domingo, 21 de junio de 2009

Álex de la Iglesia nuevo Presidente de la Academia de Cine

El director Álex de la Iglesia, quien recientemente presentó una campaña contra la drogadicción, ha sido elegido hoy Presidente de la Academia de Cine en España con 204 votos a favor y 43 abstenciones, de un total de 1.300 académicos. Como sólo se ha presentado él, tras la renuncia de González-Sinde (Ministra antipiratería) le valía la mayoría simple de 1 voto para ser elegido.

Entre sus medidas: mejorar la imagen del cine español, combatir la piratería, reconciliar a Garci y los hermanos Almodóvar con la Academia, y acercar posturas entre exhibidores y distribuidores. Casi nada, al menos espero que las galas de los Goya sean más animadas, zombis y esas cosas.

Vía: El País.

sábado, 20 de junio de 2009

"M", Fritz Lang (II)


Fritz Lang, casado desde 1919 con Lisa Rosenthal conoce, en el invierno de 1921, a Thea von Harbou, su guionista en la etapa alemana y, desde ese invierno, su amante. Ese 1921, Frau Lang descubre a su esposo en los brazos de von Harbou y decide suicidarse, coge el revolver de su marido y se dispara en el pecho. La implicación de los amantes Lang y von Harbou nunca quedó del todo clara, pero la negación de auxilio es una de las posibilidades más barajadas. Este episodio marcará profundamente al director y configurará una de sus obsesiones temáticas; todo hombre es un asesino en potencia.

Del año 1921 pasamos al 1931 post-crak del 29, con una Alemania destrozada por la inflacción y un Fritz Lang que ha perdido muchísismo dinero y prestigio tras el fracaso de "La mujer en la Luna". De fondo, además, se encuentra el preocupante ascenso del nacismo. En este contexto, Lang rueda "M" (El vampiro de Düsseldorf). Posiblemente una de las mejores películas sobre asesinos en serie.


El "vampiro de Düsseldorf era una joya de hombre, con antecedentes de padre alcohólico, que desde 1913 a 1930 se dedicó a asesinar a mujeres y niñas pequeñas, y de paso beberse su sangre: Escalofrío.com

Durante el juicio, se dedicó a escribir cartas a los padres de las víctimas en las que se disculpaba de una manera muy peculiar: alegando que él necesitaba beber la sangre lo mismo que otras personas necesitan beber el alcohol...

En 1930 fue atrapado y en el juicio de 1931 se le sentenciaó a 9 condenas de muerte, las cumplió.
Con el asesino todavía en la memoria colectiva, Fritz Lang vio la oportunidad de volver a sus temas favortos; el individuo como elemento de la masa y el que todos los hombres somos unos asesinos en potencia.
Así la trama recoge como, tras una última víctima, la policía relaciona estos crímenes con los de años anteriores y se decide a encontrar al asesino en serie. Ante la ineficacia de los policías, se organizan patrullas ciudadanas y la paranoia se apodera de los vecinos y la prensa, que creen ver un asesino junto a cada niño. En estas la mafia, afectada por la fuerte presencia policial, decide también dar caza al asesino, creándose un triángulo policial de personajes aburdos. Al final es la mafia, poniéndo de manifiesto la ineficacia policial, quien atrapa al asesino y lo juzga en un tribunal popular formado por gente de los bajos fondos. A punto de ser linchado, la policía lo salva y le juzga el Poder Judicial.



A esta película incorpora por primera vez, Fritz Lang, el sonido, que había aparecido en 1927 ("Jazz singer"), convirtiendo, como siempre, a la película en una suerte de experimento estético de Lang, aunque el guión de Thea von Harbou era más de suyo que de ella. Entre sus creaciones podemos destacar el uso del sonido al margen de la imagen, una suerte de voz en off que usa como transiciones, aunque en otros momentos chirría en exceso. También podemos apreciar las innovaciones técnicas que estaba incorporando Lang a su cine, así abundan los travelling, los planos en picado. Pero su mayor innovación es la introducción en el cine, por primera vez en la historia, de un leit motiv claro, ese silbido perturbador de "In the hall of the mountain King", que el asesino repite con cada víctima.


En cuanto a la temática ya he referido el estudio de la masa y el hombre. Al igual que "Metrópolis" y "Furia", aquí la masa es un engrendo heterogéneo de personas que actúan ante la menor provocación. Se aprecia en el director un notable desprecio por sus acciones. El otro gran tema es el hombre como asesino, así, tras presentar al asesino con breves rasgos físicos, psicológicos e incluso grafológicos, de una manera genial y provocadora, consigue incitar el odio natural del espectador. Más tarde, durante el juicio popular, y tras 10 minutos de un glorioso discurso, Lang nos presenta al asesino como un pobre hombre, débil, paranoico, enfermo, inconsciente de sus acciones. Un juego genial de transmutación de sentimientos que rompe al espectador.

Existe por tanto una deshumanización de los personajes que se ve ante la ausencia de protagonistas y una tendencia a llevar hacia el ridículo y la burla las acciones del pueblo. Destaca, por tanto, el abogado defensor, pobre, demente y alcohólico, quizá el único personaje realmente inteligente de la trama.
Es curioso que fuese, precisamente, esta deshumanización la que hizo ver al régimen nazi (que acababa de censurar "El testamento del Doctor Mabuse") una posible filiación con Lang, dándose la mítica frase de Goebbels;

Herr Lang, nosotros decidimos quién es judío, y quién no

Fritz Lang, de ascendencia judía, abandonó Alemania ese mismo día.


Sí bien es cierto que existen analogías entre el film y el ideario nazi, son pura casualidad, ya que, mientras Lang representaba al lider mafioso como a un camisa parda, o un SS, los nazis aplaudían su alabanza a la eugenesia y su falta de compasión cristiana. Un chiste de locos a la altura del III Reich.

En resumen, una de las mejores películas del género de asesinos.

Bibliografía de apoyo: "Fritz Lang", Colección Grandes Directores Chahiers du Cinemas, por Aurénlien Ferenczi.

Fritz Lang en Cinemascope 35:
"Metrópolis".


viernes, 19 de junio de 2009

"Metrópolis": Fritz Lang (I)


Retrocedamos unos cuantos decenios en la historia cinematográfica, preparémonos para un viaje a los inicios del cine. En una época en que el cine se consolidaba como séptimo arte, surgió un hombre, Fritz Lang, cuya huella dura hasta nuestros días. Sirvan estas entradas a modo de homenaje.

Así que empecemos con algo fácil, una de las películas más famosas de Fritz Lang, "Metrópolis".


"Metrópolis", más allá de consideraciones técnicas o temáticas, es una obra cumbre del cine porque supuso, por primera vez en la historia, la culminación de un estilo artístico, el expresionismo. El cine se había incorporado de esta forma a la consideración de "expresión artística".

En el año 2026, en una ciudad moderna de enormes dimensiones viven; por un lado, los obreros, en un gueto subterráneo donde no ven la luz del Sol y en condiciones de trabajo esclavistas. Por otro lado la clase rica y dominante, que gobierna a éstos y cuya única meta en la vida es el ocio al límite.

Freder, el protagonista, pertenece a esta última estirpe, es un joven de buen porte, galán, y el hijo del gobernante de Metrópolis. Un día se enamora de la bella María, una chica de los suburbios a la que, entre sus iguales, se la considera profeta y santa. En su desesperación por encontrar a María, Freder baja a las profundidades de Metrópolis y descubre las penosas condiciones de vida de sus "hermanos", se da cuenta que este modelo social les llevará a la guerra entre "hermanos", por lo que, con la ayuda de María se dispone a salvarlos de la opresión de su padre.


Respecto a la temática, el guión de Thea von Harbou, compañera sentimental de Lang, es sumamente convecional y se centra en clichés sobre el desarrollo tecnológico ampliamente difundidos durante el periodo de entreguerras. Además, no hay que olvidar la filiación nacionalsocialista de von Harbou. Por es, incluso en 1927 (año de su estreno) muchos de los temas de Metrópolis ya resultaban manidos y pesados. Así, el hecho de enfrentar en la pantalla a las masas de obreros contra los dirigentes burgueses, o experimentar con los límites de la ciencia y sus consecuencias en el ser humano, eran tópicos superados en esa época. Por otro lado, Thea von Harbou esgrime ciertas ideas en el guión que podrían recordarnos al nacismo, así el corporativismo y el Sindicato únificado, la fuerte creencia en un líder y salvador, la oposición al poder de las masas y el culto al cuerpo y al atleta, están tan presentes en la película como en el ideario nazi.


Si por algo destaca "Metrópolis" es por sus logrados aspectos técnicos, Fritz Lang en esta época estaba menos preocupado por la historia que iba a contar que por crear buenos planos. Así sus películas alemanas ("Metrópolis", "M") suponen más un experimento visual que una obra narrativa. Lang quería jugar con las posibilidades que le otorgaba las gigantescas maquetas de la ciudad de metrópolis y los decorados futuristas. A tanto llegaba el ansia experiementador de Lang que muchos planos, como la inundación de la ciudad, o la aparición de "Moloch" y los miles de extras clavos, responden más al capricho de Fritz Lang que a la necesidad narrativa. Además el expresionismo alemán se refleja en una fuerte presencia de primerísismos planos. Es por tanto, en su faceta audiovisual donde "Metrópolis" alcanza la perfección, creando precedentes que veremos luego en películas como "Blade Runner" y "El quinto elemento".



Si algo podemos encontrar en esta película que sea una constante en el cine de Lang es, aparte de la obsesión por la calidad técnica, el estudio que realiza de las masas y sus distintos resortes e influencias.

"Metrópolis" es una pelicula repleta de curiosidades, por ejemplo: fueron utilizados hasta 15.000 extras calvos, a los que Lang trataba casi como a esclavos. La película, es muda, y no se conserva ninguna copia original, así se da el caso que en algunos momentos faltan fotogramas y se nos introduce la acción con un letrero. En la escena de "Moloch", decenas de cuerpos salen despedidos a causa de una explosión, para rodar la toma se usaron arneses, aunque los extras no estaban muy por la labor. El propio ayudante de Lang, Gustav Püttcher, tuvo que probarlo para convencer a los extras.
El videoclip de "Radio Ga-ga" de Queen está inspirado en "Metrópolis".
En su momento, la película fue un fracaso, H.G. Wells dijo de ella:
No creo posible que pueda hacerse un film tan necio [...] que concentre prácticamente todos los clichés, todas las necedades, todas la trivialidades imaginables sobre el progreso mecánico.

Bibliografía de apoyo: "Fritz Lang", Colección grandes directores Cahiers Du Cinema, por Aurélien Ferenczi.

jueves, 18 de junio de 2009

La "fiesta" del cine




La iniciativa es sencilla; desde el domingo 21 de junio, hasta el martes 23, ambos incluidos, la FAPAE (Federación de Asociaciones de Productores Audiovisuales Españoles) FEDICINE y FECE, organizan la "Fiesta del cine".

Durante esos días (21-23) con la compra de una entrada (6€) te sellan un "pasaporte" para poder ver películas a 2€ en el periodo de tiempo que dura la promoción.

Una interesante iniciativa, aunque flojea en algunos puntos, a mi entender: Estamos a final de mes, cartera vacía. Y que la cartelera tampoco es que esté en su mejor momento. (Terminator, Coco, Los mundos de Coralline...)

Es una oferta y como descuento no está mal, aunque tampoco va a sacar de pobres a los cines de España.

Web: Fiesta del cine.

jueves, 11 de junio de 2009

"Bad Night": Álex de la Iglesia

Es una locura. Álex de la Iglesia ha creado una campaña para la Fundación de Ayuda para la Drogadicción, y el producto de ese trabajo es este trailer:



Parte del más que conocido lema; "Te puede tocar a ti". Pero llevándolo al terreno de Álex de la Iglesia, intentando crear una suerte de lenguaje para adolescenctes y jóvenes. El resultado es perversamente efectivo, causa miedo, aunque no estoy seguro de si ese miedo es hacia las drogas o hacia los zombis-dedoslargos de la película.

No me quedo yo convencido de que una campaña así vaya a funcionar más allá del bombo mediático.

El making off también es una locura (la web no tiene desperdicio):
www.badnight.es

miércoles, 10 de junio de 2009

Muerte de un viajante/Synecdoche New York

La existencia humana esta llena de grotescas casualidades, aunque la mayoría tiene una explicación lógica. Por ejemplo esta:

En "Synecdoche New York" (película que he comentado) la primera obra teatral que dirige el protagonista, Philip Seymour Hoffman, es "Muerte de un viajante", y logra con ella un gran éxito de crítica. Quien haya visto las dos obras (Synecdoche New York y Muerte de un viajante) comprobará con gracia que el director, Charlie Kaufman, no colocó "Muerte de un viajante" por casualidad en "Synecdoche New York", es más, las vidas, penalidades y destinos de ambos protagonistas, Willy Loman y Caden Cotard, son muy parecidos, que no iguales.

La existencia la rige un mono borracho con una escopeta

"Synecdoche, New York"



Esta es, sin duda, una de las críticas más difíciles que he hecho hasta ahora. Porque "Synecdoche, New York" es una película compleja, es una película total. Es una sinécdoque.

¿Qué es una sinécdoque? Un tropo que consiste en designar un todo por el nombre de una de sus partes.
Como síntesis, aunque esta película es imposible de sintetizar, podemos decir que "Synecdoche, New York" narra la vida de un director de teatro neoyorkino (Philip Seymour Hoffman) obsesivo. Sumamente hipocondríaco empieza a preocuparse por su salud y por la posibilidad de la muerte, y se plantea dos metas: llegar a ser feliz, y realizar la mayor obra de teatro de todos los tiempos.

Charlie Kaufman (guionista de "Como ser John Malkovich" y "Eternal sunshine of the spotless mind") toma las riendas de este proyecto y realiza la que es su primera película como director. En un principio el film nos presenta a un protagonista tímido e hipocondríaco que se obsesiona con su muerte y su carrera. Está casado, tiene una hija, pero es consciente de que no es feliz, y se obsesiona con lograr la felicidad. Consciente de que no puede encontrarla en las mujeres, se vuelca en hacer una obra de teatro monumental y que sea recordada.

Y aquí es donde la película se vuelve escandalosamente barroca. El protagonista decide crear una obra de teatro que sea un reflejo de todos los problemas del ser humano, la soledad, el amor, la familia, el trabajo, convirtiéndose, a la vez, en un reflejo de su propia vida.


Por tanto, tiene que contratar a un actor que haga de él mismo, otro que haga de su mujer, otro que haga de su secretaria, hasta que al final se ve obligado a recrear todo Nueva York. Creando así, una realidad paralela, donde los personajes siguen actuando y viviendo como si no se tratase de un ensayo. Tanto trabajo hace que su vida se vaya hundiendo poco a poco, pasan los años, el director va envejeciendo y la obra no está terminada. Y toda esta decadencia tiene su paralelismo en la obra de teatro.

Esta trama trágica se mezcla con puntos de humor absurdo y extravagante; como la casa permanentemente en llamas donde vive uno de los personajes, saltos en el tiempo, sueños extraños, y el consiguiente caos que produce el que haya dos o tres personas interpretando al mismo personaje.


De esta forma, el director crea una sinécdoque entre; lo que es y hace el protagonista y el ser humano, entre la ficción y la vida real, y entre lo que es Nueva York y el planeta Tierra. De tal forma que Kaufman hace entender que; para muchos, la vida es una obra de teatro en la cual interpretamos un papel prefijado por la sociedad y del que nos es imposible salir. Y que sólo alcanzaremos a ser nosotros mismos cuando nos veamos reflejados en los ojos de los demás.

Con esta película, Charlie Kaufman intenta hacernos reflexionar sobre lo sobrevalorado que está encontrar la felicidad para tener una buena vida. E igualmente, lo ridículo que es buscar el éxito por encima de todo. Kaufman critica fuertemente estas búsquedas individualistas y propone como solución intentar escuchar y comprender a los que nos rodean, ser uno para los demás.

Una película absolutamente recomendable, aunque te dejará un poco descolocado y con la cabeza llena de tribulaciones existenciales. Disfrútenla. Yo la he puesto un 8

En España todavía no se ha estrenado.

lunes, 8 de junio de 2009

Obsesión en la Aldea Global; Cuando Arndt cogió la ballesta


Arndt M., 39 años, en su Alemania natal suena el despertador, enciende el Canal Internacional de TVE, lo están echando ahora. Una tras otra, hace 30 flexiones mientras mira esa serie, "Amar en tiempos revueltos" ("Lieben in Zeiten unruhig". Traducción libre) su serie, donde actúa su Sara Casasnovas. Se ducha y se peina su pelo lacio e insignificante frente a un espejo sucio donde ha pegado una foto de ella, su Sara.



Llaman a la puerta, el cartero trae el último número de su suscripción a "Construya su propia ballesta medieval en casa, fácil y para toda la familia". Coge el superglue, ensambla las piezas, faltan piezas,abre el superglue, lo esnifa, Sí, ¿por qué no? Servirá.

No puede quitársela de la cabeza, la ve a todas horas en el Canal Internacional, no habla castellano, pero la entiende, le gusta. En su pueblo nadie sabe quién es, sus amigos se rien de él. Pero él está convencido, ya lo ha intentado antes con Wynona Ryder, Angela Merkel y, como no, David Bechkam. Y ahora piensa: ¿por qué no?



Coge el primer vuelo Hoffenheim-Burgos-Madrid (¿por qué no?) y se planta en el Teatro Reina Victoria. Nunca pensó que en España hubiese victorias (ni esta), ni Reinas, ni mucho menos teatros, pero da igual, está allí, puede masticarlo.
No compra boleto para la función "La noche de la iguana" ("La noge de la ihuana"), no tendría sentido, parecería un maníaco cualquiera, él no es así, él lleva una ballesta.



Pasadas unas horas la bella Sara Casasnovas sale por la puerta de artistas, a Arndt M., 39 años, natural de Alemania, le tiembla la voz y la mano, no la pide un autógrafo, (parecería un maníaco) increpa algo (en alemán evidentemente) a la actriz y, como un maníaco, saca la ballesta y dispara una saeta de 15 cm. Sara, increíblemente hábil, evita el proyectil, que va a parar a la chaqueta de un señor de 69 años.


La globalización del siglo XXI le ha jugado un buen susto a Sara Casasnovas. El funeral de la chaqueta (buena y leal) será hoy a las 19.00, un rezo por su alma. El resto de la historia, aquí.

domingo, 7 de junio de 2009

Steven Soderbergh estrena en internet.



El director norteamericano Steven Soderbergh estrenó, a principios del mes de mayo, su película "The Girlfriend Experience" directamente en internet, sin pasar por las salas comerciales. Eso sí, no evitó a los intermediarios (cosa que podría haber estado genial) la web Amazon se hizo cargo de la distribución de la película, y a un módico precio de 6 euros, podías descargarte el film y verlo en tu portátil.

Eso sí, el director de "Traffic" o las dos partes de "Che" tampoco ha descubierto el Mediterráneo, pues 3 semanas después, el 22 de mayo, estrenó "The Girlfriendo Experience" en los cines de EEUU. ¿La novedad? Estrenar en internet.

No sé qué le habrá llevado a hacer esto, muy posiblemente, le moviese el gusto por la originalidad, y la publicidad gratuita que consiguó para su película. Pero poco más, porque la película sigue costando lo mismo que en el cine, 6 euros, y no se evita a los intermediarios, en este caso Amazon. En mi opinión habría sido mucho más útil y revolucionario que hubiese creado una web de la película y la hubiese colgado allí, pongamos a un precio de 4 euros, evitando terceras personas y quedándo él toda la recaudación.


Si alguien quiere ver la película la sinópsis viene a ser esta: Una prostitua de lujo, que gána muchísismo dinero, tiene la suerte de tener un novio que comprende su trabajo... pero, en estas conoce a alguien insospechado y... La actriz principal es la estrella porno Sasha Grey (quizá uno de los pocos alicientes del film).

"The Man ho killed Don Quixote": Terry Gilliam se empecina


En la contraportada de El País de hace torpecientos días (cientos, cientos) viene una entrevista a Terry Gilliam, el extrafalario yanki que nos dejó horas de risas (no enlatadas) en "Monthy Python" y que metido a director, ha tenido una cuantas obras notables.

La de hoy es la historia de una hombre que persigue su particular ínsula. A la manera de un Prometeo Gilliam se ha puesto de nuevo a dirigir su película "The man who killed Don Quixote". Un film que empezó a grabarse hace años en las Bardenas Reales (Navarra) pero que la desdicha conviritó en un desastre. Claro, el bueno de Gilliam debió de haber previsto que las Bardenas es un campo de tiro del Ejercito del Aire:



Pero no volverá a las Bardenas. La imposibilidad de filmar con sonido directo en el paraje navarro, por la cercanía de un campo de tiro para aviones de la TAN, hecho que no descubrió hasta el primer día de rodaje del viejo Quijote, cuando empezaron a oírse un reactor tras otro cada 15 minutos. "Sólo volveré si la OTAN quiebra, y sospecho que eso no va a ocurrir".

De esta "experiencia" surgió un documental "Lost in La Mancha", y el propósito de no parar hasta completar su película, que el propio Gilliam definió así:

Nunca quise adaptar el libro como tal. Es grande y perfecto. Yo quería, y quiero, usar Don Quijote y algunas de sus aventuras para sentirme libre, probablemente como haría el mismo Cervantes
.


Por lo tanto, no esperemos una adaptación al uso. Entre las caras que suenan está el gran Johnny Depp, aunque de la entrevista podemos sacar algunas conclusiones del modo de trabajar de Terry Gilliam:
En cuanto a Don Quijote, aún no lo tengo claro. Ni siquiera he pensado en nombres. Aunque seguramente será europeo. ¿Tienes alguna propuesta?".
Y lo mismo con Dulcinea:
También anda buscando una Dulcinea. "Tendré actores españoles. Rossy de Palma se ha ofrecido. No, no será Dulcinea. Pero creo que estará. Para Dulcinea necesito una joven Penélope Cruz, de unos 20 años. Con la locura y el peligro que emanaba Cruz en Jamón, jamón.

Sí, todo muy improvisado, pero así es Terry Gilliam, y así le salen las películas que le salen. Parece que el águila sobrevuela de nuevo. Esperaremos sus resultados.