you Sarah Jane" de Spencer Susser:

Y último ejemplo, la serie "Zombis" de Berto:

Tras ver tanta sangre y costra, a uno se le reblancece el corazón con estas criaturas.

Alternativa: "El baile de la Victoria"

2009-11-29T17:38:00.003+01:00

Ayer se estrenó en España "El baile de la Victoria" de Fernando Trueba, yo ya hablé de ella hace bastante tiempo, porque la vimos en San Sebastián. Es una buena alternativa cinematográfica para los que no les guste el futbol.

Yo se lo recomiendo, pasarán un rato agradable.

Entrevista a Javier Cámara

2009-11-26T11:34:00.002+01:00

Esta tarde, dentro del programa de radio que hacemos en la universidad -"Se nos cae la tarde"- entrevistaremos al actor Javier Cámara.

Hemos propuesto un diálogo distinto, que se acerca al tono humorístico que mantenemos en el programa. Y, conociendo a Javier Cámara, seguro que nos sigue el juego. La entrevista la intentaré publicar esta noche en el blog.

Para no hacer una entrada sólo de autobombo, os dejo una canción montada con imágenes de la película "En la ciudad de Sylvia", se llama Florencia, y es de la cantante argentina Irupé Tarragós Ros:

P.S: "En la ciudad de Sylvia" me recuerda a Apocalypse Now, el actor persigue durante toda la película a otra persona, que sólo recuerda en su memoria, y con la que sólo habla una vez

"Querida Wendy": El reino de los marginados

2009-11-24T09:52:00.003+01:00

"Querida Wendy" es una extrañisima película que hace honor a sus particulares creadores, el director danés Thomas Vinterberg con guión de Lars Von Trier, fundadores de Dogma 95, aunque como todo en esta vida, es difícil mantenerse inamovible en sus convicciones, porque esta película es todo lo contrario de lo que defiende Dogma 95.

Vinterbeg y Trier narran la historia atemporal, en un espacio que nunca nos es localizado ni definido, (aunque todo tiene un aire a los EEUU de los años 70) de una pequeña ciudad dedicada a la minería, donde tal oficio pasa de padres a hijos de una manera sempiterna. En semejante ambiente se crían una serie de personajes que, por no ser lo suficientemente fuertes para la minería, son marginados por la sociedad y llevan una adolescencia penosa en la que abundan los insultos y demás desagravios.

Estos adolescentes, huérfanos, en algunos casos, o casi huérfanos (por la constante ausencia de sus padres) en otros, tendrán que aprender a hacer frente a la hipocresía con la que se les trata, con otras armas, por eso fundan el "pacifismo armado", y la sociedad secreta de "Los dandys". Su filosofía de vida se basa en una veneración cuasi divina hacia las armas de fuego (cada uno pone un nombre a su pistola) y a portar estas por la calle, lo que les hace sentirse más seguros de sí mismos, para, gracias a esto, pueden desarrollarse como personas felices y sin complejos. Eso sí, el "pacifismo armado" implica rechazar cualquier tipo de violencia y el uso de armas fuera del ámbito recreativo. De esta forma intentan separarse del mundo de los adultos, donde impera la ley del más fuerte.

La sociedad secreta de "Los dandys" marca su código de honor (una síntesis de los códigos samurais y de los caballeros medievales), conforman una suerte de logia donde se discute de filosofía, literatura, poesía, y sobre todo, se intentan ampliar conocimientos sobre las armas. De tal forma que el director crea un paralelismo entre el rechazo que padecen las armas de fuego, paradójicamente demonizadas por una sociedad violenta, y la margnalidad en que han vivido estos chicos.

Al final, los adolescentes se ven forzados a enfrentarse al mundo de los adultos para demostrar su supremacía moral sobre estos últimos.

La película ofrece una bella historia que arroja una interesante reflexión sobre el comportamiento en sociedad, una sociedad individualista donde se premia la ambición y la codicia, y la sensibilidad y la inteligencia son aplastadas por considerarse poco útiles. De tal manera que el film da la oportunida de resarcirse a aquellos que siempre han sido dados de lado

Luis Ciges y el ejército ruso

2009-11-23T22:44:00.002+01:00

El viernes, en La2, emitieron la película "Amanece, que no es poco" de José Luis Cuerda. Para los que la han visto, sólo puedo decir: sí, es una obra de arte; para los que no, pues es cosa suya -esas cosas de la libertad, y tal-; pero uno no critica el cine español igual después de haberla visto. Además, tuvo muy buena audiencia, 1.099.000 espectadores, el mejor dato del espacio Versión Española desde 2007.

El dúo protagonista de la obra está compuesto por Antonio Resines, un personaje genial subordinado a su padre, el maestro Luis Ciges. Tras la proyección, comenzó la tertulia con el director y el actor de Los Serrano (producto nacional); fue exactamente José Luis Cuerda quien narró una anécdota de Luis Ciges que merece pasar a la posteridad: estaba una noche el intérprete en el frente de Estalingrado (sirvió en la Legión Azul), le tocaba guardia, y pensó para sus adentros "yo vigilo mirando hacia donde están los enemigos, y si vienen, aviso"; tras una noche desvelada, con los primeros rayos del sol, se dio cuenta de que había estado mirando toda la noche hacia un muro.

Es una anécdota que define muy bien a este hombre, que con su humor inocente e ingenuo (muy cercano a Gila), nos ha dado tan buenos momentos. Como ofrenda, cuelgo el cortometraje de Javier Fesser "Aquel ritmillo", protagonizado por Ciges:

Parte 1:

Parte 2:

Fuente:
Vaya tele

"Lógico que salga mal"

2009-11-22T23:01:00.003+01:00

Manos de topo, presentó hace unos meses el videoclip de su single: "Lógico que salga mal". Está dirigido por el realizador catalán Kike Maíllo, quien estuvo al mando también de "El cartero" (hablamos de él en Cinemascope35), éxito del primer disco.

La banda sigue con su humor, que plantea situaciones surrealistas; así, la canción dice en una de sus frases: "Si te peinas con petardos, lógico que salga mal". Y en este tema hablan, como no, de amor desde la óptica absurda.

Ahora, quiero relacionar a los dos agentes del video: Kike Maíllo y Manos de Topo. Y es que ligan como anillo al dedo; para comprobar que el realizador también aspira esa onda de locura genial, cuelgo en este post su cortometraje "Las cabras de Freud". Disfruten con Manos de Topo y su música profunda, y con Kike Maíllo y su obra.

Primera parte:

Segunda parte:

"Celda 211": Buenas actuaciones, pobre guión

2009-11-13T01:06:00.002+01:00

¡Ay! Hay actores que son capaces de levantarte una taquilla, y si son muy buenos, una sala entera rota en aplausos. Luis Tosar es uno de aquellos, ojalá Daniel Monzón lo hubiese sabido cuando rodó una de las peores películas del cine español "El corazón del guerrero". Pero lo que hoy es innegable es que a "Celda 211" le va bastante bien, ha tenido buenas críticas y está arrasando en taquilla, y, no nos engañemos, es gracias a Luis Tosar.

Uno va al cine con el recuerdo fresco de la genial "Un prophéte", una deliciosa pieza carcelaria donde fantasía y realidad casaban a la perfección con los entresijos de un mundo propio de "Prision Break". Sin embargo, "Celda 211", desde el principio, te muestra sus secretos y la ves llegar, resulta tremendamente previsible, sin giros que asombren al espectador ni le hagan pensar. Seguramente esta previsibilidad reside en sus numerosos errores de guión, la trama salta a trompicones, sin apenas justificaciones. Es difícil contar una buena historia en dos horas, es aún más difícil si no eres un genio del cine, y es casi imposible si eres mediocre, "Celda 211" adolece de este último mal, su director, Daniel Monzón, no es capaz de crear una historia lógica, demasiadas casualidades.

Y el mayor mal del que puede cojear un director mediocre es el del sentimentalismo, estoy HARTO (podríamos crear un grupo de Facebook) de que en todas las películas algun ser cercano al protagonista tenga que pasarlas canutas, o que por ejemplo, sea tratado con dureza, sin tener una justificación demasiado clara, o yo que sé, que se caiga por una escalera sólo para conseguir poner al público del lado del protagonista, pero sin motivos que lleven a que se caiga por una escalera, es un ejemplo, quizá no el mejor. Los directores de cine deben apelar a la inteligencia del espectador, no darle todo mascado, porque sino es probable que se vea maltratado.

Quizá sea yo, que me esperaba un film mucho más sesudo y filosófico. Aunque no todo son reproches al guión, debo agradecer al director, Monzón, su habilidad para mantener el ritmo de la historia siempre a un nivel muy alto, no puedes aburrirte, sabe convinar a la perfección ácidos y puntiagudos diálogos, con espectaculares momentos de acción y ritmo eléctrico.

Pero amigos, a veces el cine son los actores, y en esta película dos de ellos, el mencionado Luis Tosar y Alberto Ammann, los dos protagonistas, saben representar tan perfectamente su papel que te dejan ojiplático. Tosar, con esa voz desgarrada y esa musculatura cuasi vigoréxica, se mimetiza a la perfección con el mal, su personaje "Malamadre", es una sombra, una voz, que agita a las masas. "Malamadre" es el animal, es el instinto, mientras tanto, Alberto Ammann, es "Calzones", un tipo que representa el bien, y porque no decirlo, casi la inocencia, se ve envuelto en la vorágine del caos, hasta tal punto que llega a ser el cerebro del mal. En esa prisión, "Calzones", es la inteligencia, el plan, incluso el humano. Pero ambos se intercambian el papel de bien y el mal durante toda la película, realzando la fina línea que separa el bien del mal, en el fondo todo depende del prisma con el que lo mires.

Una buena opción para pasarlo bien y comer palomitas, pero poco más.

Escuela Navarra de Teatro

2009-11-09T23:13:00.005+01:00

La situación crítica de la Escuela Navarra de Teatro es muy sencilla de contar: este año, el Gobierno de Navarra les ha dado una subvención de 480.000 euros, que proviene de dos fuentes Consejería de Eduación y la de Cultura. Para el ejercicio que viene -2010- el presupuesto para ellos es de 250.000, y es sorprendente, porque Educación sólo da un euro.

Si en los 25 años de historia de la institución hacían malabares para poder pagar a los cuarenta empleados, alquilar el edificio, programar los cursos y los actos; ahora, con la mitad de dinero, el esfuerzo se antoja insuficiente.

Por ellos, los alumnos de la Escuela han comenzado una campaña de actuaciones para poner el grito en este atropello. No son las manifestaciones típicas, porque ellos son actores y creadores. Hoy, lunes 9 de noviembre, han salido a las calles de Pamplona para quedarse helados, como estatuas. Y que la gente vea que la cultura está maniatada ante el poder. El jueves irán a actuar al mural de Pamplona ciudad cultural 2016 que hay en la antigua estación de autobuses, será a las 7. Os insto a que vayáis a mostrar vuestro apoyo al teatro en Navarra

Domingo de videoclips comprometidos

2009-11-08T18:16:00.005+01:00

Ayer, sábado noche, tocó Berri Txarrak en Pamplona. Tras dos horas de saltos, empujones y melenas al viento, el grupo cerró el concierto con una canción que pretende remover la Memoria: Maravillas, os dejó el videoclip:

Pero no son los únicos que evocan, también lo hace genial Barricada, en su último disco "La tierra está sorda". Su videoclip "Por la libertad" demuestra que el arte comprometido también sirve en la música:

"Euphoria" de Ivan Vyrypaev

2009-11-07T16:57:00.007+01:00

El azar, a la hora de escoger una película en las estanterías de la biblioteca, no es corriente. Por eso, tengo que reconocer que cuando cogí "Euphoria" de Ivan Vyrypaev para verla una noche, fue fruto de una confusión. Gracias al título, visto de canto en las baldas, pensé que era "Europa" de Lars Von Trier: curioso error, y bendito, por otra parte. Porque, si la distribución de una película ya es un trabajo duro, seguro que lo es más cuando el realizador es un siberiano de 35 años: Ivan Vyripaev.

"El camino nítido del ciego"

Bueno, anécdota sosa aparte, conviene echar un ojo a la biografía de este realizador que vino del frío. Ivan Vyrypaev, nació en Irkutsk (la meta de la aventura de Miguel Strogoff) y formado en el teatro como actor y realizador. Alcanza el reconocimiento occidental en este arte -a pesar de su corta edad- y en 2006 dirige su primer largomentraje, el que hoy nos ocupa, "Euphoria".

Su experiencia en el mundo del teatro, en esta película, se ve en unos planos interiores muy bien compuestos, donde todo comunica una emoción. Incluso el esfuerzo se hace evidente en los múltiples planos generales que hace de los paisajes de Siberia. Y por esta autonomía, también, a la hora de utilizar el punto de vista se recrea con imágenes de naturaleza muy bellas.

Pero, además, la naturaleza juega un papel importante en este universo simbolista creado por Ivan Vyrypaev. La primera escena, por ejemplo, es clave en el desarrollo de la obra y de los personajes: un ciego recibe ayuda para montar en una motocicleta y correr por los caminos, frente a una bifurcación -por su minusvalía- sigue recto. A continuación, aparece Pavel, el protagonista masculino de la historia, que busca agitado a Vera, el personaje femenino de este relato de amor. Pavel, cuando localiza a Vera, no sabe qué hacer, y por eso la cuestiona de manera constante sobre qué va después de las miradas que se dirijieron en la boda de una amiga. Él es un hombre sin misión, que busca la acción que le personifique. En cambio, ella no tiene otro remedio que aceptar la que le fue asignada: está casada con Valeri y tiene una hija pequeña: Masha.

El sendero es el símbolo clave de la película, porque comunica una población con una gran dispersión de las familias, y también porque las tramas secundarias surgen en este espacio. Así, los personajes que están perdidos, a quienes de manera súbita les cambia la vida, se sientan a un lado del camino, y esperan. Pavel y Vera también pasan por esta escena, porque no saben cómo seguir con su vida. En esta tesitura, deciden tomar el control y romper con la sociedad: ellos toman un nuevo camino, más relajado, donde hay un espacio para su amor.

Ivan Vyrypaev escribe una obra maestra en 70 minutos, sin caer en la radicalidad de los experimental, pero sin cometer los errores sensibleros de las películas románticas. Una alegoría del amor como camino hacia algo nuevo.

Por suerte para los navarros, la película está en casi todos los Civivox de la comunidad. Así que no lo duden, y yerren más a menudo a la hora de coger la obra deseada.

Más información:
- Trailer Euphoria

"La vida loca"; un reestreno que es un homenaje

2009-11-01T09:35:00.004+01:00

Chapoteando todavía en mi rabiosa saliva por el esperpento de "Sin nombre", perdonen mi mala leche, es que había un montón de niños llamando a la puerta y tenía muy pocas balas. Hoy quiero hablaros de un estreno.

En septiembre de este año nos dejó el fotógrafo Christian Poveda, que fue encontrado muerto en El Salvador. Este fin de semana se ha reestrenado su película, "La vida loca", un documental sobre las maras. Se lo recomiendo.

"Sin nombre"; un estreno patético

2009-10-31T11:37:00.006+01:00

Este fin de semana ha llegado a las salas de cine, con mucho bombo y platillo, la película "Sin nombre", un originalísimo título para una obra que no merece ni un vistazo de sus créditos. No se dejen engañar por anuncios o trailers, cuando la premiaron en Sundance debía de ser April fools' day.

Ni siquiera sé qué hago hablando sobre "Sin nombre", es tan patética que no se merece ni un párrafo, ni que yo desperdicie mi tiempo escribiendo sobre algo que no van a ver, pero considérenlo una obra benéfica, yo les advierto sobre "el horror".

A ver, ¿cómo se lo explico? si uno pone "Sin nombre" en Google, el primer resultado que te reporta es un mensaje que dice:

"Es usted estúpido, ¿cómo va a buscar algo que no tiene nombre?"

Bobadas aparte, centrémonos. "Sin nombre" es la pretenciosa película de una suerte de director californiano-japonés de nombre Cary Fukunaga, que en un arresto de humildad y curiosidad antropológica, decide hacer un drama (dígase con voz de hastío) sobre una inmigrante hondureña que intenta llegar a EEUU con su familia pero por el camino es asaltado y atracado por una "mara", con tanta suerte que "El casper", un "maroso" o pandillero se apiada de ellos y decide protegerles.

El film es un compendio de disparates y escenas comunes de otras películas sobre inmigración, sinceramente, para quien no lo sepa, el tema de la dura frontera Méjico-EEUU está tan trillado que esta película no logra aportar nada novedoso y el espectador acaba embadurnado en su propia bilis de tanto dramatismo facilón.

Desde el principio vemos una historia falsamente dura que en ningún momento llega a emocionarte porque su lenguaje narrativo es tan plano como manido, muertes por aquí, muerte por allá, una vida marcada por la mendicidad y la violencia... Y el espectador, que no es tonto, acaba dándose cuenta que está ante la más tópica de lás películas y que ha tirado 2 horas de su vida ante semejante bodrio. Por último, mi irritación llegó a tal punto que estaba deseando que "El casper", ese mataniños con buen corazón, acabe despeñado y descuartizado en cualquier cuneta, qué coñazo de personaje. Y encima el final de toda esta patética historia es tan previsible que dan ganas de arrancar la butaca y tirarsela a Cary Fukunaga.

Al menos hay una actriz que poco a poco parece ir conformando una prometedora carrera, hablo de la protagonista, Paulina Gaitan, el único diamante en este comedero de cerdos.

La Berlinale proyectará "Metrópolis" en su versión íntegra.

2009-10-30T13:37:00.003+01:00

Cuando hice el análisis de "Metrópolis" de Fritz Lang dije, en su momento, que la actual copia que disponemos los espectadores de a pie es una copia incompleta, porque faltan algunas escenas que desaparecieron, pero que fueron encontradas en Argentina en 2008.

Por lo tanto la próxima edición del Festival de Cine de Berlín proyectará esta última versión íntegra y totalmente restaurada. Bueno, de España a Berlín hay casi 2.000 kilómetros, pero es una buena excusa para hacer turísmo.

Vía: Notisistema

Entrevista a Alfonso S. Suárez (II)

2009-10-27T09:39:00.002+01:00

Alfonso S. Suárez nació en Gijón el 5 de noviembre de 1977. Apesar de no tener nada que ver con la prolífica saga cinematográfica de los Suárez, también asturiana, Gonzalo Suárez, Carlos Suárez y Gonzo Suárez (que además son de Oviedo), admira sus obras y reconoce que en ocasiones ha podido trabajar con ellos. A sus espaldas tiene la enorme responsabilidad de ser miembro de la Junta Directiva del Sindicato Nacional de Guionistas (A.L.M.A.) y de la Asociación de Realizadores y Directores Asturianos.(A.R.D.A.). Aunque empezó en el mundo del videoclip, su carrera va encauzada por la ficción gracias a varios cortometrajes como "...Y del hijo" o "El corazón delator", sin desdeñar el documental con "Voces en imágenes".

-¿Cómo surgió la idea de hacer el documental "Voces en imágenes?
Quería homenajear a los actores de doblaje porque considero que son personas muy importantes en el mundo del cine. Además quería terminar con los mitos que rodean a este mundo.
-¿Ha cambiado su percepción sobre el mundo del doblaje gracias al documental?
Ya conocía de antes a algunos actores de doblaje, pero me ha servido para admirarles aún más, porque son grandes intérpretes. Yo los comparo con los cantantes de ópera, porque son capaces de interpretar y transmitirte sentimientos sólo con su voz.
-¿En el documental muchos dicen sentirse bien en su anonimato actual?
Sí que hay algunos que no quieren ser reconocidos por la calle, incluso hubo actores que no salieron en el documental para que no se les reconozcan las caras. Pero lo que todos reclaman es una mayor valoración y reconocimiento por parte del gran público.
-Analizando los mitos que se desmontan en el documental, ¿cómo surge la creencia de que el doblaje es una lacra del franquismo?
Pensar eso es un error, porque el doblaje surge durante la II República, el primer director de doblaje fue el gran Luis Buñuel. Franco se aprovechó de ellos como arma de censura, aunque no tanto como se piensa. Hay mucho falso progresismo suelto fruto de 40 años de oscurantismo.
-Uno de los aspectos más desconocidos del doblaje puede ser el que se doblasen incluso a actores españoles.
Durante el franquismo había actores que daban el perfil físico pero no el de la voz, estos eran doblados por actores a los que luego no se ha reconocido su trabajo, e incluso hay quien les ha atacado dentro del cine español.
-¿Cómo ve usted el subtitulado de películas? ¿es viable en España?
La versión original subtitulado la respeto cuando el espectador conoce el idioma original. Pero esto también implica traducción y los subtítulos en la parte baja de la pantalla obligan a desviar la mirada y hacen que te despites. Si el doblaje es bueno lo prefiero porque apenas se nota.
-¿Cómo se presenta el futuro del doblaje en España?
Las nuevas tecnologías han traído un descenso en la calidad, sobre todo en la series, porque se quiere doblar las series extranjeras a toda prisa para competir con internet. Además las productoras de televisión buscan reducir gastos contratado a profesionales poco preparados.
-Desmontemos el mayor mito del doblaje español, que en otros países de nuestro entorno no se doblan las películas y series.
El doblaje existe en toda Europa, desde Italia, Alemania, Francia, incluso en Portugal que es un país con un nivel de conocimiento de inglés muy superior a España y donde también se doblan muchas cosas.

Alfonso S. Suárez: "Voces en imágenes" (I)

2009-10-26T13:51:00.004+01:00

Durante la realización del reportaje: "Actores de voz", tuve la ocasión de hacer una brevísima entrevista a Alfonso S. Suárez, director del documental "Voces en imágenes", un sentido homenaje que el director tributa a los actores de doblaje.

Tras ver el documental no pude menos que preguntarle a Suárez si en alguna ocasión había visionado su película con los ojos cerrados, como si de un ejercicio radiofónico se tratase, sorprendido, Suárez me dijo que no, pero que le parecía una interesante propuesta. Porque durante las dos intensas horas de "Voces en imágenes" el espectador tiene la oportunidad de poner cara a todas aquellas voces que le han acompañado desde niño; la gran Elsa Fábregas (recientemente fallecida) rememorando a su querida Scarlatta O'Hara, Jordi Brau, la navarra María del Puy, Joan Pera, mimetizado ya como Woody Allen, y un largo etcétera de los mejores de la historia del doblaje español.

Y es gracias a este documental que salen a la luz todos estos "actores desconocidos" que nos son por otra parte, tan cercanos, que logran con un simple golpe de sus cuerdas vocales ponernos los pelos como escarpias. Siendo esta palestra su oportunidad para destruir todos los mitos que les rodean, desde su denominación (a ellos lo de "dobladores" les suena extraño) los ataques de aquellos que les consideran una rémora franquista, su futuro, sus anécdotas. Todo en ellos aparece en "Voces en imágenes" y el espectador queda embelesado por esas voces sin cara que han acompañado su infancia, su adolescencia y su madurez, sus miedos y sus alegrías.
Una delicia de documental, aunque por desgracia, es muy difícil de conseguir. Nos quedamos con el trailer.

Tom Waits; Please allow me to introduce myself

2009-10-25T23:08:00.003+01:00

En relación con el estreno, ya reseñado por mi hermano, de "Imaginarium of Doctor Parnasuss" no puedo menos que pensar que el bueno de Terry Gilliam tenía en mente la canción "Simpathy for the Devil" de Rolling Stones cuando creó ese genial demonio interpretado por Tom Waits. Aquel diablo del:

Please allow me to introduce myself
I'm a man of wealth and taste

Por favor, permíteme que me presente,
soy un hombre rico y con clase

"The Imaginarium of Doctor Parnassus" de Terry Gilliam

2009-10-23T22:14:00.005+02:00

[...] quedas en manos del Doctor

El imaginario del Doctor Parnassus recorre, esta noche, los cines españoles para remover la mente de los incrédulos y encandilar a los puros de espíritu.

Llegan a cartelera los ecos de un septiembre lluvioso, cuando el último trabajo de Terry Gilliam paseó por el Festival de cine de San Sebastián (donde tuvimos el placer de verlo). En un teatro lleno, el director presentó con timidez -quién lo diría, a juzgar por la americana con estilo californiano que llevaba- "The Imaginarium of Doctor Parnassus". El humor irónico de un Monty Python, cuando afirmó en la presentación que esperaba que el público no tuviese grandes espectativas respecto al trabajo, dejo su sitio a una comunicación misteriosa entre ficción y realidad, apatía e imaginación.

El título de la obra rememora el Parnaso, el hogar de las Musas, donde nace la ficción. Donde las historias -en un camino indescifrable- transforman al público. Estas narraciones habitan en el Templo de Apolo. De igual forma, en la película, Christopher Plummer -Doctor Parnassus- y otros monjes protegen la ficción -los relatos-, para que no se consuma, porque sin ella la realidad desaparecería.

La necesidad de imaginar arrastra el coche de caballos del sabio, y también tira de un teatrillo de actores que ayudan a "cazar" a los incrédulos, para que personifiquen sus propios sueños. Así lo harán cuando crucen de un espacio a otro: de la realidad a la ficción, a través de un espejo.

Terry Gilliam maneja al espectador entre estos dos mundos, y muestra el enamoramiento que él siente durante el proceso de creación de una historia. Es un sentimiento romántico anclado, que consigue adherir al Doctor Parnassus. Además, el trabajo reflexiona -en torno a este eje- sobre la inmortalidad, sobre el bien y el mal; y la confusión para identificarlo. Y sobre la sociedad actual, con críticas voraces a la hipocresía, a la superficialidad de las élites.

Es una película profunda, trabajada con mimo a través de un guión detallado, que justifica muy bien la transformación triple del personaje interpretado por Heath Ledger (noticia en Cinemascope35). Terry Gilliam y Charles McKeown explotan su creatividad surrealista en las imaginaciones que se reproducen tras el espejo del Doctor Parnassus. En este apartado, se puede criticar, quizá, la imposición de efectos 3-D exagerados -si bien muestran los conocimientos de diseño del director, a la larga se cansinos-. Pero hay que reseñar, sobre todo, el plantel excelente de actores que componen la película, además de Christopher Plummer y Heath Ledger, también destacan el músico Tom Waits -como Diablo, impagable-; el trío sustituto (Depp, Colin Farrell y Jude Law); Verne Troyer, ayudante enano del Doctor; y Lily Cole, la belleza por la que los caballeros disputarán su honor.

Tras mucho tiempo hablando en este blog de "The Imaginarium of Doctor Parnassus" (desde febrero de 2008), me alegro de haber disfrutado tanto con dos horas de cine. Disfruten ustedes también

Cuatro y el aborto

2009-10-19T00:26:00.005+02:00

Hay alguna cabeza pensante en Cuatro que tiene una mala intención bastante graciosa, me explico: El mismo día que media España (figurada) salió a la calle en contra de la Ley del Aborto, la otra media (aun más figurada) veía en el canal Cuatro de TV la película "Las normas de la casa de la sidra", un descarnado alegato proabortista camuflado de película romántica. Su programación ese día no puede parecer casual

Imagino las caras (seguramente congeladas, en Pamplona hace biruji) de cientos (ellos creían ser millones) de padres y madres, curas, curos y demás españoles "de bien", que al llegar a casa tras "remover" los cimientos del Gobierno se quedaron con un palmo de narices al ver en el citado canal "Las normas de la casa de la sidra". Habrá quien piense que fue un acierto de Cuatro, habrá quien crea que es pura provocación o simple casualidad. Aunque lo más seguro es que estos manifestantes no vean la Cuatro.

A mí, "Las normas de la casa de la sidra" me encanta. Y no sabría decir si lo de Cuatro fue casualidad o no.

"Ágora"

2009-10-17T20:12:00.007+02:00

Debo decir que admiro a Alejandro Amenábar, su cine siempre consigue sorprenderme, y últimamente su valentía y su grandeza adquieren nuevas proporciones, porque con cada nueva película prueba algo completamente distinto, y siempre le sale bien. Porque, para mí, Amenábar es un genio de esos que se dan cada veinte años, es un tipo muy inteligente que sabe plasmar en cada film exactamente lo que busca, por ejemplo: En "Mar adentro", quería conseguir una película sincera y profunda, con conflicto, pero logró mantener los niveles lacrimógenes muy bajos hasta que él lo consideró oportuno, el final. Resultado: una obra graciosa, fuerte, pero no melodramática.

Centrémonos en "Ágora" . Es una película no apta para todos los públicos, es decir, habrá mucha gente a la que le parezca poco atractiva, incluso puede que aburrida. Porque Amenábar no busca emocionar ni mucho menos intenta provocar por provocar, no es el director amigo de los escándalos. Dice Carlos Boyero aquí (el crítico del "inane" y el "fútil", a quien debo reconocer el mérito de haber sido capaz de unir al cine español, aunque fuese en su contra) que "Ágora" es fría, lo es, pero porque Amenábar quiere, reformulando al propio Boyero, llega al cerebro, no al corazón, y es algo que le agradezco profundamente a Alejandro Amenábar. Por lo cual estará más cerca del crítico que del público.

Rodea a esta obra un aúrea de amor al arte y la ciencia, de absoluta sumisión ante el conocimiento y la razón, por lo tanto Alejandro Amenábar quiere abrir los ojos de los fanáticos y los violentos. Se respira durante todo el film una aire de repulsa y vergüenza ajena ante los actos de violencia, hacia la espada y el garrote. Por eso, aquellos cristianos que puedan sentirse ofendidos por esta película significa que no han sido capaces de profundizar en su mensaje, porque tanto cristianos, como judíos, romanos y griegos acaban vilipendiados, es la ciencia la única privilegiada.

A través de la vida de Hipatia, casta filósofa alejandrina del siglo V de nuestra era dedicada en cuerpo y alma a la astronomía, Alejandro Amenábar escribe una oda en honor a la incógnita que busca trazar paralelismos entre la actualidad y ese siglo V del que tan alejados nos sentimos. Por eso abundan los planos que enfocan a la Tierra desde el espacio, como un uno atemporal condenado a ser cíclico. Llegando a comparar a la especie humana con hormigas (a ese propósito dedica dos planos geniales) que no son capaces de pensar como individuos sino como masa, defendiendo a su vez un estilo de vida muy cartesiano, el de cuestionarlo todo, no fiándonos nunca de nuestros sentidos.

La inteligencia de esta película (como "Mar adentro" o "Los otros") radica en la intención del director de huir de todo aquello que sea irracional, es decir, las pasiones, por ello su perfil emocional es incuestionablemente bajo (a excepción de un par de escenas de violencia extrema cuyo significado ya he explicado) encontrando la fuerza del film en su ejemplificación de que la búsqueda del conocimiento es la mejor vía para alcanzar la felicidad (hay escenas donde el amor hacia los libros se muestra más claramente que el amor físico).

Entre medias se cuela un triángulo amoroso que en mi opinión desluce más que aporta y que sólo se puede explicar desde el punto de vista de las ambiciones económicas de un productor (un ejemplo paradigmático de este mal sería "Blade Runner"), la avaricia es lo que tiene.

Respecto al trabajo de los actores, Amenábar ha conseguido, sin duda, una muy convincente interpretación de la británica Rachel Weisz, perfectamente mimetizada en su papel de erudita pero sin maquillar su fuerte carga erótica. Los secundarios desmerecen un poco, no llegan a la altura de Weisz, por otra parte algo complicado, pero quiero destacar a Sami Samir por su brutal interpretación de Cirilo, el despiadado obispo de Alejandría, y a Ashraf Barhom, un perfecto perturbado en su papel de Amonio. Se agradece tal trabajo de cásting.

Para finalizar quiero destacar la ingente labor de producción y la importante financiación con que ha contado la película, un trabajo que Alejandro Amenábar refleja en unos planos muy bien construidos, limando cada detalle innecesario y que se recrea con profusión de detalles en la arquitectura y los escenarios, haciendo una composición muy agradable y para nada recargada.

Vayan a verla, lo agradecerán.

Reportaje: El doblaje en España

2009-10-16T21:59:00.003+02:00

A finales de septiembre hice un reportaje titulado "Actores de voz" donde intentaba reflejar la realidad del mundo del doblaje de películas en España. Éste es un ambiente un tanto cerrado y poco conocido.

"Actores de voz" son cinco páginas de texto, 2.000 palabras más o menos, por ello sólo voy a seleccionar algunos párrafos que considero interesantes. El resto del texto lo colgaré en Google Docs a disposición de quien quiera leerlo.

Alfonso S. Suárez, director del documental “Voces en imágenes”, los denomina “cantantes de ópera” porque su instrumento de trabajo es la voz. Su labor está detrás de todas las películas en España aunque suelen pasar desapercibidos. Ellos son los actores de doblaje.

¿Qué pensarían si les dijese que los actores Tom Hanks, Nicolas Cage y Tom Cruise son en realidad la misma persona? Evidentemente creerán que es imposible, aunque en esa “gran caja mágica” que es el cine nada es lo que parece, ni las voces. Porque en castellano la voz de todos estos actores pertenecen a una misma persona, el catalán Jordi Brau, actor de doblaje.

En “Voces en imágenes” Suárez da voz por primera vez a los actores de doblaje para defenderse de los numerosos mitos que rodean a este sector. Uno de los que más enemigos les ha costado es aquel que dice que son una “herencia del franquismo”, tanto que el veterano actor de doblaje Chema Lara–que durante años dobló la serie “Caballeros del Zodiaco” y es el doblador del actor Ray Abruzzo– llega a percibir una “presión social” en su contra, una presión que Alfonso S. Suárez no duda en calificar de “falso progresismo.”

Un poco de historia

El doblaje llegó a España en 1932 durante la II República y ese año se instalaron los primeros estudios en Barcelona y Madrid, siendo el primer director de doblaje español el ilustre Luis Buñuel. Con la llegada al poder del régimen de Franco el doblaje pasó a ser un arma de censura sobre el cine extranjero, aunque Alfonso S. Suárez matiza: “El franquismo se aprovechó del doblaje por intereses políticos, pero no tanto como se cree”. De esta etapa quedan ejemplos de censura como el de “Casablanca” donde Rick, el personaje de Humphrey Bogart, luchaba en el bando republicano durante la Guerra Civil española, un matiz que el franquismo eliminó.

Humprey Bogart en Casablanca

Aunque no sólo sirvió para censurar, en esta época el cine nacional vio crecer un fenómeno significativo, el doblaje de actores y actrices de películas españolas que daban el perfil físico pero no el interpretativo, una etapa cinematográfica en la que, como afirma Suárez: “Hasta la actriz Gracita Morales se doblada a ella misma.”

Debate: Doblaje sí, doblaje no

Gracias a Internet los usuarios tienen hoy día a su disposición gran cantidad de material en versión original, páginas web como “thepiratebay.org” y “mininova.org” permiten el intercambio legal de abundantes películas extranjeras, y portales como “subdivx.com” y “subtítulos.es” albergan subtítulos en castellano de descarga gratuita. Todos estos avances han creado una necesidad comercial de salas en versión original. Por ello, en Pamplona Golem Yamaguchi organiza ciclos de verano con cine independiente subtitulado, aunque Carlos San Julián reconoce que este tipo de proyecciones no son lo habitual, “en capitales de provincia es muy raro y en ciudades como Madrid sólo los emblemáticos Golem Alphaville estrenan todo en versión original subtitulado.”

Carlos San Julián justifica la ausencia de salas en versión original subtitulado por su escasa rentabilidad ya que el doblaje llega a más gente y tiene más demanda, además subtitular las películas es mucho más caro que doblarlas. Aunque Íñigo Purroy, responsable de Marmac Group en Navarra, una empresa de doblaje que tiene entre sus clientes a Warner Bros y Discovery Chanel, apunta mas hacia una factor cultural, “no hay tradición, desde pequeños nos acostumbramos a ver todo doblado, por eso quizá nos cuesta más aprender otros idiomas.”

Carlos Revilla

En España siempre ha habido siempre un doblaje de calidad, tanto es así que actores de doblaje como el ya fallecido Carlos Revilla, primer intérprete de Homer Simpson en nuestro país, fue reconocido por Matt Groening, creador de “Los Simpson” como el mejor actor de Homer en todo el mundo. Otra gran figura del sector es Joan Pera, que durante décadas ha doblado a Woody Allen, llegando a transmitir tan bien la personalidad nerviosa y maniática de los personajes de Allen que el director neoyorquino premió su trabajo otorgándole un papel en una de sus últimas películas, “Vicky, Cristina, Barcelona.” Hay incluso actores que han llegado a ser reconocidos por el gran público, como Constantino Romero por su doblaje de Clint Eastwood o Ramón Langa como Bruce Willis.

También el doblaje español tiene sus particularidades, como apunta Íñigo Purroy de Marmac Group, “el doblaje en España es bueno, pero también es diferente al de otros países, porque en cada lugar están acostumbrados a un tipo de trabajo. Aquí el doblaje es muy exagerado e interpretativo.”

Aun así el porvenir del sector del doblaje en este país no está del todo claro, porque tanto Chema Lara como Alfonso S. Suárez pronostican un futuro complicado ya que la calidad de los trabajos está disminuyendo, según Lara porque: “Cada vez se cobra menos, las distribuidoras y las productoras pagan peor y los únicos que aceptan esos sueldos son la gente menos capacitada.” Aunque Suárez marca ciertas diferencias, “ en el cine todavía se cuida mucho, pero en televisión se trabaja con prisas y no se contrata al personal adecuado.”

Formación profesional

Con este panorama uno de los retos más importantes que tiene por delante el gremio del doblaje es el de la formación de sus profesionales. Sorprende por ejemplo que el Ministerio de Educación no reconozca como oficial ningún plan de estudios, por lo que no existe una titulación específica para quien quiera aspirar a ser actor de doblaje. Chema Lara, que además de actor es director de “Chitón Estudios” una escuela de doblaje en Madrid, reconoce que “hay numerosas academias de doblaje pero ninguna es oficial”.

Chema Lara, basándose en su experiencia profesional, destaca que “al principio es difícil conseguir trabajos pero si eres bueno y tienes buenas recomendaciones de tus profesores acabas saliendo adelante.” Aunque Purroy advierte: “Trabajar en España no es fácil porque es mundo muy cerrado, de tal forma que en las superproducciones siempre están los mismos, porque lo hacen muy bien.”

Los tiempos han cambiado muchos desde que en 1929 se estrenase “El cantante de jazz”. Los métodos de doblaje tampoco son los mismos, se ha pasado de doblar las películas de un tirón como si de una representación de teatro se tratase, a doblar a los actores en “bandas de arte”, cada actor individualmente para unirlos después en la sala de edición. El futuro de esta profesión, y del sector cinematográfico en general, es hoy más sombrío que nunca. Sin embargo, algo se ha mantenido inmutable a lo largo del tiempo, los actores, a quienes Alfonso S. Suárez no duda en calificar de “cantantes de ópera, ya que con su voz, su instrumento, son capaces de recrear sentimientos.”

"Actores de voz", reportaje completo aquí.

Festival de Cine de Pamplona: Fin

2009-10-10T21:33:00.003+02:00

Ayer 9 de octubre finalizaron las secciones de Alternatif y Alternatif Internacional del Festival de Cine de Pamplona. A las 13 horas de hoy sábado 10 se han conocido los ganadores de las distintos premios del Festival. A falta de ampliar esta última información voy a resumir un poco los cortometrajes que pudimos ver ayer.

Terminó la carrera de los candidatos con el que me pareció el mejor cortometraje de todos los que hemos visto en este certamen, "Pim, Pam, Pum", del donostiarra Andoni de Carlos Yarza. 3 minutos de corto rodado en un genial plano secuencia por las calles del casco viejo de Donosti. En plena batalla campal entre la policía y los manifestantes, Mikel tiene que encontrar a su hermano Xabi y ver quien ha ganado su particular juego. Considero que es el mejor corto de todos, por encima de Chapero-Jackson y otros, por su notable calidad y riesgo técnico y por la fuerza y contundencia de su historia, detrás de un inocente juego infantil el director reflexiona profunda y sutilmente sobre el problema vasco y su prevalencia en nuestros días, un problema tan arraigado que ya somos incapaces de distinguir normalidad de anormalidad. Obra maestra. ¡Que coño! es tan bueno que merece figurar a lo grande.

Por otro lado Mateo Gil, guionista, compañero y amigo de Alejandro Amenábar, presentó el cortometraje "Dime que yo" una comedia romántica donde el director expone su particular visión sobre las relaciones sentimentales. Gustó mucho al público aunque a mi sinceramente no me impresionó demasiado. Se puede ver aquí.

En lo que respecta a Alternatif Internacional, también finalizó la proyección de cortos polacos, en una sesión bastante floja puedo destacar, no sin mucho hastío, "Road to happines", versión eslava de "Up", donde un viejete filósofo y amante de las plantas se ve rodeado en su mundo rural por enormes construcciones urbanas, estoicamente resiste ante las inmobiliarias y constructoras. Era graciosos pero resultaba muy fácil, simplón y anodino.

Por último destaco "Late at night", el infierno interior de un asesino a sueldo que desea salir de este mundo y resarcirse por sus pecados pasados. Muy buena visión de la desesperación aunque acaba siendo un tanto aburrido.

Cobertura Festival de Cine de Pamplona en Cinemascope35:

Festival de cine de Pamplona (V)

2009-10-09T00:22:00.004+02:00

Pasó el jueves. Y la semana se va quedando sin casillas en el calendario. Todavía quedan dos días de Festival de cine de Pamplona. El telón definitivo caerá el sábado a la 13.00 horas, cuando se anunciará el ganador; por la tarde se emitirán los cortometrajes agraciados.

Hoy, en las proyecciones de los cines Saide Carlos III, ha existido, como otros días, una mezcla sana de cortometrajes con humor y drama. Además, en la segunda sesión -la de las 22.30h- se ha presentado la muestra Tolifest: una sección pequeña de cine polaco (por aquello de la capitalidad de la cultura 2016, que Pamplona comparte con Torun, una ciudad de aquellas tierras).

Imagen de "Cómo conocí a tu padre"

Pero, vayamos por partes. En la primera sesión -Alternatif, de cortometrajes españoles- ha gustado mucho la historia que narra el trabajo "Cómo conocí a tu padre" (no, no creo que tenga nada que ver con la serie norteamericana). Aunque suene redundante, tengo que decir que es una obra genial, con mucho humor; con un personaje protagonista muy ingenuo, desubicado y que conecta con el elemento pardillo que tenemos todos dentro. Hay un par de minutos del cortometraje subidos a Vimeo, en forma de fragmento para que nos pique el gusanillo, y luego compremos el DVD en el bar adherido a la promoción del cortometaje. Nota, aclaratoria, a pie de página: no entiendo por qué no está entero, pero como estoy muy verde respecto a los derechos de las productoras y toda esta burocracia seria, mejor no sigo.

Sigo con los cortometrajes de esta noche. La sección Alternatif ha estado muy completa, no quiero pasar por alto el humor de dos trabajos: "Mellizas" y "Señor X" (pincha aquí para verlo, fotos en el blog del guionista del corto Alfonso de la Puente). El primero, que también toca el tema de la soledad y del amor; y el segundo, muy satírico a la hora de retratar nuestra forma de vida actual. Un par de obras de arte. Además, me ha gustado la paradoja humana que plantea "Metrópolis Ferry", que cuenta la historia de tres hermanos que, en la frontera entre España y Marruecos, son testigos de una agresión policial a un joven inmigrante. Cada personaje interpreta un modo de actuar ante la escena, aunque al final, la paradoja humana que dice ¿cómo soy?, domina, guiada por la cultura occidental frente al resto, en sus actos.

Por último, en este apartado, quiero destacar el nexo temporal entre pasado y presente (destino) que plantea "Hace tiempo pasó un forastero" -Elvira Mínguez, escritora del cuento que da vida al trabajo, interpreta el papel masculino protagonista-. La clave entre estos dos lugares se marca en la película con dos filtros de cámara distinto: la actualidad, quizá porque no existe, y sólo es un producto del pasado, es de tono azulado (es presente, pero es un color irreal). El pasado, por otra parte, es realista -hay dolor, sangre, sentimientos-.

Bueno, voy a ir cerrando la entrada, que las fuerzas escasean. En la sección Alternatif Internacional (hoy copada -o copaza, a elegir- de cine polaco) voy a destacar las tres últimas historias: "Gotta Love", humor absurdo, con un protagonista pusilánime dominado por su mujer; "According to Plan", drama interesante sobre dos chicos con cáncer, con la muerte viviendo muy cerca, y que se aleja de sentimentalismos; por último, "Streetlight Man", un hombre simplemente se sube a una farola y no baja hasta que lo desea. Quizá se puede interpretar como una búsqueda de la incomunicación, de la reflexión, en nuestro modo actual de vivir.

Mañana más, y mejor, seguro. Sed buenos, y visitad Lost in Pamplona: agenda cultural social sobre nuestra ciudad y otras muchas

- El Festival de cine de Pamplona en Cinemascope35:
Día III
Día II
Día I
Introducción

Festival de Cine de Pamplona (IV)

2009-10-08T01:09:00.004+02:00

Me voy acostumbrando a estas horas gamberras que tiene la vida y robando horas al sueño intento describiros con palabras lo que mis ojos y mi corazón viven todas las noches en el Festival de Cine de Pamplona. Hoy seré breve que cada vez gustan menos los textos largos al gran público (aunque nosotros nunca hemos tenido un gran público).

Hoy (por el miércoles 7 de octubre) ha predominado el drama en las dos secciones de cortos de Alternatif y Alternatif Internacional. Aunque sobre todo lo que ha sido notorio ha sido la afluencia de público, hemos ganado espectadores y parece que las cosas se hace cada día mejor, las piezas se van engrananando, ¡buen trabajo!

De lo más destacado del día, y el que más a gustado, ha sido la nueva obra de Eduardo Chapero-Jackson, un madrileño de nombre peculiar que ya se llevó el Gran Premio del Jurado en la edición de 2008 de este Festival de Pamplona con el corto "Alumbramiento". (En Vimeo aquí) En esta ocasión presentaba "The End", (No he sido capaz de localizarlo, en Youtube hay un interesante "cómo se hizo", aquí) un desconsolador retrato futurista sobre la escasez de agua y su mercantilización por unos pocos como materia prima básica. Chapero-Jackson consigue con unos pocos trazos cinematográficos recrear una sociedad cuasi apocalíptica donde la lucha por la supervivencia prevalece a cualquier razón ética. Un film perturbador que pone al espectador al límite de su propia experiencia y que mantiene la sensación de que Eduardo Chapero-Jackson es uno de los grandes cortometrajistas de este país.

Chapero-Jackson

En un día dominado por el drama costumbrista, quiero destacar una comedia romántica francesa titulada "Le diner", del director Cécile Vernant, (el cortometraje es difícil de conseguir, pero hay un trailer de 3 minutos en Youtube, aquí, subtitulado al inglés). Un cortometraje de 2006 que enfrenta a un hombre y una mujer de mundos opuestos en una primera cita donde nada es lo que parece. La fuerza de la obra radica sobre todo en su capacidad para transmitir la tensión sexual entre los personajes y en un guión muy cuidado y que sorprenderá al espectador.

Pasemos a la tragedia mas que les pese a algunos de nuestro habituales espectadores. Primero quiero destacar el corto catalán "Chat Noir", por saber recrear con tanta fidelidad la guerra de trincheras de la I Guerra Mundial y, sobre todo, por apostar por una forma narrativa propia del cine mudo de principios de siglo, una delicia y una sorpresa bien avenida, con un manejo de los tiempos narrativos y de la música realmente impactante. Por otro lado, el film germano-suizo "Auf der Strecke" que estuvo nominado a un Oscar en 2007 (Trailer aquí) me ha hecho recordar por momentos la película "Gigante" (Trailer aquí) del Festival de Cine de San Sebastián y que estos días se proyecta en cines. Ambas comparten como narrador a un vigilante de seguridad enamorados de una dependienta de una gran almacén, y ambos cortos saben transmitir una ternura hacia sus personajes poco habitual en el cine de hoy. Muy buenas propuestas las dos.

Auf der Strecke

Seguiremos hasta el viernes al pie del cañón. (Prometí un texto corto y ha sido imposible)

Festival de Cine de Pamplona en Cinemascope 35:

Festival de Cine de Pamplona (III)

2009-10-07T01:41:00.006+02:00

Hoy (por ayer martes) hemos continuado con nuestra sesión diaria de cortometrajes de 20.00 a 24.00, en los cines Saide Carlos III, a las que estáis todos invitados, con mucho más público que ayer, lo cual es reconfortante y habla bien del interés del Festival en Pamplona, también debo añadir que ya hay muchas caras que se me hacen conocidas entre el público.

En las secciones de Alternatif y Alternatif Internacional de hoy quiero destacar dos "westerns", pero no a la vieja usanza, ya que los dos tiene altas dosis de humor y homenajean casi caricaturísticamente al "spaghetti western". El primero de ellos era "El encargado" (se puede ver aquí), guión de Nacho Vigalondo y dirección de Sergio Barrejón, al corto le avala una nominación como Mejor Cortometraje en los Goya de 2008. El otro gran "western" de hoy era "Olimpiadas", de la directora Magali Bayón, humor puramente argentino de personajes patéticos en situaciones ridículas, dos amigos capaces de todo por ganar una apuesta, acaba siendo un cortometraje sencillo, desternillante y resultón.

"El encargado"

Sin duda hoy quiero destacar las notas de humor del Festival, se ve que en este tipo de certámenes el público es mucho más proclive hacia la comedia. Así un título como "Quid pro quo" (se puede ver aquí) de Fran Araujo y Manuel Burque y con un soberbio actor, Luis Callejo, que he descubierto estos días, ha sido de lo mejor de hoy y lo más valorado por el público, que vota y es soberano, y en mi opinón es absolutamente recomendable. Otro título muy recomendable, sobre todo por el trabajo de actores, es "Lala". También destaco la rocambolesca comedia francesa "Comité Exécutif", sobre lo que puede pasar en una oficina comercial cuando no se presentan las cuentas trimestrales, muy graciosa.

Atrás quedan trabajos menos apreciados como "La Tama", un drama carcelario que no me llegó a convencer, "Una vida mejor" (aquí en Youtube), otro drama sobre la inmigración ilegal en México (y van muchos...), "Reacción" (ver Aquí) y "75 metros"(En Youtube en dos partes: primera y segunda), que aunque tenía una historia potente; un voluntario a cruzar un campo de minas para salvar a su escuadrón del ejército, no ha sabido aprovecharla con el guión y el trabajo de actores tampoco era muy bueno.

Dejo para el final el que me ha parecido el mejor de todos los cortos de hoy, "Omelette", una radiografía de Bulgaria en 1997 durante una etapa de gran inflación, una historia contada con pequeños destellos en apenas 7 minutos pero que sabe transmitir la fuerza y la desolación de aquellos momentos. Muy recomendable, un acierto.

"Omelette"

Seguiremos informando (y trabajando)

Festival de cine de Pamplona (II)

2009-10-06T00:32:00.006+02:00

Hoy (por ayer lunes) ha sido el primer día del Festival de cine de Pamplona. Bastante gente ha pasado por la sala primera del Saide Carlos III; y, dentro, los trabajos me han sorprendido mucho por su humildad a la hora de contar las historias. Parece de crítico escueto destacar este rasgo, pero en San Sebastián vi mucho cine pedante.

No pude disfrutar del cortometraje "El ataque de los robots de Nebulosa 5" porque estaba en la puerta del cine cumpliendo con mi responsabilidad de organizador (se puede ver en youtube, de todas formas). Además, me ha gustado mucho el humor sincero de "Consulta 16" (para ver, pinchar aquí), basado en buenos diálogos a la puerta del psiquiatra, entre una mujer con cáncer y un hombre con sida. Un ejemplo del tratamiento correcto de situaciones donde el humor es políticamente incorrecto. El cortometraje "Zombies and cigarrettes" (pinchar para ver) ha desplegado muy buenos efectos especiales a la hora de recrear la acción. La historia estaba bien construida y los personajes producían empatía, quizá fallaba en algún diálogo o en algún personaje secundario tópico en el cine de muertos vivientes. Por último, en esta sección, donde el público valoraba las proyecciones, quiero destacar la obra "Manual práctico del amigo imaginario (abreviado)" -se puede ver en Vimeo-. El amigo imaginario que da título al cortometraje está interpretado por Luis Larrodera -quien revivió el "1, 2, 3" en televisión-, y que se sale como actor cómico. En general, es el trabajo que más ha gustado entre el público asistente.

Imagen del cortometraje "Directions"

De la sección Alternatif Internacional, que no entra en concurso, quiero destacar de manera breve unas pocas perlas: "Une leçon particulière" (hay un extracto en youtube), porque cuenta el desastre que puede ser el primer amor, pero con mucho humor; "The sound of people", porque es un trabajo que sabe ajustar su historia al tiempo de metraje; en torno a una anécdota gira la construcción del personaje, que guía hasta el clímax, es un ejemplo de concisión. "Directions", probablemente, el cortometraje que más me ha gustado. Un hombre atrapado por la sobreprotección de su madre encuentra la libertad salvaje gracias a un carrito de la compra. Y, por concluir con las alabanzas, un proyecto llegado desde Bosnia-Herzegobina "U ime sina" ("En el nombre del hijo", ver aquí), que habla sobre los fantasmas del pasado, y su reminiscencia en el presente. La fotografía de este trabajo era exquisita y detallista, y cada plano genial

Por supuesto, como en todo festival que se precie, había una obra oriental que era un petardo; en este caso, el cortometraje "Haze", que merodea en la instantánea de un sentimiento sin profundizar en él.

Mañana más, y mejor, seguro.

Introducción

Festival de cine de Pamplona (I)

2009-10-05T12:52:00.004+02:00

Hoy, lunes, cinco de octubre, comienza en Pamplona la décima edición de su festival de cine. Mientras los críticos de cine pasean sus cuerpos translúcidos por las playas de Sitge s, los miembros de Cinemascope35 volvemos a la oscuridad de las salas de cine. Pero esta vez, no vamos como jurado, sino que vamos a colaborar con la organización: recogiendo entradas, repartiendo votos, en los Saide Carlos III. Este certamen necesita todo el apoyo voluntario que los ciudadanos puedan dar, porque no es una gran cita como San Sebastián -donde se mueve mucho dinero en subvenciones- pero el esfuerzo del equipo por colocar a Pamplona en una buena posición cultural debe ser valorado.

Eso sí, veremos los numerosos cortometrajes que se proyectan por sesión. En concreto, los que corresponden con el apartado de Alternatif (incluido la sección Internacional). Los cortos de esta tarde-noche tienen muy buena pinta, así leyendo sólo la sinopsis, tengo ganas de ver "El ataque de los robots de nebulosa 5" (Mención honorífica en el Festival de Sundance). También, "Zombies and Cigarrettes", porque el argumento es genial: "Xavi sólo quería invitar a un helado a su amada Carol, pero se vio involucrado en una invasión Zombie". Y, por destacar un último trabajo: "Manual práctico del amigo imaginario", sobre los celos del amigo imaginario del protagonista cuando este coincide con una antigua amiga de clase.

Son trabajos pequeños: algunos han alcanzado el reconocimiento internacional, y otros luchan por ello. Pero en Pamplona los trataremos con mucho cariño. Esta noche, tras la proyección, os cuento qué me han parecido. Y si algún día no sabéis qué hacer, o queréis escaquearos de pasear al perro, o queréis llevar a la novia a un sitio bonito, os esperamos en los cines de Carlos III y en el Civivox de Iturrama.

Seguiremos informando

"Ahora parece que si quieres ser autor, debes ser sádico"

2009-10-02T17:00:00.003+02:00

Hoy en el diario "El País" entrevista al director argentino Adrián Biniez que presentó en el Festival de Cine de San Sebastián su película "Gigante". Su film pasó por la sección Horizontes Latinos con cierta gloria, a mí me gustó en su justa medida, pero ganó enteros con el coloquio que mantuvimos con su director, Biniez, un auténtico personaje, honesto y un tanto "cagado" por tanta expectación, un buen tipo, incluso cuando en la discoteca Bataplán le asaltaban plagas de cinéfilos ebrios él sabía tener una respuesta educada para cada uno.

Aparte de todo esto, en la entrevista parece una persona sensata y con las cosas bien claras, destaco alguna (donde dice "Cannes" puede cambiarse por San Sebastián):

Cuando hay solemnidad en el cine es que falta profundidad o inteligencia. Que dan una mirada maniquea sobre el mundo.

Cannes está lleno de filmes que tiene un valor añadido de sadismo. Las películas van de una pareja, que se quiere, y de golpe va uno y les mata a escopetazos. Se ve que sale sangre para todos los lados, bien gore, y esas cosas. Es como esa cosa efectista...

El resto de entrevista: Aquí

"Das Weisse Band", escalofriante Haneke

2009-09-30T23:54:00.004+02:00

No conozco el cine de Michael Hanenke, no he visto ninguna de sus anteriores obras, ni siquiera alguna de las dos versiones de "Funny Games" (el nombre ya por si sólo es perturbador) pero creo comprender el complejo universo que hay en su mente, al menos en "Das Weisse Band" pude disfrutar de una buena porción de él. En Haneke no hay violencia, no hay un exagerado suspense, apenas hay una acción clara y evidente, pero todas esas carencias intencionadas las suple creando un ambiente cinematográfico autenticamente perturbador. Y no creo que hoy día haya nadie capaz de hacer algo semejante, aunque hace no mucho tiempo un vizcaino como hoy casi olvidado como Víctor Erice supo transmitirme las mismas sensaciones.

En "Das Weisse Band" ("La cinta blanca") Michale Haneke nos situa en un minúsculo pueblo alemán en los albores de la I Guerra Mundial, un mundo anclado en el pasado y en las tradiciones, donde apenas existen avances tecnológicos y se vive en un régimen cuasifeudal. A través de la narración del maestro del pueblo vamos descubriendo una serie de macabros acontecimientos que ocurren en esta sociedad en un espacio muy corto de tiempo y que acaba por transformarla y sacar a relucir sus viejos odios y rencillas.

Esta película llegó a San Sebastián con la Palma de Oro de Cannes de esta última edición bajo el brazo y, aún a riesgo de parecer impulsivo, debo reconocer que me parece totalmente justificada. Porque el director es capaz de reflejar con unos pocos pero impactantes trazos una sociedad donde impera el mal, las reglas del premio/castigo y el ojo por ojo. Un mundo carcomido por el odio, donde los personajes se sienten oprimidos y frustrados y deben sacar su ira adelante con violencia. El propio título de la película, esa banda blanca, hace referencia a la inocencia y la pureza perdida, al menos desde el punto de vista del puritanismo más extremo.

Hay casos realmente impactantes durante la película, como aquel interrogatorio al que es sometido el hijo del pastor para descubrir si se masturba, siendo el momento clave del film cuando la baronesa describe el pueblo como un lugar lleno de odio y de personas malvadas pero del que se puede escapar. Sin duda el mérito del film está en esas descripciones, en la violencia que transmiten los diálogos y las situaciones. Aunque otra de las razones de su fuerza es el trabajo de cásting de actores, porque todos ellos saben dar a su personaje un punto de maldad tan humana que sobrecoge sin dejar de parecernos real.

No dejo de pensar en que seguramente en la cabeza de Michael Haneke esta película representa una intensa investigación sobre las causas más profundas del estallido de violencia tan salvaje e irracional que fue la I Guerra Mundial.

Dice Haneke que no tiene miedo a irritar o aburrir al público con sus películas. Soy consciente de que mucha gente encontrará esta película aburrida, pero también asumo que nadie saldrá del cine sin antes haberse planteado muchas dudas sobre la vida y la muerte, la justicia o el mal. Da que hablar y que pensar.

Crónica visual del Festival de San Sebastián

2009-09-28T22:51:00.004+02:00

Antes de cerrar la página de recuerdos -y pasar a la de reseña cinematográfica- quiero incluir unas pocas fotografías curiosas sobre el festival:

En orden descendente:
Cabecera: payasos con publicidad en la puerta del Kursaal
1º- Pablo Agüero, director de "77 doronship", con Guille.
2º- El encuentro esperado, el dúo Álex: el señor Álex de la Iglesia y, nuestro antiguo compañero de blog, Álex Ortega.
3º- Xabi Molia y Julie Gayet (sujeta el micrófono), director y actriz, respectivamente, de "Huis fois debout".
4º- Miraz Bezar (izq.) y Hakan Karsak (centro) -la tercera persona no sé quién es- director y actor de "Los niños de Diyarbakir" ("The Children of Diyarbakir", ganadora del premio de la juventud).
5º- El actor Hakan Karsak (izq.) mira a cámara, desconozco la identidad de la otra persona.
6º- Sonia Couch (izq.) y Alicia Laguna, las actrices de "Norteado"
7º- Las dos actrices citadas con anterioridad y, a la derecha del todo, el director Rigoberto Pérezcano (el hombre de en medio también es un misterio).
8º- Por último, Dario Yazbek Bernal y Michel Franco, actor y director de "Daniel y Ana". Película que encabezó las votaciones hasta que vimos "Los niños de Diyarbakir", que fue la ganadora. En mi opinión, una película morbosa sobre el incesto, que aspira a impresionar al público pero que se queda en una obra menor, sin apenas profundidad psicológica.

Festival de San Sebastián 2009: reflexiones finales

2009-09-27T23:05:00.008+02:00

Domingo 27 de septiembre. Por fin, he dormido más de 5 horas en mi propia cama. El ritmo exagerado que llevábamos en San Sebastián prometía volvernos locos y, también, directores de una película pretenciosa al estilo de "El árbol". Perdón por adelantar una reflexión malhumorada antes de tiempo.

La edición 57 del Festival de cine de San Sebastián venía determinada por la supresión de un día de competición. Eso afectó en nuestro Jurado joven con más jornadas de 4 proyecciones, lo cual es pesado y mina el espíritu cinéfilo de muchos, sobre todo si las películas son absurdas -como así fue a veces-. Además, por mi parte, no entiendo muy bien la necesidad de realizar una retrospectiva sobre Richard Brooks. Bien que dirigió "La gata sobre el tejado de zinc", y que manejó con soltura la adaptación cinematográfica de obras literarias; pero su filmografía está plagada de obras mediocres. Además, la organización borró una retrospectiva, porque el año pasado fueron tres (Mario Monicelli, Japón en negro y Terence Davies).

El espectador (y yo como jurado joven) nota la ausencia de proyecciones, pero lo que de verdad percibe, es un nivel más bajo en las películas, respecto a otras ediciones. En los rondos de espectadores que había en la puerta del Kursaal se comentaban las películas, se criticaban y en las afirmaciones se notaba esa bajada de competitividad; pero las discusiones muchas veces cuestionaban el porqué de la selección de una u otra película. Incluso en la prensa, los críticos de cine no lanzaban dardos sólo al director, guionista o actor paria de turno; algunos, como Carlos Pumares (periódico La Razón) se preguntaban "¿Por qué forma parte del programa del Festival?" Esta afirmación se dirigía, en concreto, al film "La mujer sin piano" de Javier Rebollo, protagonizada por Carmen Machi.

La película del señor Rebollo ganó en abucheos y silbidos, y en espectadores que salen corriendo de la sala porque se han dejado el pollo en el horno. No fue este el único caso en la Sección Oficial, la película "I came from Busan", por ejemplo, recibió un cero como nota del diario Gara. En nuestra sección, en el Jurado joven, ocurrió lo mismo. La comparación, respecto a calidad, con el año anterior, es espeluznante; el filtro de películas, muy mediocre (en el caso de que sea verdad que seleccionan lo mejor, hecho que quedó en evidencia durante el certamen). Si en 2008 se nos iluminaron los ojos con óperas prima de la calidad de "Thomas", "Hunger", "Amateurs", "El truco del manco"; este año pocas películas han estado a la altura. Mis favoritas han sido: "77 doronship", "Desperados on the block", "Huit fois Debout", "Ilusiones ópticas", "10 to 11".

La gran diferencia se encuentra en la sección Horizontes Latinos, un apartado que -este año- ha lastrado al Festival. Este hecho me hace reflexionar sobre lo idóneo que es convertir a San Sebastián en la puerta a Europa de Latinoamérica. En mi opinión, es beneficioso porque compartimos una cultura común, pero no a cualquier precio. No se debe seleccionar un film por cumplir con cierto carácter paternalista: las películas malas son malas aquí y en la China popular (y mejor no hablar de "Season in the sun", el petardo cinematográfico traido de Oriente).

El pasado año vimos buenas películas en Horizontes Latinos, obras como "Parque vía", "La vida loca"(un recuerdo desde aquí a Christian Poveda), "Perro come perro" (muy buena película de acción) e "Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo". En cambio, esta edición hemos tenido que aguantar desvaríos como "Sin nombre", "Daniel y Ana" (que quedó segunda, y es una obra morbosa sobre el incesto), "El árbol" (una obra que merece un aparte: tan absurda es que me dolía la mandíbula al reir) y "Contracorriente" (no la vi, pero confío en mis fuentes).

Aún así, con un plantel enorme de películas pretenciosas y sobrevaloradas, en el Jurado joven supimos acertar al seleccionar como vencedora a "Los niños de Diyarbakir". Una obra maestra, que se aleja de maniqueísmos. En ese aspecto, yo la comparo con "Slumdog Millonaire", porque también habla de niños en situación de desamparo. Felicito a su director, Miraz Bezar, y deseo que nos reencontremos, más veces, en las salas de cine.

Por último, quiero cerrar con todos los galardones que ayer se entregaron en San Sebastián:
- Concha de oro, mejor película: "City of life and death" (ningún pero, no la vi, aunque la favorita era "El secreto de sus ojos", que recibió la ovación más larga del Festival).
- Concha de plata, mejor director: Javier Rebollo por "La mujer sin piano" (película pretenciosa, onanista -sí, se puede hacer una película onanista-, que recibió abucheos durante la entrega del premio -donde el director iba armado con ganas de explicar su trabajo, pero se contuvo, según demuestra su cara de odio).
- Concha de plata, mejor actor: Pablo Pineda por "Yo, también" (muy merecido).
- Concha de plata, mejor actriz: Lola Dueñas por "Yo, también".
- Mejor fotografía: "City of life and death".
- Mejor Guión: "Blessed".
- Premio especial del Jurado: "Le refuge"
- Nuevos directores: "Le jour où Dieu est parti en voyage"
- Mención especial: "Sammen/Together".
- Horizontes: "Gigante" (comparto la decisión, aunque "77 doronship" también lo merecía).
- Mención especial: "Francia".
- Jurado de la juventud: "Los niños de Diyarbakir".
- Premio TCM: "Precious".
- Premio TCM Europa: "Desert Flowers".

- Si alguien ha llegado hasta aquí, y todavía le sobra tiempo, puede ver en la página de RTVE un video resumen del Festival en el que salimos los 9 amigos que fuimos como Jurado Joven. Aparecemos en el minuto 17 (como señala Kowagunga), en el reportaje del día a día, en la jornada quinta: es el video llamado "Ceremonia de clausura del Festival"

"El baile de la Victoria": Proyecto total

2009-09-25T15:00:00.012+02:00

El nuevo trabajo del oscarizado Fernando Trueba ha sido recibido en el Festival de San Sebastián con una frialdad inusitada para un director español de reconocido prestigio como Trueba. Uno de los mayores errores que se achacan a "El baile de la Victoria" es su inconsistencia narrativa, y es lógico, porque Trueba ha intentado crear una película de dimensiones descomunales, que trata numerosas tramas y subtramas, y que intenta ser un homenaje a muchos géneros cinematográficos, como el cine de gangsters o el de aventuras.
A pesar de todo, debo decir que "El baile de la Victoria" me gustó. Incluso su extenso metraje anima al espectador a seguir viéndola, en lugar de desanimarle.

En este punto hago una obligada referencia a Antonio Skármeta, escritor del libro homónimo (Premio Planeta) en que se basa la película y que es asímismo el autor de "El cartero de Neruda." Por tanto estamos ante una adaptación de un libro, que, en mi opinión, siempre será más incompleta que la propia novela. Al menos en la película, se nos muestra, en un Chile que intenta recuperarse de la dictadura, a una serie de personajes marginales que intentan salir adelante y superar sus traumas. Un ex convicto que busca recuperar a su familia, una bailarina sordomuda y huerfana y un chorizo de poca monta.

Llevaba Trueba más de 7 años sin hacer ficción, fue el "El embrujo de Shangai" su última película, estrictamente hablando. "El baile de la Victoria" recuerda mucho, por sus técnicas narrativas, a una novela, de aventuras, de gangsters, de bajos fondos, impactante y delicada. Que parte de una historia de amor y superación y va extendiendo sus ramas a temas como el perdón, la reconciliación y la memoria, con el brutal transfondo de la dictadura chilena.

Aparte de una buena historia, ya he dicho que en ocasiones resulta en exceso enrevesada, son los personajes el verdadero valor de este film. Porque Fernando Trueba ha sabido crear en esta obra una serie de personajes solitarios, como compartimentos estancos, que tienen importancia por sí mismos pero que se magnifican cuendo se relacionan entre ellos. De tal forma que los papeles de Ricardo Darín, Abel Ayala y Miranda Bodenhöfer son un regalo para los actores.

Un cuento preciosista y delicado trenzado a la antigua usanza y que sin embargo es incapaz de crear una historia con sentido.

Inglorious Basterds: Tarantino se reinventa

2009-09-24T21:36:00.010+02:00

Los primeros comentarios ya auguraban una buena gamberrada tarantiniana, incluso el trailer es muy potente, pero de todos los rumores que rodean el más veraz era: "Hay que verla en versión original," y era verdad, la mayor parte de los grandes detalles de esta película, que implica en su trama a franceses, italianos, alemanes, radican en sus matices y acentos.

Debo reconocer que iba con muchos prejuicios a ver "Inglorious Basterds", "Death proof" tenía mucho de gamberrada de andar por casa, y sin embargo salí encantado de la última película de Quentin Tarantino. Porque el estadounidense lleva reinventándose desde sus inicios, sorprendió con "Jacky Brown", con Kill Bill, obras de temáticas distintas pero con un componente común, violencia. En "Inglorius Basterds" no falta violencia, pero las técnicas narrativas, el guión y la propia historia es novedosa y fresca. Un film hecho con múchisima delicadeza en los planos y una excelente fotografía.

Con una estética pop y ochentera como base, el film de Tarantino deambula por frases geniales y situaciones espectaculares para terminar con un summum de violencia que deja ojiplático al espectador. Aunque sin duda, más allá del guión, lo mejor de la película son sus personajes, esos "bastardos", soldados judíos mata-nazis, donde destaca el papel genial de Brad Pitt, pero sobre todo el caza-judíos de Christoph Waltz.

Quizá el mayor logro del director es el de saber compaginar dos historias distintas que parecen tener poco en común, aunque en ellas abundan los personajes con ansias de venganza, que esconden un pasado muy presente y que acaba volviéndose contra la realidad. Son personajes perdedores, que buscan un pequeño momento de gloria para cerrar sus heridas

"Wathever works": Allen recupera la comedia

2009-09-20T15:23:00.008+02:00

Desde que Woody Allen no sale en sus películas ("Scoop") el espectador se queda con la sensación de que falta algo, en contraposición Allen lleva mucho tiempo desplegando características suyas en sus personajes de ficción, incluso diría que muchos de estos papeles han configurado al actual Woody Allen. Sea como fuere, Larry David, protagonista de "Whatever Works" nos recuerda el Allen más maniático y excéntrico de tiempos mejores.

Muchos coinciden ya en afirmar que con "Whatever Works" Woody Allen ha retomado su sello más personal, el de la comedia pura y dura, con guiones eléctricos, frases cargadas de inteligencia y humor y personajes tan patéticos como humanos.

Partiendo de un Larry David excepcional e ingenioso, la película cuenta una historia sobre personas inocentes, típica clase media americana, que viven atrapados en vidas que no son las suyas y que son incapaces de ser felices porque no son ellos mismos. A través de la razón y principalmente la suerte descubrirán que pueden ser felices si dejan salir su yo interior en una ciudad abierta como Nueva York, por muy contradictorio que pueda parecerles.

Esta trama tan supuestamente profunda y compleja se subyace con la comedia Allen de diálogos ácidos y personajes cínicos. Y ésta es la fuerza de la película, el humor, porque el resto de la historia es tan descabellada como previsible y puede que a algún espectador riguroso no llegue a convencerle. Pero por lo menos hemos recuperado al Allen de la mejor comedia, esto no es Billy Wilder, pero va por buen camino.

Cabe sobre todo encomiar el uso de formas narrativas complejas, poniendo a Larry David de narrador consciente, ya que sabe que está contando una historia, llegando incluso a "romper la cuarta pared", es decir, hablar con el espectador de tú a tú y reflejar que aquello es una película sobre él.

1º día en San Sebastián

2009-09-18T22:02:00.004+02:00

Primer día de Festival, después de superar la burocracia estricta -y muy seria- para conseguir la acreditación, hemos visto "Whatever works" de Woody Allen y el film "Sin nombre".

El director neoyorkino ha recuperado la comedia ingeniosa y su espíritu originiario -sin pretensiones comerciales (vease "Vicky Cristina Barcelona")-. La presencia de Larry David en el plantel: cómico, guionista de "Seinfeild" y director de "Curb your enthusiams" ayuda a este efecto. Además, se nota que su personalidad ha influido en el resultado final porque el guión se construye a través de hipocondría, diálogos rápidos y una presencia en pantalla que emula la del propio Woody Allen.

La trama -clásica- junta a un científico anciano, cínico y existencialista, con una joven sureña, corta de entendederas y muy inocente. Larry David se convierte en el alter ego de Allen en la pantalla y la comedia deriva en una serie de secuencias extravagantes que conducen a un giro de guión final, habitual en la filmografía del director.

Señores, Woody Allen ha vuelto, y no ha olvidado su mejor forma de trabajar.

Además, y por seguir un orden cronológico, a las 19.00h vimos un film del apartado "Horizontes Latinos": "Sin nombre". Intenta explicar el viaje en tren que hacen los inmigrantes suramericanos para llegar a EE.UU, y a esto se une una historia paralela sobre las maras. El guión no era más que un cambio de escenario para una historia de amor imposible. Una película que camufla una trama manida con un fondo social inutil en la obra.

Por último, a las 24.00h, pudimos ver "Inglorius Bastards" de Quentin Tarantino. Es un trabajo atípico en el director ,aunque sí, hay violencia y diálogos bien construidos, porque el guión está fragmentado en dos historias que dan dos películas distintas. Además, construye la trama por capítulos, y apenas hay ritmo entre las partes. En mi opinión, en esta etapa de su carrera se ha acomodado en los éxitos y ha olvidado su espíritu independiente y que daba historias bien narradas. Quentin Tarantino hace una gamberrada de película, con vísceras y matanzas, que seguro que será imitada por las generaciones futuras: un mal maestro, en mi opinión

Rumbo a Donosti

2009-09-18T11:51:00.004+02:00

Hoy por fin ha comenzado el Festival de Cine de San Sebastián y, después de tanto hablar sobre él en este blog, partimos (Dani y yo) hacia Donosti para intentar disfrutar al máximo y, si es posible, superar el record del año pasado de 35 películas en 8 días.

Con un poco de suerte hoy podremos ver "Wathever Works" e "Ingloriuos Basterds", quien sabe, a lo mejor también están por ahí Brad Pitt, Angelina Jolie y Woody Allen.

Me consta que Josemi Sánchez e Iñaki Mayora también estarán este viernes en la capital guipuzcoana, nos veremos.

Ian McKellen, Premio Donostia

2009-09-14T20:45:00.004+02:00

El Festival Internacional de Cine de San Sebastián ha otorgado el Premio Donostia al actor inglés Ian McKellen en reconocimiento a su larga trayectoria tanto en cine, televisión y teatro.

El actor de 70 años ve así galardonada una vida dedicada a la interpretación que le ha reportado dos nominaciones a los Oscar, una de ellas por su magnífica representación de Gandalf en la trilogía de "El señor de los anillos", de Peter Jackson, papel que seguirá desempeñando en "El Hobbit". Además en 1998 consiguió en San Sebastián la Concha de Plata al Mejor Actor por "Gods and Monsters"

Pero sobre todo el Festival destaca su capacidad para intercalar papeles de Hollywood, como en "X-Men", con obras de teatro de autores como Shakespeare.

Nota de prensa

Waterworld

2009-09-14T20:38:00.002+02:00

Todo el mundo lo comenta, está en la calle. Seguramente ya te habrás enterado, pero yo te lo recuerdo:

Si disfrutaste con "El mensajero del futuro", no te pierdas "Waterworld"

Este 14 de septiembre después del Intermedio, en la Sexta, "Waterworld".

Que lo disfrutes.

Basura blanca: "El mensajero del futuro"

2009-09-08T18:08:00.000+02:00

Esta entrada está dedicada al señor José Miguel Sánchez, de quien sospecho está detrás de la emisión por parte de TVE de "El mensajero del futuro", una película tan mala que se merece un homenaje. Gracias Txemi por las miles de cartas que enviarías a RTVE para que la programasen.

Alguien debería dar las gracias a Kevin Costner por su dilatada a la par que patética carrera como director de cine, porque si no fuese por él y sus deleznables "El mensajero del futuro" y "Waterworld", no sabríamos lo que es el buen cine.

Cuando yo era pequeño "El mensajero del futuro" era de mis películas favoritas, la echaban cada seis meses y, que demonios, era infantilmente entretenida. ¿Y qué hace tan mala a esta película? Empezemos por el argumento:

En un postapocalíptico año 2013 (a la vuelta de la esquina) los EEUU están hundidos en el caos y la anarquía y, guiados por el imperio del más fuerte y el feudalismo, se dejan gobernar por un haragán y cuatro desarrapados que imponen su ley a sangre y fuego. Pero un rebelde Kevin Costner liderará a un tropa aún más patética de leales servidores de la Administración central, es decir, de carteros, para recuperar la libertad y la democracia.

No me digan que no es genial, que el mismo tipo que te trae la factura del banco y las amenazas de Hacienda sea capaz de convertirse en un héroe que guíe en la lucha de los buenos para derrotar a los malos. Ya lo dice la Biblia: "Los carteros heredarán la tierra".

Y luego están esas interpretaciones, ese Kevin Costner intentando imitar al peor Bruce Willis, y ese guión, salpicado de frases tópicas personajes peor construidos que los de una telenovela de Antena 3. Quede para el recuerdo la breve pero intensa aparición del músico Tom Petty, dejando para el recuerdo uno de esos diálogos infames que cité antes:

Kevin Costner: ¡Eh! Usted es famoso.
Tom Petty (Dirigiéndose al cartero, ya por entonces héroe de la revolución): Sí, antes lo era. Oiga, usted si que es famoso ahora.

¿Quieren ver una película mala a la par que ridícula? No lo duden, ésta es su elección.

"Ghost Dog" de Jim Jarmusch (I)

2009-09-07T20:28:00.004+02:00

... Trata de un negro samurai que es asesino a sueldo

Jim Jarmusch es la imagen que define el término "cineasta independiente". En la entrevista del último número de Cahiers du Cinema España se muestra cómo este autor rompe con las convenciones fijadas para cualquier producción. El director de "The limits of control" habla, por ejemplo, sobre la escritura de ese guión: "Para mí, un guión es sólo un mapa que se crea de antemano que debe crecer a medida que trabajamos. De algún modo he enfatizado este concepto en esta película".

"Ghost Dog: The Way of the Samurai" es una película que encaja bien en el esquema narrativo de Jarmusch. Incluso la sinopsis puede explicarse como la sucesión de anécdotas que sufre un personaje. Así, la historia avanza según las acciones de Forest Withaker: un samurai que sirve como asesino a sueldo a su "maestro". Él es un asesino visto con la óptica moderna, pero se ciñe al código de los samurais y acata las órdenes de su jefe; en verdad, es un guerrero. El protagonista es anacrónico y su personalidad es surrealista, por ello, comparte el mismo molde con los protagonistas de la filmografía de Jarmusch. Además, es un hombre marginal, que vive en un tejado y que sólo se comunica con palomas mensajeras. Si a esto añadimos que los hechos ocurren en una urbe norteamericana, ya vemos muchos rasgos importantes del director.

Otro detalle básico de Jim Jarmusch es la mezcla de idiosincrasias, culturas y razas, que existe entre sus personajes. En "Dead Man", por ejemplo, Johnny Depp era ayudado por un indio americano. Y, en "Ghost Dog", Forest Withaker sirve a la mafia italiana, critica a la sociedad occidental por desligarse de la naturaleza; y su mejor amigo es un francés con quien no dialoga porque hablan idiomas diferentes -posible guiño a su relación inicial con Roberto Benigni, porque se hicieron amigos sin hablar una lengua común-. Me imagino que Jarmusch, con esta coctelera, consigue enlazar ese "mapa" que luego será el guión definitivo.

Es reseñable que el cineasta sepa narrar una historia firme, que va a los hechos desde el comienzo y que no se entretiente en un ritmo pausado -al estilo de Kurosawa- que el carácter oriental pudiese imponer a la película. Muchas veces, se asocia la idea de que el cine independiente tiene otro ritmo distinto al comercial, quizás más realista y minimalista. Incluso, Jim Jarmusch sustituye las transiciones tradicionales entre secuencias por fragmentos del código del samurai, lo que obliga a una reflexión interna al espectador. Con ello, también, ayuda al personaje a dibujarse en la historia, y da una guía al público para entender por qué existe el samurai Ghost Dog.

"Ghost Dog: The Way of the Samurai" está nutrida con ese aura de cine oriental que he nombrado arriba; aunque no sólo afecta a Forest Witaker, sino también a la propia estructura narrativa de la obra. Esto se hace evidente con la referencia al libro "Rashomon" que lee la hija del "Don". Como en el texto japonés, hay espectadores, que no participan, pero que son básicos para el conjunto, porque los hechos no serían los mismos sin ellos.

Esta entrada pretende ser el comienzo de una monografía sobre Jim Jarmusch. En próximas entregas: "Dead Man" y, por supuesto, "The limits of control".

- Contenido adicional:
Jim Jarmusch en "Los 10 magníficos" de TCM

Christian Poveda; la muerte del cronista

2009-09-03T17:08:00.001+02:00

La criatura acabó con él

"La vida loca" se proyectó el 20 de septiembre de 2008 en ese Festival de Cine de San Sebastián que nosotros vivimos en primera persona. Eran las cuatro y media de la tarde, hacia calor y veníamos de la playa.

Christian Poveda era un fotógrafo hispano-francés que había decidio abandonar su labor periodística para retrar con otra cámara, la de video, un conflicto tan duro como absurdo, las maras de El Salvador. Durante tres años vivió el día a día de "La dieciocho", una banda salvadoreña enfrentada como en una tragedia de Shakespeare a la mara "MS". De esa labor surgió un documental "La vida loca", que le ha acabado costando la vida.

Christian Poveda ha sido hallado muerto hoy, 3 de septiembre, en una pequeña localidad salvadoreña. El director, que en el rodaje de "La vida loca" documentó 7 homicidios en la sociedad en la que trabajaba, parece ser que ha pagado su documental con la muerte, demasiado real, demasiado veraz.

Un año después si algo recuerdo de "La vida loca" es la crudeza de sus imágenes, lo que hacía sentir como casi un milagro que una banda de mafiosos permitese a un 'gringo' rodar su vida cotidiana de drogas, sexo y muerte. El nombre, al parecer, era premonitorio.

Vía: El País