jueves, 31 de diciembre de 2009

Repaso a 2009

Último día del año 2009; y, antes de comer las uvas, vamos a recuperar las entradas más curiosas en Cinemacope35.

Enero empezó con una no-recomendación, sí, algo extraño en un blog de reseñas, pero era una forma también de reclamar la versión original en las salas de cine. Entre el frío del invierno se coló Alan Ball por una ventana, y Guille tuvo una conversación ficticia con él. Hablaron de no sé qué de un vampiro y esas cosas.

En febrero tuvimos reflexiones, sesudas casi todas. Primero con los Goya . Después, con el análisis de las diferentes películas que compitieron en los Oscars: Frost/Nixon, Benjamin Button. Pero también tuvimos espacio en el blog para la historia curiosa de uno de los primeros aviadores, un paisano de Burgos. Y como noticia adelantamos el rodaje de Spanish Movie.

Marzo fue un mes reivindicativo, a favor del cine en la Cadena Ser, y de la cultura libre. Tuvimos cortometrajes con los premios de la Universidad de Navarra, los Kino. Y le cogimos el gusto a los monográficos, abriendo el camino con Victor Erice. Y ocurrió otra vez, Guille tuvo otro encuentro ficticio. El elegido fue Álex de la Iglesia.

Abril fue un mes de muchas muertes, algunas ficticas, sin pupa. Primero, con la muerte ridícula de Lupe Vélez. También con el rumor de la de Jordi Hurtado (falso rumor, hay que decirlo todo). Y otra muerte cinematográfica, el fin de la carrera anunciado por Viggo Mortersen (a ver si se confrma este año). Y en Cinemascope35 hice una predicción a título personal: la película de Tarantino no me iba a gustar, y acerté. Guille, por último, rememoró en abril al cámara que grabó el golpe de estado en España.

Mayo fue mes de fútbol y de más monográficos. Fútbol por el parecido razonable que Guille destapó entre Mr. Eko (Lost) y Essien (jugador del Chelsea)
. Yo, respecto a los monográficos de directores, hablé de David Lynch y Blue Velvet. Y mi compañero de blog descubrió que le gustaba investigar sobre las voces de doblaje.


Junio fue mes de exámenes, así que la producción bajo un poco. Pero tuvimos monográfico currado de Guille sobre Fritz Lang. Y Álex de la Iglesia tras el encuentro ficticia en este blog, llegó a Presidente de la Academia de cine.

En julio supimos que íbamos a participar un año más en el Festival San Sebastián. Y reseñamos dos películas geniales: "En la ciudad de Sylvia" y "La pelota vasca".

Agosto sirvió para reseñar dos películas bien distintas "Antichrist" y "Resacón en las Vegas". Fue un mes un poco vacío, pero el calor veraniego y algún que otro examen fueron los culpables.

Septiembre fue "el mes", así, a lo importante. Estuvimos en San Sebastián, donde nos acordamos de Christian Poveda, el periodista asesinado por el documental que hizo sobre las Maras. Hubo un momento de relajación y mofa tras ver "El mensajero del futuro", que pasó a engordar la sección genial de Basura Blanca: las mejores peores películas. Y sobre San Sebastián, hicimos una crónica casi diaria sobre lo que allí ocurría; al final, hubo reflexión y fotos.

Octubre también estuvo marcado por un festival, esta vez el de Pamplona. Sobre lo que allí ocurría escribíamos casi diariamente. En Cinemascope35 hubo espacio para los reportajes -el de Guille, sobre las voces de doblaje-, y para las curiosas coincidencias a la hora de programar películas en televisión.

Noviembre fue comprometido también, con las reclamaciones de la Escuela Navarra de Teatro. Hablamos sobre la película española del año "Celda 211". Y de Luis Ciges.

Y concluimos con diciembre, un mes un poco flojo también por exámenes. Este mes hemos tenido dibujos animados, el recuerdo a Ivan Zulueta y el cortomentraje de nuestro amigo Pablo Ibarburu

Más y mejor en 2010

¿Dónde viven los monstruos?



¿Dónde viven los monstruos? Es más, ¿quiénes son los monstruos?, ¿somos nosotros? ¿Sólo los adultos, los zurdos, o, simplemente, los gemelos?

Es difícil hablar de la última película de Spike Jonze, "Donde viven los monstruos", porque no es una película para niños, ni tampoco marcadamente para adultos. Quizá su público sea sólo el propio Jonze, y aquellos que no se consideran ni adultos ni niños, una generación perdida como la nuestra, la de la posmodernidad.


Si algo hay en Spike Jonze que me gusta es su voluntad por contar, de recuperar las narraciones fantásticas propias de los cuentos de cama, sin sentido, que sólo puedan existir en nuestra mente infantil, pero sencillas. Quizá con "Cómo ser John Malkovich" marcó este ritmo genial de dar rienda suelta a su imaginación. Decía Juan Marsé que él, como escritor, era más un narrador que un intelectual:

"Procura tener una buena historia que contar, y procura contarla bien, es decir, esmerándote en el lenguaje"

Hoy día faltan narradores, ¿se siguen contando cuentos para dormir? y como faltan narradores faltan también buenas historias y buenos guiones.

Jonze recupera el texto de Maurice Sendak en el que nos cuenta la vida de un niño, Max, que no encaja en su sociedad; su madre es una mujer divorciada que intenta reacer su vida, su hermana es una adolescente y a él le gusta pasearse por la casa vestido de conejo, contar cuentos y construirse efímeros paraísos donde leer. Cansado del mundo de los adultos, Max escapa a una misteriosa isla repleta de monstruos peludos de 3 metros cuya sociedad se desmorona por la falta de comprensión y tolerancia.



La película toma la fuerza estética de las imágenes creadas por Sendak (las localizaciones son espectaculares, los monstruos tienen una profusión de detalles impactante) y el pulso narrativo de Jonze, que es eléctrico, aunque impreciso. Hay continuos saltos emocionales, se pasa del golpe dramático más duro a una divertida batalla de bolas, y en ocasiones la historia es complicada de seguir o los giros se resuelven de maneras poco lógicas.

Eso sí, el ojo de Spike Jonze ha sabido recrear a la perfección el mundo de Sendak, el escritor. La cámara te transporta a un mundo onírico pero que también puede ser real y pernicioso, como si toda libertad escondiese su desventaja. En ocasiones me daba la sensación de estar ante la película más "bella" de todo el año.


Toda la película se sustenta sobre el viaje interior y transcendental de Max hacia la madurez, en el que los monstruos simbolizan los miedos y complejos de la infancia. También el egoísmo, la idealización y las fantasías propias de los niños.

A pesar de todo, se hace duro ver esta película, demasiado cruenta y desgarradora. No hay esperanza en el mundo de los monstruos, y en el de los adultos predominan los tonos grises. Además está cargada de imágenes y signos que raramente penetrarán en el cerebro de un niño. Aunque seguro que ellos se quedan con otras cosas de la película

El doblaje es un error, perdón, horror.

I Concurso de Periodismo Digital de "Sin futuro"

Hoy os traigo algo completamente desvinculado del cine pero que me parece un proyecto interesante. En el blog de periodistas "Sin futuro y sin un duro" (el nombre es profético) hemos organizado un concurso de reportajes periodísticos en internet, aprovechando las múltiples ventajas de este medio. Por lo tanto, pueden ser videos, fotos, podcast... ¡Incluso hay premio! El jurado, eso sí, lo formamos nosotros.

Pero como hemos redactado un texto muy claro y conciso para la ocasión, mejor lo leéis ahí que lo entenderéis mejor: http://sinfuturoysinunduro.com/2009/12/29/i-concurso-de-periodismo-digital-de-sin-futuro/

Creemos totalmente en las posibilidades expresivas e informativas que los nuevos formatos digitales aportan al periodismo, por eso este concurso está destinado a fomentar su uso y desarrollo.

Este concurso está dirigido a estudiantes de periodismo, profesionales y periodistas ciudadanos. Su objetivo es dar a conocer el talento dentro del sector del periodismo digital.

Para concursar tan solo hay que publicar el trabajo periodístico y mandar el enlace al correo de Sin Futuro.


En caso de que no se disponga de plataforma de publicación, Sin Futuro lo publicará en el blog. Todos los trabajos enviados serán publicados en el blog.

Se podrán presentar trabajos periodísticos (noticia, reportaje, análisis, interpretación, entrevista, fotonoticia, pero no opinión, sobra opinión en el periodismo actual) en cualquier formato digital (texto, vídeo, podcast, fotografía, infografía, pudiendo combinar varios) y todos concurrirán en igualdad de condiciones; aunque el jurado prestará especial atención a aquellos que hayan apostado por la multiplataforma. Cada participante podrá presentar tantos trabajos como quiera.

No importa que los trabajos se hayan publicado en otras fechas y webs, pero a todas ellas se exigirá autenticidad y se usarán los procedimientos necesarios para verificar que no se tratan de plagios. A pesar de todo, el jurado prestará especial atención a aquellos trabajos realizados expresamente para el concurso y que apuesten por la calidad y la hipertextualidad. Los trabajos deberán ser presentados bajo cualquier licencia abierta.

El jurado estará compuesto por los miembros de Sin Futuro y en su decisión tendrán en cuenta la calidad de los trabajos aportados así como su capacidad de generar participación de los usuarios.

El premio constará de un ganador y dos finalistas. El ganador recibirá el lector de e-books que Sin Futuro ganó en los últimos Premios Bitácoras. A los dos finalistas se les concederá una mención especial . Tanto el ganador como los finalistas tendrán la posibilidad de formar parte del equipo de Sin Futuro en calidad de colaboradores.

El concurso comenzará el día 30 de diciembre y tendrá una duración de 2 meses. Tras este período y una semana después de su conclusión, se publicará el ganador en Sin Futuro.

El jurado del concurso se reserva el derecho a declarar el concurso desierto en caso de que ninguna de las obras tenga la calidad necesaria y sortear el premio entre sus integrantes. xDD

I Concurso de Periodismo Digital de Sin Futuro

Fecha de comienzo: 30 de diciembre 2009.

Fecha de finalización: 2 de marzo de 2010.

Tipo de soportes admitidos: texto, fotografía, vídeo, podcast.

Premio: 1º.- Lector de e-book InvesBook 600 y colaboración en Sin Futuro como colaborador.

2º y 3º.- Menciones especiales y colaboraciones en Sin Futuro como colaboradores.


Sin futuro y sin un duro

miércoles, 30 de diciembre de 2009

Ha muerto Iván Zulueta


El director de "Arrebato" ha fallecido hoy en San Sebastián a los 66 años.

Si les soy sincero, yo no sabía nada de Iván Zulueta hasta que hace un año leí una brutal entrevista que le hacía en el diario Público, y en la que decía:

"El cine es mi única salvación"

Ya dije mucho de lo que tenía que decir sobre él en esta entrada. Pero hoy he sufrido un gran choque cuando he leído la noticia en El País, porque creo que se va uno de los hombres más transgresores de la España tardofranquista y de la transición. Un hombre maldito que me fascinó por la lucha interna y descarnada que desarrolló entre la genialidad y la droga.

"Quisiera no perderme en esos entresijos de la metadona"

Creo que a él no le gustaba mucho que le considerasen un "director maldito", pero parece que la vida se ha conjurado para llevarle la contraria.

martes, 29 de diciembre de 2009

"The humpty dumpty story", por Pablo Ibarburu


No tengo el gusto de conocer personalmente a Pablo Ibarburu, pero a través de su obra podemos intentar entender las neuras que barzonean por su cerebro. De Ibarburu se ha dicho que es "el travesti de Berio" pues aunque nació con cerebro yanki vivió muchos años atrapado en el cuerpo de un donostiarra (con todas las contras que eso tiene). A pesar de su apellido netamente guipuzcoano (y sus raíces zamoranas), es, sin duda, uno de los guionistas más prometedores del norte de Texas (en concreto de Denton).

Cojea del humor y es posible que se esté encasillando un poco en la comedia, es difícil saber si ante el drama tendría la misma virtuosidad que con los gags y los chistes. Pero, ¡qué demonios! estamos aquí para reírnos. En el blog macabroyfunesto podemos encontrar muchos de sus textos y, gracias a Youtube, podemos disfrutar del que, hasta la fecha, es su primer cortometraje, "The humpty dumpty story", con ese subtítulo tan floydiano de "just another egg on the wall".

"Humpty Dumpty" hace referencia a un acertijo ingles del siglo XIX que decía así:

Humpty Dumpty sat on a wall.
Humpty Dumpty had a great fall.
All the king's horses and all the king's men
Couldn't put Humpty together again.
Humpty Dumpty se sentó en un muro.
Humpty Dumpty cayó y pegó duro.
Todos los caballos y hombres del rey
No pudieron unir a Humpty de nuevo.
La respuesta, que ha trascendido a toda la cultura anglosajona hasta el punto de dejar de ser un acertijo, es el "huevo". Esta referencia se encuentra en el cortometraje, aunque, en realidad, narra una historia mucho más cruenta (y que nos podría pasar a cualquiera) de como unos padres quieren comerse a su hijo, que para más reiteración, es un huevo de un metro ochenta.






También hay que destacar el trabajo en la codirección de Andrea Aguirre y en el guion de Jonas Goode, "a Youtube star".


P.D. Si alguien ve una felación más brutal que esta entrada que me avise.

miércoles, 23 de diciembre de 2009

¡Sí, son dibujos para niños!


Hace ya mucho tiempo hablé de los dibujos animados como una gran vía de escape creativo, hoy día nadie duda de que detrás de "Los Simpson", "Padre de familia" y "Futurama" hay cabezas pensantes con dos doctorados en Harvard, a los que hay que reconocer que sin ellos la vida sería mucho más dura.

Sin embargo, estos dos ejemplos son dibujos animados para todos los públicos (el primero) y un poco más adulto (el segundo). No sé por qué extraña razón hay gente a la que le avergüenza reconocer que ve dibujos animados para niños, yo los veo. Porque, parémonos a pensar, en toda conversación tabernaria entre conocidos, siempre se llega al momento "dibujos míticos de mi infancia, queporsupuestoeranmejoresquelosactuales".

Pero reconozcámoslo, hoy día se hacen grandes cosas para los niños, quién tuviese esos dibujos de crío. El mejor ejemplo de esto que digo es "Pocoyo", un producto catalán que ha sabido traspasar fronteras con humor y ternura, y que televisivamente hablando es de los más educativo que hay hoy día.




El caso que nos ocupa hoy, lo descubrí por casualidad en Disney Channel y desde el principio vi que tenía algo especial (que falacia), es Phineas y Ferb, una serie estadounidense que narra el verano de dos hermanos que pretenden no aburrirse en esos días de calor. Bajo la atenta vigilancia de su hermana mayor, los dos hermanos llevan a cabo descabellados planes para divertirse. La grandeza de esta serie está en su absoluta sencillez, que combina en perfecto maridaje con un humor muy adulto y situaciones surrealistas. ¡Ah! ¿He comentado que su mascota es un ornitorrinco azul que a su vez es un agente secreto?

Tiene muchas claves para el éxito, la que yo más aplaudo (y cada día está más extendida en la televisión) es su ausencia intencionada de moraleja. Es entretenimiento puro y duro, genial. Otra clave de su atractivo es la apuesta por el humor por encima de otros mensajes, en sus primeros capítulos pesa mucho la acción y poco el diálogo, en sus últimos se ha equilibrado, tiene mucho de humor y es una trama entretenida. Por último quiero destacar a su coprotagonista, Ferb, un cerebrito que no habla, no es que sea mudo, es que no lo necesita. Es raro ver silencio en el cine, mucho más en la televisión. Yo creo que hacer buenos silencios es tan difícil y encomiable como un buen diálogo.


martes, 8 de diciembre de 2009

Apología de los zombies

¿Quién dijo que en el cine estaban de moda los vampiros? Es falso, porque por muchos guaperas que aspiren a conquistar el corazón femenino gracias a mordiscos, los monstruitos que mandan de verdad son los zombies.

Ellos también pueden ser hermosos -por dentro-, incluso darnos un poco de penilla porque sus carnes están empezando a pudrirse. Sin más palabrería hueca os dejo con la evidencia de que los zombies son los amos:

Primer ejemplo, lo vi en el Festival de cine de Pamplona: "Zombies and cigarettes":



Segundo ejemplo, "Un mal momento" de Pablo Vera, visto en el festival de cortometrajes por internet Notodofilmfest:



Tercer ejemplo, "I love you Sarah Jane" de Spencer Susser:



Y último ejemplo, la serie "Zombis" de Berto:



Tras ver tanta sangre y costra, a uno se le reblancece el corazón con estas criaturas.

domingo, 29 de noviembre de 2009

Alternativa: "El baile de la Victoria"

Ayer se estrenó en España "El baile de la Victoria" de Fernando Trueba, yo ya hablé de ella hace bastante tiempo, porque la vimos en San Sebastián. Es una buena alternativa cinematográfica para los que no les guste el futbol.

Yo se lo recomiendo, pasarán un rato agradable.

jueves, 26 de noviembre de 2009

Entrevista a Javier Cámara

Esta tarde, dentro del programa de radio que hacemos en la universidad -"Se nos cae la tarde"- entrevistaremos al actor Javier Cámara.

Hemos propuesto un diálogo distinto, que se acerca al tono humorístico que mantenemos en el programa. Y, conociendo a Javier Cámara, seguro que nos sigue el juego. La entrevista la intentaré publicar esta noche en el blog.

Para no hacer una entrada sólo de autobombo, os dejo una canción montada con imágenes de la película "En la ciudad de Sylvia", se llama Florencia, y es de la cantante argentina Irupé Tarragós Ros:



P.S: "En la ciudad de Sylvia" me recuerda a Apocalypse Now, el actor persigue durante toda la película a otra persona, que sólo recuerda en su memoria, y con la que sólo habla una vez

martes, 24 de noviembre de 2009

"Querida Wendy": El reino de los marginados


"Querida Wendy" es una extrañisima película que hace honor a sus particulares creadores, el director danés Thomas Vinterberg con guión de Lars Von Trier, fundadores de Dogma 95, aunque como todo en esta vida, es difícil mantenerse inamovible en sus convicciones, porque esta película es todo lo contrario de lo que defiende Dogma 95.

Vinterbeg y Trier narran la historia atemporal, en un espacio que nunca nos es localizado ni definido, (aunque todo tiene un aire a los EEUU de los años 70) de una pequeña ciudad dedicada a la minería, donde tal oficio pasa de padres a hijos de una manera sempiterna. En semejante ambiente se crían una serie de personajes que, por no ser lo suficientemente fuertes para la minería, son marginados por la sociedad y llevan una adolescencia penosa en la que abundan los insultos y demás desagravios.



Estos adolescentes, huérfanos, en algunos casos, o casi huérfanos (por la constante ausencia de sus padres) en otros, tendrán que aprender a hacer frente a la hipocresía con la que se les trata, con otras armas, por eso fundan el "pacifismo armado", y la sociedad secreta de "Los dandys". Su filosofía de vida se basa en una veneración cuasi divina hacia las armas de fuego (cada uno pone un nombre a su pistola) y a portar estas por la calle, lo que les hace sentirse más seguros de sí mismos, para, gracias a esto, pueden desarrollarse como personas felices y sin complejos. Eso sí, el "pacifismo armado" implica rechazar cualquier tipo de violencia y el uso de armas fuera del ámbito recreativo. De esta forma intentan separarse del mundo de los adultos, donde impera la ley del más fuerte.


La sociedad secreta de "Los dandys" marca su código de honor (una síntesis de los códigos samurais y de los caballeros medievales), conforman una suerte de logia donde se discute de filosofía, literatura, poesía, y sobre todo, se intentan ampliar conocimientos sobre las armas. De tal forma que el director crea un paralelismo entre el rechazo que padecen las armas de fuego, paradójicamente demonizadas por una sociedad violenta, y la margnalidad en que han vivido estos chicos.

Al final, los adolescentes se ven forzados a enfrentarse al mundo de los adultos para demostrar su supremacía moral sobre estos últimos.


La película ofrece una bella historia que arroja una interesante reflexión sobre el comportamiento en sociedad, una sociedad individualista donde se premia la ambición y la codicia, y la sensibilidad y la inteligencia son aplastadas por considerarse poco útiles. De tal manera que el film da la oportunida de resarcirse a aquellos que siempre han sido dados de lado

lunes, 23 de noviembre de 2009

Luis Ciges y el ejército ruso

El viernes, en La2, emitieron la película "Amanece, que no es poco" de José Luis Cuerda. Para los que la han visto, sólo puedo decir: sí, es una obra de arte; para los que no, pues es cosa suya -esas cosas de la libertad, y tal-; pero uno no critica el cine español igual después de haberla visto. Además, tuvo muy buena audiencia, 1.099.000 espectadores, el mejor dato del espacio Versión Española desde 2007.

El dúo protagonista de la obra está compuesto por Antonio Resines, un personaje genial subordinado a su padre, el maestro Luis Ciges. Tras la proyección, comenzó la tertulia con el director y el actor de Los Serrano (producto nacional); fue exactamente José Luis Cuerda quien narró una anécdota de Luis Ciges que merece pasar a la posteridad: estaba una noche el intérprete en el frente de Estalingrado (sirvió en la Legión Azul), le tocaba guardia, y pensó para sus adentros "yo vigilo mirando hacia donde están los enemigos, y si vienen, aviso"; tras una noche desvelada, con los primeros rayos del sol, se dio cuenta de que había estado mirando toda la noche hacia un muro.

Es una anécdota que define muy bien a este hombre, que con su humor inocente e ingenuo (muy cercano a Gila), nos ha dado tan buenos momentos. Como ofrenda, cuelgo el cortometraje de Javier Fesser "Aquel ritmillo", protagonizado por Ciges:

Parte 1:



Parte 2:



Fuente:
Vaya tele

domingo, 22 de noviembre de 2009

"Lógico que salga mal"

Manos de topo, presentó hace unos meses el videoclip de su single: "Lógico que salga mal". Está dirigido por el realizador catalán Kike Maíllo, quien estuvo al mando también de "El cartero" (hablamos de él en Cinemascope35), éxito del primer disco.



La banda sigue con su humor, que plantea situaciones surrealistas; así, la canción dice en una de sus frases: "Si te peinas con petardos, lógico que salga mal". Y en este tema hablan, como no, de amor desde la óptica absurda.

Ahora, quiero relacionar a los dos agentes del video: Kike Maíllo y Manos de Topo. Y es que ligan como anillo al dedo; para comprobar que el realizador también aspira esa onda de locura genial, cuelgo en este post su cortometraje "Las cabras de Freud". Disfruten con Manos de Topo y su música profunda, y con Kike Maíllo y su obra.

Primera parte:



Segunda parte:

viernes, 13 de noviembre de 2009

"Celda 211": Buenas actuaciones, pobre guión



¡Ay! Hay actores que son capaces de levantarte una taquilla, y si son muy buenos, una sala entera rota en aplausos. Luis Tosar es uno de aquellos, ojalá Daniel Monzón lo hubiese sabido cuando rodó una de las peores películas del cine español "El corazón del guerrero". Pero lo que hoy es innegable es que a "Celda 211" le va bastante bien, ha tenido buenas críticas y está arrasando en taquilla, y, no nos engañemos, es gracias a Luis Tosar.

Uno va al cine con el recuerdo fresco de la genial "Un prophéte", una deliciosa pieza carcelaria donde fantasía y realidad casaban a la perfección con los entresijos de un mundo propio de "Prision Break". Sin embargo, "Celda 211", desde el principio, te muestra sus secretos y la ves llegar, resulta tremendamente previsible, sin giros que asombren al espectador ni le hagan pensar. Seguramente esta previsibilidad reside en sus numerosos errores de guión, la trama salta a trompicones, sin apenas justificaciones. Es difícil contar una buena historia en dos horas, es aún más difícil si no eres un genio del cine, y es casi imposible si eres mediocre, "Celda 211" adolece de este último mal, su director, Daniel Monzón, no es capaz de crear una historia lógica, demasiadas casualidades.

Y el mayor mal del que puede cojear un director mediocre es el del sentimentalismo, estoy HARTO (podríamos crear un grupo de Facebook) de que en todas las películas algun ser cercano al protagonista tenga que pasarlas canutas, o que por ejemplo, sea tratado con dureza, sin tener una justificación demasiado clara, o yo que sé, que se caiga por una escalera sólo para conseguir poner al público del lado del protagonista, pero sin motivos que lleven a que se caiga por una escalera, es un ejemplo, quizá no el mejor. Los directores de cine deben apelar a la inteligencia del espectador, no darle todo mascado, porque sino es probable que se vea maltratado.

Quizá sea yo, que me esperaba un film mucho más sesudo y filosófico. Aunque no todo son reproches al guión, debo agradecer al director, Monzón, su habilidad para mantener el ritmo de la historia siempre a un nivel muy alto, no puedes aburrirte, sabe convinar a la perfección ácidos y puntiagudos diálogos, con espectaculares momentos de acción y ritmo eléctrico.

Pero amigos, a veces el cine son los actores, y en esta película dos de ellos, el mencionado Luis Tosar y Alberto Ammann, los dos protagonistas, saben representar tan perfectamente su papel que te dejan ojiplático. Tosar, con esa voz desgarrada y esa musculatura cuasi vigoréxica, se mimetiza a la perfección con el mal, su personaje "Malamadre", es una sombra, una voz, que agita a las masas. "Malamadre" es el animal, es el instinto, mientras tanto, Alberto Ammann, es "Calzones", un tipo que representa el bien, y porque no decirlo, casi la inocencia, se ve envuelto en la vorágine del caos, hasta tal punto que llega a ser el cerebro del mal. En esa prisión, "Calzones", es la inteligencia, el plan, incluso el humano. Pero ambos se intercambian el papel de bien y el mal durante toda la película, realzando la fina línea que separa el bien del mal, en el fondo todo depende del prisma con el que lo mires.


Una buena opción para pasarlo bien y comer palomitas, pero poco más.

lunes, 9 de noviembre de 2009

Escuela Navarra de Teatro


La situación crítica de la Escuela Navarra de Teatro es muy sencilla de contar: este año, el Gobierno de Navarra les ha dado una subvención de 480.000 euros, que proviene de dos fuentes Consejería de Eduación y la de Cultura. Para el ejercicio que viene -2010- el presupuesto para ellos es de 250.000, y es sorprendente, porque Educación sólo da un euro.

Si en los 25 años de historia de la institución hacían malabares para poder pagar a los cuarenta empleados, alquilar el edificio, programar los cursos y los actos; ahora, con la mitad de dinero, el esfuerzo se antoja insuficiente.


Por ellos, los alumnos de la Escuela han comenzado una campaña de actuaciones para poner el grito en este atropello. No son las manifestaciones típicas, porque ellos son actores y creadores. Hoy, lunes 9 de noviembre, han salido a las calles de Pamplona para quedarse helados, como estatuas. Y que la gente vea que la cultura está maniatada ante el poder. El jueves irán a actuar al mural de Pamplona ciudad cultural 2016 que hay en la antigua estación de autobuses, será a las 7. Os insto a que vayáis a mostrar vuestro apoyo al teatro en Navarra

domingo, 8 de noviembre de 2009

Domingo de videoclips comprometidos

Ayer, sábado noche, tocó Berri Txarrak en Pamplona. Tras dos horas de saltos, empujones y melenas al viento, el grupo cerró el concierto con una canción que pretende remover la Memoria: Maravillas, os dejó el videoclip:



Pero no son los únicos que evocan, también lo hace genial Barricada, en su último disco "La tierra está sorda". Su videoclip "Por la libertad" demuestra que el arte comprometido también sirve en la música:

sábado, 7 de noviembre de 2009

"Euphoria" de Ivan Vyrypaev

El azar, a la hora de escoger una película en las estanterías de la biblioteca, no es corriente. Por eso, tengo que reconocer que cuando cogí "Euphoria" de Ivan Vyrypaev para verla una noche, fue fruto de una confusión. Gracias al título, visto de canto en las baldas, pensé que era "Europa" de Lars Von Trier: curioso error, y bendito, por otra parte. Porque, si la distribución de una película ya es un trabajo duro, seguro que lo es más cuando el realizador es un siberiano de 35 años: Ivan Vyripaev.


"El camino nítido del ciego"

Bueno, anécdota sosa aparte, conviene echar un ojo a la biografía de este realizador que vino del frío. Ivan Vyrypaev, nació en Irkutsk (la meta de la aventura de Miguel Strogoff) y formado en el teatro como actor y realizador. Alcanza el reconocimiento occidental en este arte -a pesar de su corta edad- y en 2006 dirige su primer largomentraje, el que hoy nos ocupa, "Euphoria".

Su experiencia en el mundo del teatro, en esta película, se ve en unos planos interiores muy bien compuestos, donde todo comunica una emoción. Incluso el esfuerzo se hace evidente en los múltiples planos generales que hace de los paisajes de Siberia. Y por esta autonomía, también, a la hora de utilizar el punto de vista se recrea con imágenes de naturaleza muy bellas.

Pero, además, la naturaleza juega un papel importante en este universo simbolista creado por Ivan Vyrypaev. La primera escena, por ejemplo, es clave en el desarrollo de la obra y de los personajes: un ciego recibe ayuda para montar en una motocicleta y correr por los caminos, frente a una bifurcación -por su minusvalía- sigue recto. A continuación, aparece Pavel, el protagonista masculino de la historia, que busca agitado a Vera, el personaje femenino de este relato de amor. Pavel, cuando localiza a Vera, no sabe qué hacer, y por eso la cuestiona de manera constante sobre qué va después de las miradas que se dirijieron en la boda de una amiga. Él es un hombre sin misión, que busca la acción que le personifique. En cambio, ella no tiene otro remedio que aceptar la que le fue asignada: está casada con Valeri y tiene una hija pequeña: Masha.


El sendero es el símbolo clave de la película, porque comunica una población con una gran dispersión de las familias, y también porque las tramas secundarias surgen en este espacio. Así, los personajes que están perdidos, a quienes de manera súbita les cambia la vida, se sientan a un lado del camino, y esperan. Pavel y Vera también pasan por esta escena, porque no saben cómo seguir con su vida. En esta tesitura, deciden tomar el control y romper con la sociedad: ellos toman un nuevo camino, más relajado, donde hay un espacio para su amor.

Ivan Vyrypaev escribe una obra maestra en 70 minutos, sin caer en la radicalidad de los experimental, pero sin cometer los errores sensibleros de las películas románticas. Una alegoría del amor como camino hacia algo nuevo.

Por suerte para los navarros, la película está en casi todos los Civivox de la comunidad. Así que no lo duden, y yerren más a menudo a la hora de coger la obra deseada.

Más información:
- Trailer Euphoria

domingo, 1 de noviembre de 2009

"La vida loca"; un reestreno que es un homenaje

Chapoteando todavía en mi rabiosa saliva por el esperpento de "Sin nombre", perdonen mi mala leche, es que había un montón de niños llamando a la puerta y tenía muy pocas balas. Hoy quiero hablaros de un estreno.

En septiembre de este año nos dejó el fotógrafo Christian Poveda, que fue encontrado muerto en El Salvador. Este fin de semana se ha reestrenado su película, "La vida loca", un documental sobre las maras. Se lo recomiendo.

sábado, 31 de octubre de 2009

"Sin nombre"; un estreno patético

Este fin de semana ha llegado a las salas de cine, con mucho bombo y platillo, la película "Sin nombre", un originalísimo título para una obra que no merece ni un vistazo de sus créditos. No se dejen engañar por anuncios o trailers, cuando la premiaron en Sundance debía de ser April fools' day.

Ni siquiera sé qué hago hablando sobre "Sin nombre", es tan patética que no se merece ni un párrafo, ni que yo desperdicie mi tiempo escribiendo sobre algo que no van a ver, pero considérenlo una obra benéfica, yo les advierto sobre "el horror".


A ver, ¿cómo se lo explico? si uno pone "Sin nombre" en Google, el primer resultado que te reporta es un mensaje que dice:
"Es usted estúpido, ¿cómo va a buscar algo que no tiene nombre?"
Bobadas aparte, centrémonos. "Sin nombre" es la pretenciosa película de una suerte de director californiano-japonés de nombre Cary Fukunaga, que en un arresto de humildad y curiosidad antropológica, decide hacer un drama (dígase con voz de hastío) sobre una inmigrante hondureña que intenta llegar a EEUU con su familia pero por el camino es asaltado y atracado por una "mara", con tanta suerte que "El casper", un "maroso" o pandillero se apiada de ellos y decide protegerles.



El film es un compendio de disparates y escenas comunes de otras películas sobre inmigración, sinceramente, para quien no lo sepa, el tema de la dura frontera Méjico-EEUU está tan trillado que esta película no logra aportar nada novedoso y el espectador acaba embadurnado en su propia bilis de tanto dramatismo facilón.

Desde el principio vemos una historia falsamente dura que en ningún momento llega a emocionarte porque su lenguaje narrativo es tan plano como manido, muertes por aquí, muerte por allá, una vida marcada por la mendicidad y la violencia... Y el espectador, que no es tonto, acaba dándose cuenta que está ante la más tópica de lás películas y que ha tirado 2 horas de su vida ante semejante bodrio. Por último, mi irritación llegó a tal punto que estaba deseando que "El casper", ese mataniños con buen corazón, acabe despeñado y descuartizado en cualquier cuneta, qué coñazo de personaje. Y encima el final de toda esta patética historia es tan previsible que dan ganas de arrancar la butaca y tirarsela a Cary Fukunaga.



Al menos hay una actriz que poco a poco parece ir conformando una prometedora carrera, hablo de la protagonista, Paulina Gaitan, el único diamante en este comedero de cerdos.

viernes, 30 de octubre de 2009

La Berlinale proyectará "Metrópolis" en su versión íntegra.

Cuando hice el análisis de "Metrópolis" de Fritz Lang dije, en su momento, que la actual copia que disponemos los espectadores de a pie es una copia incompleta, porque faltan algunas escenas que desaparecieron, pero que fueron encontradas en Argentina en 2008.

Por lo tanto la próxima edición del Festival de Cine de Berlín proyectará esta última versión íntegra y totalmente restaurada. Bueno, de España a Berlín hay casi 2.000 kilómetros, pero es una buena excusa para hacer turísmo.

Vía: Notisistema

martes, 27 de octubre de 2009

Entrevista a Alfonso S. Suárez (II)

Alfonso S. Suárez nació en Gijón el 5 de noviembre de 1977. Apesar de no tener nada que ver con la prolífica saga cinematográfica de los Suárez, también asturiana, Gonzalo Suárez, Carlos Suárez y Gonzo Suárez (que además son de Oviedo), admira sus obras y reconoce que en ocasiones ha podido trabajar con ellos. A sus espaldas tiene la enorme responsabilidad de ser miembro de la Junta Directiva del Sindicato Nacional de Guionistas (A.L.M.A.) y de la Asociación de Realizadores y Directores Asturianos.(A.R.D.A.). Aunque empezó en el mundo del videoclip, su carrera va encauzada por la ficción gracias a varios cortometrajes como "...Y del hijo" o "El corazón delator", sin desdeñar el documental con "Voces en imágenes".

-¿Cómo surgió la idea de hacer el documental "Voces en imágenes?
Quería homenajear a los actores de doblaje porque considero que son personas muy importantes en el mundo del cine. Además quería terminar con los mitos que rodean a este mundo.
-¿Ha cambiado su percepción sobre el mundo del doblaje gracias al documental?
Ya conocía de antes a algunos actores de doblaje, pero me ha servido para admirarles aún más, porque son grandes intérpretes. Yo los comparo con los cantantes de ópera, porque son capaces de interpretar y transmitirte sentimientos sólo con su voz.
-¿En el documental muchos dicen sentirse bien en su anonimato actual?
Sí que hay algunos que no quieren ser reconocidos por la calle, incluso hubo actores que no salieron en el documental para que no se les reconozcan las caras. Pero lo que todos reclaman es una mayor valoración y reconocimiento por parte del gran público.
-Analizando los mitos que se desmontan en el documental, ¿cómo surge la creencia de que el doblaje es una lacra del franquismo?
Pensar eso es un error, porque el doblaje surge durante la II República, el primer director de doblaje fue el gran Luis Buñuel. Franco se aprovechó de ellos como arma de censura, aunque no tanto como se piensa. Hay mucho falso progresismo suelto fruto de 40 años de oscurantismo.
-Uno de los aspectos más desconocidos del doblaje puede ser el que se doblasen incluso a actores españoles.
Durante el franquismo había actores que daban el perfil físico pero no el de la voz, estos eran doblados por actores a los que luego no se ha reconocido su trabajo, e incluso hay quien les ha atacado dentro del cine español.
-¿Cómo ve usted el subtitulado de películas? ¿es viable en España?
La versión original subtitulado la respeto cuando el espectador conoce el idioma original. Pero esto también implica traducción y los subtítulos en la parte baja de la pantalla obligan a desviar la mirada y hacen que te despites. Si el doblaje es bueno lo prefiero porque apenas se nota.
-¿Cómo se presenta el futuro del doblaje en España?
Las nuevas tecnologías han traído un descenso en la calidad, sobre todo en la series, porque se quiere doblar las series extranjeras a toda prisa para competir con internet. Además las productoras de televisión buscan reducir gastos contratado a profesionales poco preparados.
-Desmontemos el mayor mito del doblaje español, que en otros países de nuestro entorno no se doblan las películas y series.
El doblaje existe en toda Europa, desde Italia, Alemania, Francia, incluso en Portugal que es un país con un nivel de conocimiento de inglés muy superior a España y donde también se doblan muchas cosas.

lunes, 26 de octubre de 2009

Alfonso S. Suárez: "Voces en imágenes" (I)


Durante la realización del reportaje: "Actores de voz", tuve la ocasión de hacer una brevísima entrevista a Alfonso S. Suárez, director del documental "Voces en imágenes", un sentido homenaje que el director tributa a los actores de doblaje.

Tras ver el documental no pude menos que preguntarle a Suárez si en alguna ocasión había visionado su película con los ojos cerrados, como si de un ejercicio radiofónico se tratase, sorprendido, Suárez me dijo que no, pero que le parecía una interesante propuesta. Porque durante las dos intensas horas de "Voces en imágenes" el espectador tiene la oportunidad de poner cara a todas aquellas voces que le han acompañado desde niño; la gran Elsa Fábregas (recientemente fallecida) rememorando a su querida Scarlatta O'Hara, Jordi Brau, la navarra María del Puy, Joan Pera, mimetizado ya como Woody Allen, y un largo etcétera de los mejores de la historia del doblaje español.

Y es gracias a este documental que salen a la luz todos estos "actores desconocidos" que nos son por otra parte, tan cercanos, que logran con un simple golpe de sus cuerdas vocales ponernos los pelos como escarpias. Siendo esta palestra su oportunidad para destruir todos los mitos que les rodean, desde su denominación (a ellos lo de "dobladores" les suena extraño) los ataques de aquellos que les consideran una rémora franquista, su futuro, sus anécdotas. Todo en ellos aparece en "Voces en imágenes" y el espectador queda embelesado por esas voces sin cara que han acompañado su infancia, su adolescencia y su madurez, sus miedos y sus alegrías.
Una delicia de documental, aunque por desgracia, es muy difícil de conseguir. Nos quedamos con el trailer.

domingo, 25 de octubre de 2009

Tom Waits; Please allow me to introduce myself


En relación con el estreno, ya reseñado por mi hermano, de "Imaginarium of Doctor Parnasuss" no puedo menos que pensar que el bueno de Terry Gilliam tenía en mente la canción "Simpathy for the Devil" de Rolling Stones cuando creó ese genial demonio interpretado por Tom Waits. Aquel diablo del:

Please allow me to introduce myself
I'm a man of wealth and taste

Por favor, permíteme que me presente,
soy un hombre rico y con clase




viernes, 23 de octubre de 2009

"The Imaginarium of Doctor Parnassus" de Terry Gilliam


[...] quedas en manos del Doctor

El imaginario del Doctor Parnassus recorre, esta noche, los cines españoles para remover la mente de los incrédulos y encandilar a los puros de espíritu.

Llegan a cartelera los ecos de un septiembre lluvioso, cuando el último trabajo de Terry Gilliam paseó por el Festival de cine de San Sebastián (donde tuvimos el placer de verlo). En un teatro lleno, el director presentó con timidez -quién lo diría, a juzgar por la americana con estilo californiano que llevaba- "The Imaginarium of Doctor Parnassus". El humor irónico de un Monty Python, cuando afirmó en la presentación que esperaba que el público no tuviese grandes espectativas respecto al trabajo, dejo su sitio a una comunicación misteriosa entre ficción y realidad, apatía e imaginación.

El título de la obra rememora el Parnaso, el hogar de las Musas, donde nace la ficción. Donde las historias -en un camino indescifrable- transforman al público. Estas narraciones habitan en el Templo de Apolo. De igual forma, en la película, Christopher Plummer -Doctor Parnassus- y otros monjes protegen la ficción -los relatos-, para que no se consuma, porque sin ella la realidad desaparecería.


La necesidad de imaginar arrastra el coche de caballos del sabio, y también tira de un teatrillo de actores que ayudan a "cazar" a los incrédulos, para que personifiquen sus propios sueños. Así lo harán cuando crucen de un espacio a otro: de la realidad a la ficción, a través de un espejo.

Terry Gilliam maneja al espectador entre estos dos mundos, y muestra el enamoramiento que él siente durante el proceso de creación de una historia. Es un sentimiento romántico anclado, que consigue adherir al Doctor Parnassus. Además, el trabajo reflexiona -en torno a este eje- sobre la inmortalidad, sobre el bien y el mal; y la confusión para identificarlo. Y sobre la sociedad actual, con críticas voraces a la hipocresía, a la superficialidad de las élites.

Es una película profunda, trabajada con mimo a través de un guión detallado, que justifica muy bien la transformación triple del personaje interpretado por Heath Ledger (noticia en Cinemascope35). Terry Gilliam y Charles McKeown explotan su creatividad surrealista en las imaginaciones que se reproducen tras el espejo del Doctor Parnassus. En este apartado, se puede criticar, quizá, la imposición de efectos 3-D exagerados -si bien muestran los conocimientos de diseño del director, a la larga se cansinos-. Pero hay que reseñar, sobre todo, el plantel excelente de actores que componen la película, además de Christopher Plummer y Heath Ledger, también destacan el músico Tom Waits -como Diablo, impagable-; el trío sustituto (Depp, Colin Farrell y Jude Law); Verne Troyer, ayudante enano del Doctor; y Lily Cole, la belleza por la que los caballeros disputarán su honor.

Tras mucho tiempo hablando en este blog de "The Imaginarium of Doctor Parnassus" (desde febrero de 2008), me alegro de haber disfrutado tanto con dos horas de cine. Disfruten ustedes también

lunes, 19 de octubre de 2009

Cuatro y el aborto

Hay alguna cabeza pensante en Cuatro que tiene una mala intención bastante graciosa, me explico: El mismo día que media España (figurada) salió a la calle en contra de la Ley del Aborto, la otra media (aun más figurada) veía en el canal Cuatro de TV la película "Las normas de la casa de la sidra", un descarnado alegato proabortista camuflado de película romántica. Su programación ese día no puede parecer casual

Imagino las caras (seguramente congeladas, en Pamplona hace biruji) de cientos (ellos creían ser millones) de padres y madres, curas, curos y demás españoles "de bien", que al llegar a casa tras "remover" los cimientos del Gobierno se quedaron con un palmo de narices al ver en el citado canal "Las normas de la casa de la sidra". Habrá quien piense que fue un acierto de Cuatro, habrá quien crea que es pura provocación o simple casualidad. Aunque lo más seguro es que estos manifestantes no vean la Cuatro.

A mí, "Las normas de la casa de la sidra" me encanta. Y no sabría decir si lo de Cuatro fue casualidad o no.

sábado, 17 de octubre de 2009

"Ágora"

Debo decir que admiro a Alejandro Amenábar, su cine siempre consigue sorprenderme, y últimamente su valentía y su grandeza adquieren nuevas proporciones, porque con cada nueva película prueba algo completamente distinto, y siempre le sale bien. Porque, para mí, Amenábar es un genio de esos que se dan cada veinte años, es un tipo muy inteligente que sabe plasmar en cada film exactamente lo que busca, por ejemplo: En "Mar adentro", quería conseguir una película sincera y profunda, con conflicto, pero logró mantener los niveles lacrimógenes muy bajos hasta que él lo consideró oportuno, el final. Resultado: una obra graciosa, fuerte, pero no melodramática.



Centrémonos en "Ágora" . Es una película no apta para todos los públicos, es decir, habrá mucha gente a la que le parezca poco atractiva, incluso puede que aburrida. Porque Amenábar no busca emocionar ni mucho menos intenta provocar por provocar, no es el director amigo de los escándalos. Dice Carlos Boyero aquí (el crítico del "inane" y el "fútil", a quien debo reconocer el mérito de haber sido capaz de unir al cine español, aunque fuese en su contra) que "Ágora" es fría, lo es, pero porque Amenábar quiere, reformulando al propio Boyero, llega al cerebro, no al corazón, y es algo que le agradezco profundamente a Alejandro Amenábar. Por lo cual estará más cerca del crítico que del público.

Rodea a esta obra un aúrea de amor al arte y la ciencia, de absoluta sumisión ante el conocimiento y la razón, por lo tanto Alejandro Amenábar quiere abrir los ojos de los fanáticos y los violentos. Se respira durante todo el film una aire de repulsa y vergüenza ajena ante los actos de violencia, hacia la espada y el garrote. Por eso, aquellos cristianos que puedan sentirse ofendidos por esta película significa que no han sido capaces de profundizar en su mensaje, porque tanto cristianos, como judíos, romanos y griegos acaban vilipendiados, es la ciencia la única privilegiada.



A través de la vida de Hipatia, casta filósofa alejandrina del siglo V de nuestra era dedicada en cuerpo y alma a la astronomía, Alejandro Amenábar escribe una oda en honor a la incógnita que busca trazar paralelismos entre la actualidad y ese siglo V del que tan alejados nos sentimos. Por eso abundan los planos que enfocan a la Tierra desde el espacio, como un uno atemporal condenado a ser cíclico. Llegando a comparar a la especie humana con hormigas (a ese propósito dedica dos planos geniales) que no son capaces de pensar como individuos sino como masa, defendiendo a su vez un estilo de vida muy cartesiano, el de cuestionarlo todo, no fiándonos nunca de nuestros sentidos.

La inteligencia de esta película (como "Mar adentro" o "Los otros") radica en la intención del director de huir de todo aquello que sea irracional, es decir, las pasiones, por ello su perfil emocional es incuestionablemente bajo (a excepción de un par de escenas de violencia extrema cuyo significado ya he explicado) encontrando la fuerza del film en su ejemplificación de que la búsqueda del conocimiento es la mejor vía para alcanzar la felicidad (hay escenas donde el amor hacia los libros se muestra más claramente que el amor físico).



Entre medias se cuela un triángulo amoroso que en mi opinión desluce más que aporta y que sólo se puede explicar desde el punto de vista de las ambiciones económicas de un productor (un ejemplo paradigmático de este mal sería "Blade Runner"), la avaricia es lo que tiene.

Respecto al trabajo de los actores, Amenábar ha conseguido, sin duda, una muy convincente interpretación de la británica Rachel Weisz, perfectamente mimetizada en su papel de erudita pero sin maquillar su fuerte carga erótica. Los secundarios desmerecen un poco, no llegan a la altura de Weisz, por otra parte algo complicado, pero quiero destacar a Sami Samir por su brutal interpretación de Cirilo, el despiadado obispo de Alejandría, y a Ashraf Barhom, un perfecto perturbado en su papel de Amonio. Se agradece tal trabajo de cásting.

Para finalizar quiero destacar la ingente labor de producción y la importante financiación con que ha contado la película, un trabajo que Alejandro Amenábar refleja en unos planos muy bien construidos, limando cada detalle innecesario y que se recrea con profusión de detalles en la arquitectura y los escenarios, haciendo una composición muy agradable y para nada recargada.

Vayan a verla, lo agradecerán.

viernes, 16 de octubre de 2009

Reportaje: El doblaje en España

A finales de septiembre hice un reportaje titulado "Actores de voz" donde intentaba reflejar la realidad del mundo del doblaje de películas en España. Éste es un ambiente un tanto cerrado y poco conocido.

"Actores de voz" son cinco páginas de texto, 2.000 palabras más o menos, por ello sólo voy a seleccionar algunos párrafos que considero interesantes. El resto del texto lo colgaré en Google Docs a disposición de quien quiera leerlo.



Alfonso S. Suárez, director del documental “Voces en imágenes”, los denomina “cantantes de ópera” porque su instrumento de trabajo es la voz. Su labor está detrás de todas las películas en España aunque suelen pasar desapercibidos. Ellos son los actores de doblaje.

¿Qué pensarían si les dijese que los actores Tom Hanks, Nicolas Cage y Tom Cruise son en realidad la misma persona? Evidentemente creerán que es imposible, aunque en esa “gran caja mágica” que es el cine nada es lo que parece, ni las voces. Porque en castellano la voz de todos estos actores pertenecen a una misma persona, el catalán Jordi Brau, actor de doblaje.

En “Voces en imágenes” Suárez da voz por primera vez a los actores de doblaje para defenderse de los numerosos mitos que rodean a este sector. Uno de los que más enemigos les ha costado es aquel que dice que son una “herencia del franquismo”, tanto que el veterano actor de doblaje Chema Lara–que durante años dobló la serie “Caballeros del Zodiaco” y es el doblador del actor Ray Abruzzo– llega a percibir una “presión social” en su contra, una presión que Alfonso S. Suárez no duda en calificar de “falso progresismo.”

Un poco de historia

El doblaje llegó a España en 1932 durante la II República y ese año se instalaron los primeros estudios en Barcelona y Madrid, siendo el primer director de doblaje español el ilustre Luis Buñuel. Con la llegada al poder del régimen de Franco el doblaje pasó a ser un arma de censura sobre el cine extranjero, aunque Alfonso S. Suárez matiza: “El franquismo se aprovechó del doblaje por intereses políticos, pero no tanto como se cree”. De esta etapa quedan ejemplos de censura como el de “Casablanca” donde Rick, el personaje de Humphrey Bogart, luchaba en el bando republicano durante la Guerra Civil española, un matiz que el franquismo eliminó.

Humprey Bogart en Casablanca

Aunque no sólo sirvió para censurar, en esta época el cine nacional vio crecer un fenómeno significativo, el doblaje de actores y actrices de películas españolas que daban el perfil físico pero no el interpretativo, una etapa cinematográfica en la que, como afirma Suárez: “Hasta la actriz Gracita Morales se doblada a ella misma.”


Debate: Doblaje sí, doblaje no

Gracias a Internet los usuarios tienen hoy día a su disposición gran cantidad de material en versión original, páginas web como “thepiratebay.org” y “mininova.org” permiten el intercambio legal de abundantes películas extranjeras, y portales como “subdivx.com” y “subtítulos.es” albergan subtítulos en castellano de descarga gratuita. Todos estos avances han creado una necesidad comercial de salas en versión original. Por ello, en Pamplona Golem Yamaguchi organiza ciclos de verano con cine independiente subtitulado, aunque Carlos San Julián reconoce que este tipo de proyecciones no son lo habitual, “en capitales de provincia es muy raro y en ciudades como Madrid sólo los emblemáticos Golem Alphaville estrenan todo en versión original subtitulado.”

Carlos San Julián justifica la ausencia de salas en versión original subtitulado por su escasa rentabilidad ya que el doblaje llega a más gente y tiene más demanda, además subtitular las películas es mucho más caro que doblarlas. Aunque Íñigo Purroy, responsable de Marmac Group en Navarra, una empresa de doblaje que tiene entre sus clientes a Warner Bros y Discovery Chanel, apunta mas hacia una factor cultural, “no hay tradición, desde pequeños nos acostumbramos a ver todo doblado, por eso quizá nos cuesta más aprender otros idiomas.”

Carlos Revilla

En España siempre ha habido siempre un doblaje de calidad, tanto es así que actores de doblaje como el ya fallecido Carlos Revilla, primer intérprete de Homer Simpson en nuestro país, fue reconocido por Matt Groening, creador de “Los Simpson” como el mejor actor de Homer en todo el mundo. Otra gran figura del sector es Joan Pera, que durante décadas ha doblado a Woody Allen, llegando a transmitir tan bien la personalidad nerviosa y maniática de los personajes de Allen que el director neoyorquino premió su trabajo otorgándole un papel en una de sus últimas películas, “Vicky, Cristina, Barcelona.” Hay incluso actores que han llegado a ser reconocidos por el gran público, como Constantino Romero por su doblaje de Clint Eastwood o Ramón Langa como Bruce Willis.

También el doblaje español tiene sus particularidades, como apunta Íñigo Purroy de Marmac Group, “el doblaje en España es bueno, pero también es diferente al de otros países, porque en cada lugar están acostumbrados a un tipo de trabajo. Aquí el doblaje es muy exagerado e interpretativo.”

Aun así el porvenir del sector del doblaje en este país no está del todo claro, porque tanto Chema Lara como Alfonso S. Suárez pronostican un futuro complicado ya que la calidad de los trabajos está disminuyendo, según Lara porque: “Cada vez se cobra menos, las distribuidoras y las productoras pagan peor y los únicos que aceptan esos sueldos son la gente menos capacitada.” Aunque Suárez marca ciertas diferencias, “ en el cine todavía se cuida mucho, pero en televisión se trabaja con prisas y no se contrata al personal adecuado.”


Formación profesional


Con este panorama uno de los retos más importantes que tiene por delante el gremio del doblaje es el de la formación de sus profesionales. Sorprende por ejemplo que el Ministerio de Educación no reconozca como oficial ningún plan de estudios, por lo que no existe una titulación específica para quien quiera aspirar a ser actor de doblaje. Chema Lara, que además de actor es director de “Chitón Estudios” una escuela de doblaje en Madrid, reconoce que “hay numerosas academias de doblaje pero ninguna es oficial”.

Chema Lara, basándose en su experiencia profesional, destaca que “al principio es difícil conseguir trabajos pero si eres bueno y tienes buenas recomendaciones de tus profesores acabas saliendo adelante.” Aunque Purroy advierte: “Trabajar en España no es fácil porque es mundo muy cerrado, de tal forma que en las superproducciones siempre están los mismos, porque lo hacen muy bien.”

Los tiempos han cambiado muchos desde que en 1929 se estrenase “El cantante de jazz”. Los métodos de doblaje tampoco son los mismos, se ha pasado de doblar las películas de un tirón como si de una representación de teatro se tratase, a doblar a los actores en “bandas de arte”, cada actor individualmente para unirlos después en la sala de edición. El futuro de esta profesión, y del sector cinematográfico en general, es hoy más sombrío que nunca. Sin embargo, algo se ha mantenido inmutable a lo largo del tiempo, los actores, a quienes Alfonso S. Suárez no duda en calificar de “cantantes de ópera, ya que con su voz, su instrumento, son capaces de recrear sentimientos.”


"Actores de voz", reportaje completo aquí.